Опубликовано

19.05.2021, Дубна, «Прощай, оружие!»: ДРУГОЕ ДЕЛО (Воронеж)

 

Музыка «Другого дела» проста и сложна одновременно, она пронизана эстетским флёром и бунтарским духом, она мелодична и танцевальна – и при этом экспериментальна, изысканна и «независима» в лучшем смысле слова. 


Опубликовано

Александр Городницкий (Москва)

Александр Городницкий, голос
Александр Костромин, гитара

Александр Городницкий… Кто-то знает его как доктора геолого-минералогических наук, профессора, академика РАЕН, главного научного сотрудника Института океанологии. Кто-то – как одного из основоположников авторской песни, поэта, писателя. Но феномен Городницкого в том, что эти его ипостаси неотделимы одна от другой. Не было бы учёного – и бард был бы совсем другим. Не было бы барда – и научная деятельность была бы не той, что есть.

Городницкий родился в 1933 году в Ленинграде. Пережил блокаду. В 1951-м окончил школу с золотой медалью и поступил на геофизический факультет Ленинградского горного института по специальности «геофизика». Именно она и стала его основной профессией в течение всей жизни, хотя неглубоко знакомые с его биографией поклонники полагают, что Александр Моисеевич – профессионал из области культуры. Немудрено: Городницкий — автор более 30 книг стихов, песен и мемуарной прозы, а также нескольких десятков (!) альбомов с авторскими песнями. Член Союза писателей России (1972), Международного пен-клуба (1988), Союза московских писателей и Международного Союза писателей-маринистов, президент Ассоциации российских бардов, лауреат Царскосельской художественной премии (1998) и национальной общественной премии «Благодарность» (2005), первый лауреат Государственной премии имени Булата Окуджавы (1999). Стихи и песни Городницкого переведены на языки многих народов мира, включены в школьные программы. Его творчеству посвящены многочисленные статьи, кандидатские и докторские диссертации. Именем Александра Городницкого названы малая планета Солнечной системы и горный перевал в Саянах.

Однако всего этого можно и не знать. Достаточно того, что для многих Городницкий – это «Всё перекаты, да перекаты», это «Атланты держат небо на каменных руках», «Жена французского посла», «Снег над палаткой кружится». Это десятки песен, без которых попросту немыслима культурная история СССР и России последних десятилетий.

[текст 2016 г.]

Александр Городницкий + «МузЭнерго»: прошлое

  • 25 мая 2016 — Дубна, ДК «Мир»

Архив афиш

Опубликовано

Александра Магерова (Москва)

Александра Магерова (вокал)
Владимир Гафиятов (клавишные) 
Марат Гафиятов (контрабас)
Дмитрий Бутыров (ударные)

Квартет Александры Магеровой в указанном составе привлекался проектом «МузЭнерго» для организации детской музыкальной программы на городском празднике по заказу сторонних организаций.

Александра Магерова + «МузЭнерго»: прошло

  • 12 июня 2016 — Кимры, фестиваль движения «Мы — кимряки»

Архив афиш

Опубликовано

Михаил Гельфанд (Москва)

Михаил Сергеевич Гельфанд — российский биоинформатик, доктор биологических наук, кандидат физико-математических наук (биофизика), профессор факультета биоинженерии и биоинформатики МГУ, член Европейской Академии, заместитель директора Института проблем передачи информации РАН. Член Общественного совета при Министерстве образования и науки РФ. Член Совета Общества научных работников. Заместитель главного редактора газеты «Троицкий вариант — наука». В сферу научных интересов входят: сравнительная геномика, метагеномика, метаболическая реконструкция и функциональная аннотация генов и белков, поиск регуляторных сигналов, эволюция метаболических путей и регуляторных систем, альтернативный сплайсинг, статистические особенности последовательностей ДНК.

[текст 2016 года]


Михаил Гельфанд + «МузЭнерго»: прошлое

  • 25 июня 2016 г. — Дубна, Зал Администрации

Архив избранных афиш

Опубликовано

Bloom Effect (Швейцария)

Йохен Балдес (Jochen Baldes), саксофон
Франц Хеллмюллер (Franz Hellmuller), гитара
Герберт Крамис (Herbert Kramis), контрабас
Тони Ренольд (Tony Renold), ударныe

Их музыка – тот современный европейский джаз, к которому уже давно не получается применить определение «мэйнстрим», да и более универсальный термин «straight-ahead» не подойдёт. Это полноценное авторское произведение, крупное и комплексное полотно, разбитое по законам жанра на отдельные композиции, но интересное именно как цельный длительный концерт, полный культурных нюансов, глубины, самоотдачи и щемящей искренности.

Описывая свой подход к музыке, четверо швейцарцев-участников Bloom Effect постоянно возвращаются к знаменитому высказыванию Майлса Дэвиса, который назвал свой альбом «Filles De Kilimanjaro» «световым шоу для слепых». Для них самих Bloom Effect – это своего рода документальный фильм о путешествии, но о путешествии в широком смысле слова – для ног, разума, сердца, глаз, ушей, души. Эта музыка не только для того, чтобы слушать: она приглашает смеяться и мечтать, двигаться и удивляться. Музыкальный ландшафт, создаваемый совместными усилиями, полон противоречий, в нём есть место и прозрачным простым мелодиям, и неожиданной взрывной асимметрии. Как следствие – каждый из концертов оказывается и для самих музыкантов, и для слушателей непростым и в чём-то даже рискованным углублением в неведомое.

Каждый из четверых основателей коллектива – саксофонист Йохен Балдес, гитарист Франц Хеллмюллер, басист Герберт Крамис и барабанщик Тони Ренольдс – считает Bloom Effect наиболее показательным и успешным опытом самовыражения. То, как именно им удалось собраться вместе именно в этой комбинации – отдельная и любопытная история; важнее скорее тот простой факт, что для каждого из них «самовыражение» — не самоцель и не рекламный ход, а глубинная творческая необходимость, рождённая из огромного опыта работы в самых разных контекстах с самыми разными партнёрами, как звёздными, так и не очень. Bloom Effect – далеко не та весьма популярная сегодня форма существования, когда решение о создании ансамбля принимается за кружкой пива случайно встретившимися приятелями, которым не помешает новая работа под новой вывеской. Bloom Effect – это полноценная авторская музыка, к которой участниками пройден непростой путь и которая не могла бы родиться у музыкантов более молодых, менее опытных, более сфокусированных на карьере в ущерб качеству.

Где и у кого ни учились? Список впечатляет. В нём престижные школы (Швейцарская джазовая школа в Берне, Американская школа современной музыки в Париже, Высшая школа музыки в Люцерне), известные программы «повышения квалификации» (например, сессия Международной ассоциации джазовых школ в Хельсинки), частые уроки у таких мастеров, как Седар Уолтон, Уинтон Марсалис, Билли Хиггинс, Том Харрелл, Кенни Вернер, Дэйв Либман, Гэри Пикок.

Выступления отдельных ансамблей, в которых работали музыканты Bloom Effect, проходили почти по всему миру, включая совершенно неожиданные и экзотические места. Хеллмюллер и Балдес, например, участвовали в нашумевшем интернациональном проекте «МузЭнергоТур», в ходе которого смешанная команда импровизаторов несла свою непростую музыку по России. Так что в их послужном графике есть всё: и престижные фестивальные выступления (включая Монтрё, на который швейцарскому артисту пробиться труднее всего), и регулярное присутствие в ведущих джазовых клубах Старого Света, и представительные туры по странам других континентов (Куба, ЮАР и т.п.), и невообразимая российская глубинка – чего стоит открытый концерт в рабочем посёлке Уруша Сковородинского района Амурской области.

Словом, участники Bloom Effect не лукавят, когда говорят о путешествии. Они готовы и самостоятельно ехать куда угодно (если есть хоть один заинтересованный в них слушатель), и вести за собой слушателя, пока он сам того хочет.

[текст 2016 г.]

 


Bloom Effect + «МузЭнерго»: прошлое

  • тур 2016 года:
  • 1 ноября — Воронеж, фестиваль «Джазовая провинция» (книжный клуб «Петровский»)
  • 2 ноября — Курск, фестиваль «Джазовая провинция» (Филармония)
  • 3 ноября — Калининград, паб «Лондон»
  • 4 ноября — Москва, «Эссе»
  • 5 ноября — Екатеринбург, «EverJazz»
  • 6 ноября — Уфа, джаз-клуб
  • 8 ноября — Челябинск, «Moskva»

Архив избранных афиш

 

Опубликовано

Михаил Казиник (Швеция)

Михаил Казиник – искусствовед, музыкант, писатель, поэт, философ, режиссер, страстный просветитель и один из самых эрудированных людей нашего времени. Встреча с ним, без преувеличений, буквально переворачивает весь мир – и внутренний, и внешний. Когда он стремительно выходит на сцену, начинает говорить или играть – в зале не остаётся ни одного человека, который не был бы захвачен его ураганной энергией, не был бы увлечён уникальным моноспектаклем этого удивительного человека.

Обладает удивительным даром рассказывать о культуре и искусстве. Участие в его выступлениях на равных Слова, Музыки, Поэзии, элементов Театра буквально завораживает. «Я не популяризатор музыки или какого-либо другого вида искусства. Те, кто занимается этим, зачастую уничтожают его смысл. У меня совершенно иная задача – духовно настроить человека на ту волну, на те вибрации, которые исходят от творений поэзии, музыки, литературы, живописи. Всякое подлинное искусство – это передатчик, а человек, который по разным причинам не настроен на его частоту, – испорченный приемник. Я его ремонтирую» — говорит Михаил Казиник.

Любое появление Михаила Казиника — это событие. Аудитория замирает, слушая его вдохновенные рассказы, в которых всем известные истории, например, история Моцарта и Сальери, оборачиваются захватывающим детективом. Какие тайны хранят полотна Рембрандта? Почему мы не умеем слушать классическую музыку и как, собственно, ее надо слушать? Чего мы не знаем о великих музыкантах прошлого? Что нового можно услышать во всем известной «Лунной сонате» или разобранных на рингтоны симфониях Моцарта? Какие загадки прячутся в растиражированных на постеры и открытки полотнах знаменитых художников? Что за удивительный и тайный смысл зашифрован во всем известных стихах Пушкина? Ответы на эти и многие другие вопросы в точности не знает никто, но Михаил Казиник поможет вам хотя бы на несколько шагов приблизиться к разгадке этих тайн.

ПРОГРАММА «ТАЙНЫЕ ЗНАКИ КУЛЬТУРЫ»: Человеческое общество должно покоиться на четырех основаниях: разум (философия, наука), доброта и любовь (религия), красота (искусство), справедливость (правосудие). Попробуем собрать всё это в единый вечер на сцене. Коды великих цивилизаций. Тайны гениев. Музыка, риторика, логика, литература, гармония. Зрительное и ассоциативное, чувственное и структурное связываются в единую картину Мира. Мы испытаем всю мощь синтеза времени, знания и искусства.

В программе принимает участие лауреат международных конкурсов Вячеслав Зубков — фортепиано.

[текст 2016 года]


Михаил Казиник + «МузЭнерго»: прошлое

  • 8 ноября 2016 г. — Дубна, ДК «Мир»

Архив избранных афиш

Опубликовано

Fróði Hansen (Фарерские острова)

Фроуи Хансен (Fróði Hansen), гитара, голос
Баштал Аугустинуссен (Bartal Augustinussen ), гитара, голос

Хансен – музыкант-мультиинструменталист и певец с Фарерских островов, исполняющий песни собственного сочинения. Музыка Фроуи примечательна выразительным и ярким вокалом, запоминающимися мелодиями и любовью к звуку семидесятых.

Фроуи вырос в доме полном музыки. Его отец, Ганс Карл Хансен, легендарный фарерский музыкант, играл на гитаре в группе Straight Ahead, являвшейся пионером на фарерской рок и поп-сцене, особенно после из релиза 1978 года «Veðraplátan». Этот альбом вдохновил множество фарерских музыкантов на написание и исполнение собственной музыки, а не каверов. Старшая сестра Фроуи, Гури Хансдоттир, ставшая популярной далеко за пределами своей Родины (в 2014 и 2015 годах она побывала в России с гастролями, сыграв в общей сложности 20 концертов в 16 городах), также оказала сильное влияние на брата.

В 2006 году девятнадцатилетний Фроуи, будучи барабанщиком, вместе с сестрой создал группу Isadora And The Rebels, они играли месте в течение года. Затем, совмещая игру на барабанах с пением, Фроуи основал группу Moby The Pink Pilot, вместе с которой выиграл фарерский музыкальный конкурс «Sement». Группа играла на нескольких фестивалях и записала два сингла, но так и не выпустила альбом.

В 2009 году Фроуи издал свою дебютную пластинку «Creeping Storm», которая была очень тепло встречена музыкальными критиками и слушателями. Песня «Nobody Goes To Hell For Having Loved» стала популярным радио-хитом. В том же году Фроуи переехал в Копенгаген, где объединился с The Pink Slips, которые стали его товарищами по группе на следующие три года. В 2010 году Fródi and The Pink Slips выпустили EP, отыграли на большинстве концертных площадок в Копенгагене и заработали репутацию «блестящей живой группы».

2012 год был отмечен выпуском долгожданного альбома «The Mouse», который получил восторженные отзывы из различных частей мира. Финский рок-журнал «Noise» дал альбому пять звёзд, назвав его «одной из лучших рок-пластинок года, которая заслуживает гораздо большего внимания», а датский онлайн-журнал «Bands of Tomorrow» также дал ему самую высокую оценку, назвав «альбомом месяца».

После трехлетнего перерыва в концертной деятельности и записи музыки, Фроуи осенью 2015 года выпустил два сингла: «Waltz Me Back In Time» и «Missing In Action», а в 2016 году вышел его новый альбом, получивший название «Ultramarine».

[текст 2017 года]

Free Folks + «МузЭнерго»: прошлое

  • 20 января 2017 г. — Дубна, «Лимонад»

Архив избранных афиш

Опубликовано

Юлий Ким (Москва)

Юлий Ким, гитара, голос

Юлий Ким. Нет ни одного ценителя авторской песни в мире, который не был бы знаком с его произведениями; и вряд ли есть хоть один житель СССР или современной России, который не соприкоснулся бы с его стихами и музыкой.

Юлий Черсанович – легенда в самом прямом смысле слова. Его песни давно стали народными, и люди всех возрастов узнают и поют их, не подозревая, что у них есть совершенно конкретный автор. Впрочем, и немудрено, что узнают и поют: талант Кима оказался достаточно велик и заметен, чтобы со временем его стихи начали класть на музыку и куда более «официально признанные» композиторы, среди которых Алексей Рыбников, Геннадий Гладков и Владимир Дашкевич.

В 2016-м Юлий Ким отметил два совершенно потрясающих юбилея. Ему исполнилось ни много ни мало восемьдесят, а его творческой карьере – шестьдесят. Первые песни на собственные стихи созданы им в далёком 1956-м.

Сегодня в дискография Юлия Кима — более 20 наименований дисков. Его перу принадлежит более полутысячи произведений, его песни вошли практически во все антологии авторской песни, а также во многие поэтические антологии современной русской поэзии. Ким – автор трёх десятков пьес и десятка книг, лауреат премии «Золотой Остап» (1998), лауреат российской Государственной премии имени Булата Окуджавы (2000), лауреат национальной премии «Поэт» (2015). Ким много сделал и как переводчик – так, знаменитый мюзикл «Нотр-Дам де Пари» на русском языке исполняется именно в его версии.

И всё это время Ким поёт. Ни возраст, ни признание заслуг, ни занятость самыми разнообразными проектами не могут остановить его в том, за что его знает и любит вся страна. И если многие рок-или поп-звёзды частенько не выносят даже просто упоминания о тех ранних хитах, которые и сделали им имя, то Юлий Черсанович с удовольствием радует своих слушателей и новым, и «классическим» репертуаром.

[текст 2017 г.]

Юлий Ким + «МузЭнерго»: прошлое

  • 4 февраля 2017 — Зеленоград, КЦ «Зеленоград»
  • 5 февраля 2017 — Дубна, ДК «Мир»

Архив афиш

Опубликовано

Государственный камерный оркестр джазовой музыки им. Олега Лундстрема (Москва)

Олег Лундстрем — личность, значение которой для советской и российской культуры переоценить невозможно. Именно о нём было принято говорить: «У Лундстрема всегда было правило — не прибегать к услугам звёзд. Звёздами становились у Лундстрема…». Детище Олега Леонидовича – любительский джазовый оркестр, получивший государственный статус и являющийся сегодня «старейшим в мире непрерывно существующим» джазовым оркестром (согласно Книге рекордов Гиннесса). Сегодня это один из лучших российских образчиков традиционного оркестрового джаза — и один из лучших в мире.

Оркестр, выбравший молодого Олега Лундстрема своим руководителем, был организован в 1934 году в китайском Харбине детьми работников Китайско-Восточной Железной Дороги. То, что поначалу казалось молодым энтузиастом развлечением на несколько месяцев, стало для многих главным делом жизни. В Харбине существовала возможность перенять новое у многочисленных иностранцев, которым был закрыт доступ в Советскую Россию; когда в 1947 году из-за изменившихся политических реалий КВЖД вышла из-под контроля СССР и оркестранты перебрались «домой», у них за плечами был опыт, которого не имело большинство джазменов Союза. Путь не был лёгким: первой остановкой стала Казань, где основная масса участников оркестра получила консерваторское образование — именно так была установлена планка профессиональной подготовки для «лундстремовцев».

С 1995-го года начинается задокументированная история звукозаписи коллектива, приходят всё более интересные молодые инструменталисты и вокалисты, в особенности после переезда в Москву. Именно здесь начинали молодые Майя Кристалинская, Ирина Понаровская, Алла Пугачёва, Ирина Отиева, Валерий Ободзинский; в оркестре «сидели» Георгий Гаранян, Игорь Бутман, Андрей Товмасян, Владимир Данилин, Вячеслав Назаров…

Оркестр сумел пережить годы перестройки, в которые прекратил свою деятельность, например, легендарный репертуарный оркестр Леонида Утёсова. В 1998 году Лундстрема вывел свой состав на сцену Большого зала Московской консерватории — и его оркестр стал первым в мире джазовым оркестром, который удостоился такой чести.

В 2003 году главным дирижёром оркестра становится Георгий Гаранян, представитель следующего поколения российских джазменов. Имея многолетний опыт работы с Олегом Леонидовичем и сохраняя тесную связь с ним вплоть до его кончины в 2005-м, Георгий Арамович сумел сохранить художественные принципы оркестра и зафиксировать его уникальное кредо. В 2007-м году за дирижёрский пульт встал Народный артист РФ, член Союза композиторов Борис Фрумкин — представитель теперь уже третьей после Лундстрема «волны» джазовых музыкантов СССР. За годы работы с коллективом он разработал несколько новых репертуарных и мемориальных программ классического джаза, привлёк ряд интересных молодых солистов.

[текст 2016 года]


Оркестр им. Олега Лундстрема + «МузЭнерго»: прошлое

  • 02.03.2017 — Сергиев Посад, ДК им. Гагарина
  • 01.03.2017 — Зеленоград, КЦ «Зеленоград»

Архив избранных афиш

Опубликовано

Алексей Иващенко (Москва)

Алексей Иващенко, гитара, голос

Алексей Иващенко известен отечественной публике в нескольких образах: бард, актёр, переводчик, продюсер, композитор… Порой доходит до смешного: в каких-то из этих своих образов он известен широко, но практически анонимно. Например, голос Джинна из российской версии диснеевского «Аладдина» — это Иващенко. Голос Брюса Уиллиса из «Пятого элемента» — вновь Иващенко. Даже голос Дмитрия Харатьяна в одном из сериалом – это, что довольно неожиданно, Иващенко. Перевод нашумевших мюзиклов «Звуки музыки», «Поющие под дождём», «Призрак оперы», «Русалочка», «Золушка» — тоже его работа. Продюсирование выдержавшего полторы сотни показов мюзикла «Обыкновенное чудо» Геннадия Гладкова и Юлия Кима – опять Иващенко…

Но самый популярная из его ипостасей, та, в которой имя неотделимо от славы – конечно же, бардовская. Популярность и всенародная любовь пришли к Алексею Игоревичу ещё в семидесятых, во время работы в творческом дуэте с Георгием Васильевым (да-да, это те самые двое, получившие от поклонников неубиваемое прозвище «Иваси»). Именно в этом дуэте родились уже поистине легендарные песни – «Альма-Матерь», «Время», «Бережкарики», «Какая странная волна», «Заветы Ильича», «Кончается четверг», «Глафира» и множество других. Дуэт всегда отличала от основного течения советской авторской песни какая-то непередаваемо искренняя и естественная смесь лирики и юмора, граничащего с откровенным хулиганством. Его визитной карточкой было характерно усложнённое, изысканное гармоническое звучание, которое, впрочем, сами музыканты считали следствием простой несогласованности исполняемых ими аккордов, что и вело к рождению неожиданной «джазовой» гармонии. Однако и до появления дуэта, и во время его активного существования, и после прекращения его регулярной деятельности Иващенко много и плодотворно пишет собственную музыку. На его счету сегодня несколько сольных альбомов.

Алексей Игоревич получил довольно любопытное образование: пять классов неоконченной музыкальной школы, географический факультет МГУ, а затем ВГИК (актёрское отделение в составе курса Сергея Бондарчука и аспирантура у Алексея Баталова). С середины 1980-х он снимался на «Мосфильме», работал в театре «Современная опера» у Алексея Рыбникова. Один из самых ярких эпизодов его биографии – создание вместе с Георгием Васильевым авторского мюзикла «Норд-Ост», получившего известность как положительную (в смысле приёма публикой), так и, к сожалению, трагическую (речь о теракте 2002 года в Театральном центре на Дубровке). В последние годы Иващенко выступает в разных проектах – не только соло и в сопровождении небольших аккомпанирующих ему ансамблей, но и в дуэтах с, например, Ириной Богушевской и Тимуром Ведерниковым. В последние годы в его выступлениях всё чаще принимает участие Мария Иващенко, дочь музыканта.

[текст 2017 г.]

Алексей Иващенко + «МузЭнерго»: прошлое

  • 8 апреля 2017 — Дубна, ДК «Мир»

Архив афиш

Опубликовано

Giles Robson (Великобритания)


Джайлз Робсон (Giles Robson), губная гармоника, голос

Джайлз Робсон, лидер группы «Giles Robson & The Dirty Aces», — один из самых ярких британских блюзовых харпистов (исполнителей на губной гармонике) последних лет. В 2012-м он был назван лучшим по результате опроса, проведённого среди критиков журнала «Blues Matters», а в 2014 вновь номинирован на British Blues Awards.

В январе 2014-го Робсон открыл аншлаговымим концертами в Москве и Питере программу фестиваля The Great British Rhythm & Blues Invasion Festival. С тех пор прошло почти три года: за это время его пути с «Грязными Тузами» разошлись, Джайлз набрал новый состав, записал дебютный сольный альбом, горячо принятый публикой и критиками, много гастролировал, выступил на «London BluesFest» на престижной сцене О2 Arena. Робсон — участник московского проекта «Британское блюзовое вторжение» Бориса Литвинцева.

Отзывы прессы

  • «Герой блюзовой гармоники Британии!» (Classic Rock Blues Magazine)
  • «Феноменальный талант!… Робсон — лидер в равной мере и популяризации блюзовой гармоники среди молодого поколения, и продолжатель славной традиции, способный удовлетворить вкусы знатоков, он — маэстро гармоники на вершине успеха» (Blues Revue, USA)
  • «Козырной туз в колоде, неубиенный козырь британского блюза» (Ruta 66, Spain)
  • «Сплав превоклассного исполнения на гармонике с отвязным ритм-блюзом» (рецензия в «Classic Rock» на последний полноформатный студийный альбом, попавший в 10 лучших блюзовых альбомов 2011 года)
  • «Да это же Джо Бонамасса блюзовой гармошки!…» (Musicopolis, Spain)
  • «Один из лучших исполнителей на гармонике, каких только видел свет! Точка» (The Blues Kitchen, Camden, London)
  • «Блюзовое сообщество признало Джайлза Робсона Новым Мастером блюзовой гармоники, и мне остается только согласиться» (Back To The Roots, Belgium)
  • «Исполнение Джайлза феноменально и совершенно своеобразно, оно ставит его в ряд самых великих харпистов на планете» (Music In Belgium)
  • «Мне нравятся великие исполнители на гармонике. И Джайлз Робсон — один из них» (Sugar Blue, обладатель Grammy)
  • «Гармоника Джайлза Робсона может быть охарактеризована как «изысканная». Этот парень наверняка может стать лучшим харпистом на блюзовой сцене. The Dirty Aces — очуменная команда, как только вы слышите их, то сразу же чувствуете редкостную добротность. Они умудрились ухватит самую суть блюза, не впадая в маньеризм подражательства» (The Daily Express)

[текст 2017 г.]


Giles Robson + «МузЭнерго»: прошлое

  • 14 апреля 2017 — Дубна, «Лимонад» (+ Folkline, Москва)

Архив избранных афиш

Опубликовано

Free Folks (Дания/Франция)

Хассе Поульсен (Hasse Poulsen), гитара, голос
 Фабьен Дюском (Fabien Duscombs), ударные, голос

Дуэт Free Folks играет хулиганскую смесь из свободной импровизации и песенных элементов; их музыка насыщена как юмором, так и серьёзными исследованиями в области звука.

Музыканты приезжают в Россию не впервые. Хассе Поульсену случалось посещать нас с коллективом Das Kapital, исполняющим музыку, например, Ханса Айслера в собственных неповторимых аранжировках, в которых соединяются джаз, рок и свободная импровизация. Фабьен выступал в Москве и Санкт-Петербурге с группой Cannibales & Vahinés, ведомой экс-вокалистом The Ex, и в составе прославленного фри-джазового контрабасиста Пола Роджерса Whahay, играющего композиции великого Чарльза Мингуса.

[текст 2017 года]

Free Folks + «МузЭнерго»: прошлое

  • 1 июня 2017 г. — Дубна, Библиотека им. Блохинцева

Архив избранных афиш

Опубликовано

Folkline (Москва)


Денис Назаров, гитара, вокал
Денис Шевченко, гитара, вокал
Михаил Данилов, губная гармошка, вокал, перкуссия

Folkline — это чистота стиля, стремление к изяществу и жажда разнообразия, которые борются друг с другом.

Песни Folkline – это история простого человека, который жалуется на тяжёлый труд на железной дороге за доллар в день, переезжает в штат Алабама, пересекая «одинокую долину» и все время задаваясь вопросом: «Что такое любовь?» Наконец встречает любимую, просит не мелькать перед глазами и срочно сказать, любит она его или нет. При всех прочих сложностях, самая большая проблема – выбрать одну из двух гитар. Folkline рассказывает эту историю используя свою стилистическую палитру: смесь регтайма, госпела, фолка, кантри, зайдеко, блюза. Ещё в начале прошлого века эту смесь назвали American roots music.

Группа приняла участие в нескольких международных фестивалях: XII и XIII Международный Фольклорный Блюзовый Фестиваль «Дельта Невы» (Санкт-Петербург), «Усадьба Jazz» 2017 (Москва), «Джаз – Вятка» (Киров), Blues & Bottle 2017 (Екатеринбург), сняла несколько клипов.


Folkline + «МузЭнерго»: прошлое

  • 14 апреля 2017 — Дубна, «Лимонад» (+ Giles Robson, Великобритания)
  • 11 июня 2017 — Крутово, АКТ «Богдарня»

Архив избранных афиш

Опубликовано

Bangin’ Bülows Nice Jazz Quartet (Дания)

Фредерик Эмиль Бюлок (Frederik Emil Bülow), ударные
Йон Доссинг Бендиксен (Jon Døssing Bendixen), клавишные
Адриан Кристенсен (Adrian Christensen), бас
Микас Бох Олесен (Mikas Bøgh Olesen), гитара

Этих четверых датчан регулярно путают из-за внешнего вида с футбольными хулиганами, а из-за молодости и внешней безалаберности — не всегда принимают всерьёз. На сцене же эти «молодые львы» европейского джаза предстают коллективом потрясающей сыгранности, работающим исключительно с авторским материалом и способным как к головокружительной ансамблевой импровизации, так и к выверенной хирургической точности воздействия на слушателя.

Квартет собран молодыми музыкантами, едва-едва отметившими на тот момент своё двадцатилетие. Даже в лучшие годы джаза надо было быть каким-то гением, чтобы к такому возрасту тебя знали на международном уровне. А эти парни ещё и отказываются переезжать в столицу, оставаясь в Орхусе, втором по значению городе Дании. Однако сразу появился серьёзный аргумент в пользу того, что BBNJQ — не просто очередной талантливый студенческий ансамбль, которому предстоит дожить лишь до окончании его участниками образования. И называется этот аргумент исчерпывающе: Danish Music Award 2014. Получить национальную музыкальную премию в номинации «лучший новый джазовый артист года» за свой дебютный диск — это, с какой стороны ни посмотри, достижение.

«Мы семья», говорят о себе музыканты. Все четверо — из одной местности, а двоим из них даже довелось жить вместе в детстве. Придя в джаз самыми неожиданными путями (через рок-группу старшего брата, через рекомендацию родителей, танцоров балета, и так далее), датчане ещё в ранние студенческие годы создали коллектив, который, без преувеличения, поражает. Каждый вкладывает в узнаваемый звук BBNJQ что-то своё, хотя формально в названии выделен только барабанщик Фредерик Бюлов, «открытый» полиритмист, способный превратить в вызывающий немедленное привыкание комплексный современный джаз композицию с практически любой «родословной». Пожалуй, позиционирование Фредерика в имени коллектива оправдано именно потому, что его виртуозная универсальность и делает возможным органичное совмещение в музыке BBNJQ самых разных влияний. Достаточно сказать, что басист Адриан Кристенсен всё громче заявляет о себе в европейском «нормальном» джазовом сообществе, пианист Йон Бендиксен тяготеет к непростой современной академической музыке, а гитарист Микас Олесен с равным интересом смотрит на хип-хоп и африканский фольклор.

Квартет в принципе не идёт проторенными путями: их первые зарубежные гастроли состоялись, например, в Гвинейской республике (Западная Африка). Что и говорить, не самый очевидный старт для коллектива, которому рукой подать до богатых скандинавских соседей; однако именно там, на фоне африканских влияний и массивного опыта игры с местными музыкантами, музыка BBNJQ окончательно обрела свой актуальный вид. Олесен, к слову, с тех пор регулярно отправляется в Африку самостоятельно, изучая фольклорные особенности разных регионов, и даже имеет разные прозвища в музыкантских кругах разных стран.

Гастрольная история продолжилась не менее любопытно: в 2015-м группа отправилась в Россию, где BBNJQ приняли участие в массивном передвижном фестивале «МузЭнергоТур», за месяц проехав от Москвы до Новосибирска и сыграв, помимо собственной программы, множество спонтанных коллабораций с разноплановыми артистами из доброго десятка стран мира. Подобная размашистость гастрольной жизни в полной мере характеризуется самоописанием коллектива: «мы любопытны, полны энтузиазма, мы открыты ко всему новому и хотим приключений. Хотя наша музыка и сложна, посыл её совершенно очевиден: то, что заставляет нас играть и то, что мы хотим дать услышать людям — это любовь к музыке, что бы ни вызвало её к жизни — любовь к любой форме, которую может принимать музыка, любовь к ритму, любовь к цвету…».

В 2015-м группа выпустила второй альбом с характерно вызывающим названием «“You’re beautiful, I’m Beautiful, Let’s have a beautiful night», в рецензиях на который Бюлова сравнивают ни много ни мало с Джеком ДеДжонеттом. Сегодня музыканты заканчивают образование (некоторые из них по рекомендации преподавателей перебрались в более престижные учебные заведения в Осло и Хельсинки), готовят к выпуску третий диск и, расшифровывая для посетителей своего сайта название группы по словам, переводят слово «jazz» следующим образом: «единственная истина, которая сегодня ещё есть в музыке».

[текст 2017 г.]

Фото для полиграфии

Параметры возможного тура

  • 4-5 человек в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются со стороны «МузЭнерго»
  • принимающая сторона предоставляет:
    • профессиональный клавишный инструмент с рояльным тембром или (предпочтительно) рояль
    • контрабас (с комбо-усилителем)
    • ударные
    • гитарный комбо-усилитель
    • типовую озвучку
  • работает местный звукорежиссёр
  • программа длительностью от 60 до 120 минут
  • агент: Юрий Льноградский, +7 (916) 511-37-41, lnogradski@gmail.com

 


Bangin’ Bülows Nice Jazz Quartet + «МузЭнерго»: прошлое

  • Тур 2017 года:
      • 17 сентября — Воронеж, книжный клуб «Петровский»
      • 18 сентября — Егорьевск, клуб «Ротор»
      • 19 сентября- Речицы, КДЦ «Гжельский»
      • 20 сентября — Москва, клуб Алексея Козлова
      • 21 сентября — Самара, ЦСМ
      • 22 сентября — Уфа, городской джаз-клуб
      • 23 сентября — Екатеринбург, «Ever Jazz»
      • 24 сентября — Сергиев Посад, КПЦ «Дубрава»
      • 25 сентября — Нижний Новгород, КЦ «Рекорд»
      • 26 сентября — Москва, клуб Игоря Бутмана
      • 27 сентября — Дрезна, ЦКР «Юбилейный»
      • 28 сентября — Калининград, клуб «У Гашека»
      • 29 сентября — Санкт-Петербург, Vovne Bar
      • 30 сентября — Тихвин, фестиваль «Сентябрь в Тихвине»
      • 1 октября — Ильинский Погост, творческая усадьба «Гуслица»

Архив избранных афиш

Опубликовано

Gareth Pearson (Великобритания)

Гарет Пирсон (Gareth Pearson), гитара, голос

Феномен валлийского гитариста-виртуоза Гарета Пирсона заключается в его уникальной манере игры и артистизме. Гастролируя с 14 лет, он завоевал репутацию настоящего «валлийского торнадо» и был назван гением такими величинами мировой гитарной индустрии, как Ян Аккерман и Томми Эммануэль. Последний посвятил Гарету свою композицию «The Welsh Tornado».

За плечами Гарета туры по США, Канаде, Франции, Германии, Нидерландам, Ирландии и Великобритании. Сыграно более полутора тысяч концертов.

С 2010 года Гарет является резидентом одной из самых известных студий звукозаписи CandyRat Records, на которой успел издать два полноценных альбома.

Гарету также подвластно и интернет-пространство, подтверждением тому — более двух миллионов просмотров на YouTube и Facebook.

Концерты Гарета представляют настоящее музыкальное шоу, порой с акробатическими элементами в стиле Майкла Джексона и Джеймса Брауна.

«Гарет — не только один из самых крутых музыкантов из всех, кого я знаю, но еще он просто отличный парень и большой весельчак» — Andy McKee.

«Как только Валлийский Торнадо приедет к вам в город — готовьтесь к тотальному опустошению» — Тommy Emmanuel.

[текст 2017 г.]


Gareth Pearson + «МузЭнерго»: прошлое

  • 29 сентября 2017  — Сергиев Посад, КПЦ «Дубрава»
  • 30 сентября 2017 — Дубна, «Лимонад»

Архив избранных афиш

Опубликовано

Léon (Швейцария)

Антуан Ланг (Antoine Läng), голос, электроника
Давид Майер (David Meier), ударные
Рафаэль Ортис (Raphaël Ortis), бас
Луи Шильд (Louis Schild), бас

Léon — нестандартная импровизационная формация из Швейцарии, исследующая звуковые пространства с помощью двух бас-гитар и приглашённых гостей. Это музыка, развивающаяся по законам скорее физики, чем гармонии, но не менее привлекательная для любого открытого новому слушателя.

История коллектива начинается с дуэта, составленного басистами Рафаэлем Ортисом (Женева, ex-Plaistow) и Луи Шильдом (Лозанна). Начало само по себе неплохое, но в таком сочетании нет ничего странного для структуры, которая объединила музыкантов — сетевого лейбла Insubordinations, который вообще славится необычными инструментальными решениями. Первое выступление дуэта состоялось на организованном этим лейблом «Микрофестивале» (Microfestival) в январе 2011 года.

Главная идея Léon достаточно очевидна: оставаясь в русле радикального авангарда, проработать до мельчайших деталей возможности спонтанного взаимодействия двух басов. Будучи вынуждены учитывать звуковую специфику выбранных инструментов, частотные характеристики которых позволяют далеко не всякому слушателю в полной мере даже просто слышать все обертона рождающегося звука, Рафаэль и Луи придерживаются в своей импровизации вполне определённых правил, уходя от тотальной непредсказуемости. В концертных полотнах, создаваемых Léon, есть своя осознанная режиссура и совершенно конкретные идеи в отношении того, как работать с динамикой, звуковым наполнением и даже гармонией происходящего. Разумеется, не стоит при этом ждать от музыкантов демонстрации виртуозной техники: их звукоизвлечение совершенно нестандартно, и зачастую бас-гитара используется скорее как перкуссионный инструмент, развёрнутый струнами вверх и оперируемый с помощью самых непредсказуемых средств.

Довольно быстро дуэт расширился до идеи трио с приглашёнными гостями; по словам самих музыкантов, чем меньше каждый гость будет музыкально похож на своего предшественника, тем лучше. Что бы в результате ни рождалось — «механический» шум или близкий к натуральному акустическому звучанию амбиент, скрежещущая «металлическая» музыка или квазиголоса фантастических существ,- всё это естественным образом вытекает из желания и способности музыкантов каждый раз заново создавать звуковое полотно от начала и до конца, выражая себя больше в оттенках и игре звука, чем в узнаваемых гармониях или структурах.

Первый российский приезд Léon состоялся именно в составе трио с вокалистом Антуаном Лангом (вокал которого, впрочем, экстремально далёк от сколько-то традиционного пения или даже разговора: Ланг — мастер извлечения из своего тела поистине нечеловеческих звуков, обертонов, хрипов, шипения и так далее). Второй приезд, в 2013-м году, был куда более необычным: коллектив вошёл в число участников уникального фестиваля-гастролёра «МузЭнергоТур», в котором показывал как регулярную программу (теперь уже в квартете с барабанщиком Лионелем Фридли), так и спонтанные коллаборации с музыкантами из нескольких стран. Достаточно сказать, что в рамках этой поездки именно Léon стал основой коллектива, вышедшего на сцену гала-концерта фестиваля этнической (!) музыки «Мир Сибири» в селе Шушенское Красноярского края и ставшего причиной как ряда откровений, так и ряда нелицеприятный высказываний среди аудитории.

В 2017-м году Léon возвращается в Россию в третий раз — на сей раз с барабанщиком Давидом Майером, уже неплохо известным российской публике по «математическому» авант-джазовому трио Schnellertollermeier. Майер — человек, способный не только держать строгий ритм в совершенно неадекватном музыкальном окружении, но и задавать и продавливать совершенно асимметричный и нерегулярный ритмический рисунок. Нет никаких сомнений, что комбинация столь выдающихся даже по авангардным меркам личностей сможет хорошо удивить самых искушённых адептов новой музыки.

[текст 2017 г.]

Параметры возможного тура

  • 4-5 человек в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются со стороны «МузЭнерго»
  • принимающая сторона предоставляет ударные, два басовых комбо-усилителя, 3-4 монитора, озвучку
  • работает по договорённости местный или собственный звукорежиссёр
  • на афишах и в рекламной кампании должны быть в обязательном порядке размещены логотипы поддерживающих коллектив организаций
  • агент: Юрий Льноградский, +7 (916) 511-37-41, lnogradski@gmail.com

Фото для полиграфии


Léon + «МузЭнерго»: прошлое

  • Тур 2017 года:
    • 16 октября — Санкт-Петербург, Vovne Bar
    • 17 октября — Калининград, культпросветпространство «Катарсис»
    • 19 октября — Егорьевск, клуб «Ротор»
    • 20 октября — Шувое, КДЦ
    • 21 октября — 18:00, Гжель, КДЦ
    • 21 октября — 23:00, Ильинский погост, арт-резиденция «Гуслица»

Архив избранных афиш

Опубликовано

Вадим и Валерий Мищуки (Москва)

Вадим Мищук, гитара, голос
Валерий Мищук, гитара, голос

Для Мищуков авторская песня — не только способ исполнения поэтических произведений. Музыка здесь столь же важна, самоценна, как и «добротная» поэтическая основа. Дуэт постоянно экспериментирует в разных музыкальных направлениях, пытаясь наиболее полно использовать возможности традиционного для жанра музыкального инструмента — акустической гитары.

Дуэт Валерия и Вадима Мищуков появился в 1989 году. Но любители авторской песни впервые познакомились с ними гораздо раньше, в середине 1970-х, когда получил известность рижский ансамбль «Домино»: начинающие на тот момент авторы, братья Вадим и Валерий, и были его творческим ядром.

Литературная основа творчества братьев Мищуков очень разнообразна. В репертуар включены песни на стихи самых разных поэтов: Давида Самойлова, Юрия Левитанского, Бориса Чичибабина, Александра Межирова, Игоря Иртеньева, Дмитрия Сухарева, Бахыта Кенжеева и др. В настоящее время большое место в концертных программах занимают песни, написанные на стихи их близких друзей — Леонида Сергеева и Алексея Морозова, а также на стихи одного из братьев, Валерия.

Мищуки создали весьма обширную для бардов коллекцию студийных альбомов. В 1987 году вышел первый виниловый диск «Блудный сын», записанный при участии Сергея Буданова (музыканта ансамбля «Домино»). Вторая пластинка «Муха-агент 2100» явилась результатом совместного творчества с популярным автором Леонидом Сергеевым (в диск вошли песни на его стихи). Последний виниловый альбом «Когда-нибудь» датируется 1993 годом; после этого новые технологии заставили отказаться от винила, и дискография стала пополняться компакт-дисками. Среди них — «На московском ветру» (1994), «Я вернулся домой» (1995, при участии гитариста А.Медведского), «Песни под мухой» (1996, расширенная редакция вениловой версии «Муха-агент 2100»), «Добровольная тюрьма» (1997), «Портвейн-блюз»(1998), «Песни нашего круга» (2000), разнообразные сборники. Валерий Мищук выпустил в 1999 сольный альбом «Гелиграмус Пульхер», и в том же 1999 увидела свет необычная инструментальная работа, так и названная — «Нет слов». Большими тиражами издавались магнитоальбомы, самыми известными из которых стали «Не поговорили», «Рижский вокзал» и сольный альбом Вадима Мищука «Музыка старой удачи».

Отдельная страница в истории дуэта — участие братьев Мищуков в многочисленных концертах и записи двух альбомов нашумевшего проекта «Песни нашего века», в какой-то степени переоткрывшего авторскую песню для отечественной публики в послеперестроечные годы. Музыка, понемногу уходившая в забвение и становившаяся ностальгическим воспоминанием молодости для возрастной аудитории, вышла с этим проектом на самые респектабельные и массовые сцены, обрела новых молодых поклонников, доказала свою актуальность и состоятельность в XXI веке. Далеко не последнюю роль в этом процессе сыграли Вадим и Валерий…

Известно, что сочинительство — вещь довольно опасная. Здесь очень легко, в угоду моде, скатиться на конвейерное производство шлягеров-однодневок или, отгородившись сознанием собственной значимости, «творить» для узкого круга избранных… Вадиму и Валерию повезло нащупать ту грань, когда песни, написанные для себя, становятся близкими и нужными людям совершенно незнакомым и разным.

Вадим и Валерий Мищуки + «МузЭнерго»: прошлое

  • 15 октября 2017 — Дубна, ДК «Мир» (из-за болезни Валерия в программе принял участие только Вадим)

Архив афиш

Опубликовано

Meszecsinka (Венгрия/Болгария/Чехия)

Эмиль Билярски (Emil Biljarski), гитара, клавишные, голос
Аннамари Ола (Annamari Oláh), вокал
Давид Кроликовски (Dávid Krolikowski), ударные, перкуссия
Арпад Вайдович (Arpad Vajdovich), бас

Meszecsinka (по-болгарски — «маленькая луна») — интернациональный проект из Будапешта, поющий на семи существующих и многих несуществующих языках. Музыка Meszecsinka характеризуется международной прессой как «trance dance» (New York Music Daily), «сплетение звуков с магией и гипнозом» (Journal Frankfurt), «огненный мистичный мир на границе сна и реальности» (Now Magazin), «саундтрек к ритуальному жертвоприношению…»

Певица Аннамари Ола — венгерка, гитарист-клавишник Эмиль Билярски — болгарин, выросший в России, ударник Давид Кроликовски — наполовину поляк, басист Арпад Вайдович имеет хорватские корни. Постоянный гость проекта Карен Арутюнян — гитарист и основатель русско-армянской группы «Дети Picasso», один из ярчайших музыкантов московской сцены последних десятилетий. Эта культурная смесь отражается и на их музыке, не поддающейся классификации. Болгарские и венгерские народные песни в необычной обработке, психоделичный рок и шаманские напевы, афро-джаз и медитативные мантры. Безграничные вокальные способности певицы и её танец на сцене — единое целое, вовлекающее публику в особый ритуал.

Meszecsinka регулярно гастролирует по Европе, неоднократно выступала в Америке, не в первый раз приезжает и в Россию. Последний альбом коллектива «Awake in a dream» назван международной прессой «гениальным» (HVG), «лучшим worldmusic альбомом года» (Magyar Narancs), «диким и беспорядочным, как саундтрек рейв-пати, приуроченной к концу Вселенной» (Songlines Magazine).

[текст 2017 г.]


Meszecsinka + «МузЭнерго»: прошлое

  • Тур 2017 года:
    • 4 ноября — Дубна, ДК «Мир»
    • 5 ноября — Сергев Посад, КЦП «Дубрава»

Архив избранных афиш

Опубликовано

Jellici/Baldes’ Soundfields (Швейцария)

Zuerich ZH, 30.10.2016, Jellici/Baldes, Soundfields im Moods.
Foto: Moritz Hager

Йоханна Джелличи (Johanna Jellici), вокал, электроника
Йохен Балдес (Jochen Baldes), саксофон
Франц Хеллмюллер (Franz Hellmüller), гитара
Андре Бюжер (André Buser), бас-гитара
Тобиас Хунцикер (Tobias Hunziker), ударные

Симбиоз творческих идей сразу двух руководителей — явление в современном джазе не самое распространённое. Саксофонист Йохен Балдес пишет для группы музыку, вокалистка Йоханна Джелличи — тексты. Однако на самом деле всё много сложнее и интереснее, и недаром коллектив называется Soundfields — «звуковые поля». Именно поля, а не абстрактные «ландшафты».

Во что превратился джаз в XXI веке? В прикладное коммерческое искусство, перемалывающее в очередной раз хрестоматийные американские мелодии эпоха расцвета жанра; в бесконечное соревнование между музыкантами высочайшей теоретической и практической подготовки, высушившими свою музыку в погоне за совершенством; в уход к тотальной импровизации, отторгающей огромную часть ценителей джаза в классическом смысле. В противовес этим тенденциям, делающим джазовый концерт всё менее и менее интересным событием, швейцарский квартет Soundfields нашёл свой собственный — и в чём-то неожиданно простой и очевидный путь.

Язык и метод Soundfields — это естественный для музыкантов сплав акустики и «честной», нехитрой электрики, возврат к звучанию и балансу семидесятых годов прошлого века, когда в джаз одновременно пришли и звуковые новации, и стилистические влияния самых разных сторонних жанров. Недаром критики всё чаще вспоминают о легендарном ансамбле Чика Кориа Return To Forever, пытаясь как-то классифицировать творчество швейцарцев. Кто-то скажет, что аналогии с уже существовавшим ансамблем мировой известности — это никак не аргумент в пользу коллектива; однако надо учитывать, что охарактеризовать собственно самих Return To Forever попросту невозможно. Тот синтез жанров, влияний, звучаний и настроений, который гениально удалось провести Кориа, остаётся актуальной темой для разработки сегодня и будет актуальной темой через десятилетия — именно потому, что относительная несложность и в чём-то даже старомодность звука не позволит замаскировать отсутствие собственной личности. Тот, кто рискует исполнять такую музыку, должен быть не просто искренен и талантлив. Он должен быть по-настоящему самобытен, но что ещё важнее — он должен быть пронзительно честен с собой и слушателем, в его музыке не должно быть ни единой показной ноты, ни единого сомнения в уместности и действительности своих чувств.

Soundfields всё это умеют и могут. Тексты Йоханны Джелличи — светлые, умные, лёгкие — это прекрасный катализатор для рождения музыки Йохана Балдеса, в которой поистине неподражаемо глубоко осознаваемое им, мужчиной, право на лирику. Вокруг лидеров собран прекрасный ансамбль, способный к осмысленной импровизации далеко за пределами прямолинейного обыгрывания гармонии. Каждый из участников группы в состоянии отправляться в своё собственное путешествие по этим «музыкальным полям», не теряя товарищей из виду и в конце вновь присоединяясь к ним; звучание и параллельная импровизация музыкантов, заплетённая в сложную гармоническую «косичку», отличительно характерна и заставляет переключать на коллектив всё внимание. Как и любую настоящую красоту, красоту этой музыки можно в полной мере оценить лишь при отсутствии внешних возмущений, при полном погружении в неё — и тем лучше, что это погружение происходит естественно.

Это в полной мере новый джаз XXI века: тот, что существует в агрессивном информационном окружении, тот, что вряд ли когда-то возвысится до былых вершин популярности, тот, что с трудом справляется с разъедающими его изнутри противоречиями и техническими фокусами-ловушками. Но и тот, что полон достоинства и философского спокойствия; тот, что перерос юношеские увлечения и видит смысл своего существования в реализации своих прав на вечные ценности.

[текст 2018 года]

Фото для полиграфии

Параметры возможного тура

    • 5 человек в делегации
    • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются со стороны «МузЭнерго»
    • принимающая сторона предоставляет:
      • портальный звук сообразно площадке гитарный комбо-усилитель, предпочтительно ламповый
      • басовый комбо-усилитель
      • ударные в стандартной комплектации (минимальный допустимый набор — басовый барабан, рабочий барабан, один подвесной альт, один напольный том, педаль, стул с регулируемой высотой, стойка под малый барабан, три стойки под тарелки, коврик)
      • один вокальный микрофон и микрофонная линия (чистый голос)
      • одна микрофонная линия (голос с эффектами)
      • стерео-линия для электроники
      • один инструментальный микрофон и микрофонная линия (чистый саксофон)
      • одна микрофонная линия (саксофон с эффектами)
      • мониторную систему сообразно залу на пятерых музыкантов (в идеале — 5 мониторных линий, допускается для небольших залов сокращение количества линий и самих мониторов)
      • стойку для электроники с возможностью установки на высоте около 90 см с поверхностью примерно 40*70 сантиметров (можно больше); это может быть высокий столик или клавишная стойка с дополнительной «столешницей» указанного размера, которая жёстко прикрепляется к стойке.
    • работает местный звукорежиссёр
    • программа длительностью от 60 до 120 минут
    • коллектив должен позиционироваться именно как Jellici/Baldes’ Soundfields; при потребности в определённом дизайнерском решении фамилии лидеров могут быть поданы более мелко, но обязательно должны присутствовать в любом случае.
    • в рекламной кампании обязательно указание логотипов поддерживающих коллектив организаций
  • агент: Юрий Льноградский, +7 (916) 511-37-41, lnogradski@gmail.com

 


Soundfields + «МузЭнерго»: прошлое

  • Тур 2018 года:
    • 18 февраля — Воронеж, книжный клуб «Петровский»
    • 19 февраля — Егорьевск, клуб «Ротор»
    • 20 февраля — Нижний Новгород, старый актовый зал ННГУ
    • 21 февраля — Дзержинск, ЦДМШ им. Скрябина
    • 22 февраля — Москва, Esse
    • 23 февраля — Пермь, Fort Grand
    • 24 февраля — Екатеринбург, «Ever Jazz»

Архив избранных афиш

Опубликовано

Arimoya (Сергиев Посад / Москва)

Александр Миронов, фортепиано
Пётр Ившин, ударные
Виктор Шестак, контрабас

Авторский проект Сергиево-Посадского пианиста Александра Миронова. Сюита, состоящая из семи частей, написана в жанре современного фьюжн, отражающего многообразие музыкальной стилистики джаза и инструментальной музыки второй половины ХХ-го века с богатым импровизационным началом.

Легенда сюиты пронизана идеями, изложенными в известном трактате Даниила Андреева «Роза мира», и является некоторым музыкальным воплощением мечты разглядеть Аримойю, «небесную страну» общечеловеческой культуры через созерцания аспектов природы видимого мира от бесконечного космоса до природы непосредственно человека.

Премьера сюиты состоялось в 2010 году, и теперь проект является визитной карточкой джазовой филармонии Культурно-просветительского центра «Дубрава» имени протоиерея Александра Меня.

В разное время в проекте принимали участие саксофонисты Гари Мик (США) и Тимур Некрасов, гитарист Павел Чекмаковский, трубач Владимир Галактионов, барабанщики: Джоэл Тэйлор (США), Дмитрий Власенко, Павел Кован и Петр Ившин, бас-гитаристы Алексей Заволокин и Екатерина Пшеницына.

[текст 2018 года]


Arimoya Trio + «МузЭнерго»: прошлое

  • 24 февраля 2018 г. — Егорьевск, ДК им. Конина, фестиваль «МузЭнерго»

Архив избранных афиш

Видео с организованных нами выступлений

Опубликовано

Momentum (Норвегия)

Йорген Матисен (Jørgen Mathisen), тенор- и сопрано-саксофоны
Кристиан Меаас Свендсен (Christian Meaas Svendsen), контрабас
Андреас Вилдхаген (Andreas Wildhagen), ударные

«Momentum» в переводе с английского — инерция, импульс, энергия движущегося тела. Это идеальное описание норвежского трио. Его музыка рождается из ничего, обретая форму и силу на глазах у слушателя, становится громкой до болевого порога, грохочущей, неистовой, опасной — и вновь постепенно растворяется в тишине, из которой родилась.

Формально коллектив относят к ново-джазовому сообществу (с обязательным упоминанием того, что многое взято из авангардного джаза и авангардного рока). По факту же Momentum — коллектив совершенно спонтанный, почти не использующий каких бы то ни было договорённостей при создании своей музыки на сцене. Взаимопонимание и взаимодействие участников трио эталонно: недаром каждый из них в своём сравнительно молодом возрасте уже стал настоящей легендой скандинавской импровизационной сцены. Многие коллективы, которые были основаны с их участием, уже стали частью Большой Истории: это, например, Shagma, The Core, Zanussi 5, Mopti. Но, как и большинство современных европейских музыкантов, участники Momentum и сегодня играют сразу в нескольких составах серьёзного уровня. Саксофонист Йорген Матисен сотрудничает с Instant Light, The Core и Krokofant, басист Кристиан Свендсен — с Nakama и Aksiom, барабанщик Андреас Вилдхаген — с Increase и трио Йонаса Камбиена. Кроме того, Свендсен и Вилдхаген одновременно работают в уникальном проекте Large Unit Пола Нильсена-Лова.

Дебютный альбом Momentum был выпущен в 2016 году на известном лейбле Clean Feed Records и получил прекрасную международную прессу.

Отзывы прессы

  • «Настоящий шедевр!» (Marek Zajc, Multikultiproject)
  • «Это состоявшиеся артисты из той области, где всё вдохновляет и не допускает компромиссов» (Grego Edwards, Gapplegate Music Review)
  • «Это ломает нервы, но и вызывает трепет» (Tim Niland, Jazz&Blues)

Фото для полиграфии

Параметры возможного тура

  • 3-4 человека в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются со стороны «МузЭнерго»
  • принимающая сторона предоставляет:
    • профессиональный басовый комбо-усилитель
    • по возможности — контрабас (подлежит обсуждению в каждом конкретном случае)
    • профессиональные качественные ударные в стандартной комплектации (бочка предпочтительно 20 дюймов), включая педаль, малый барабан, 3 стройки для ударных, стул с регулируемой высотой, ковёр
    • микрофон на стойки для озвучки саксофонов
    • микрофон на конферанс и, по собственному разумению, микрофон для переводчика (с английского)
    • типовую озвучку перечисленного
    • мониторную систему сообразно залу на троих музыкантов (в идеале — 3 мониторных линии)
    • работает местный звукорежиссёр
    • программа длительностью от 60 до 90 минут
    • в рекламной кампании должны быть указаны логотипы поддерживающих приезд организаций
  • агент: Юрий Льноградский, +7 (916) 511-37-41, lnogradski@gmail.com

 


Momentum + «МузЭнерго»: прошлое

  • Тур 2018 года:
    • 21 февраля — Ильинский Погост, арт-резиденция «Гуслица»
    • 22 февраля — Москва, Еврейский культурный центр
    • 23 февраля — Дубна, OhMy!
    • 24 февраля — Егорьевск, фестиваль «МузЭнерго»

Архив избранных афиш

Опубликовано

Critical Mass Trio (Грузия/Россия)

Гурам Мачавариани, гитара
Иракли Санадирадзе, ударные
Григорий Сандомирский, электроорган

Ядром коллектива является базирующийся в Москве дуэт из Грузии, состоящий из гитариста Гурама Мачавариани и барабанщика Иракли «Квази» Санадирадзе. Их стилистика охватывает широкий спектр импровизационной музыки — от экспериментального джаза до свободной импровизации и нойза.

В программе, подготовленной к фестивалю «МузЭнерго», музыканты решили несколько отойти от радикальных экспериментов в сторону ритмичного грувового звучания и пригласили в состав московского пианиста и органиста Григория Сандомирского, сформировав, таким образом, классическое органное трио. Основа репертуара ансамбля — это авторские пьесы Гурама Мачавариани, которые — при своей гармонической и мелодической сдержанности — позволяют музыкантам создавать развернутые импровизационные композиции с парящими гитарными соло и плотными, перетекающими из одного в другой, ритмами барабанов и органа.

Иракли Санадирадзе — грузинский перкуссионист и барабанщик, активнейшая фигура московской фри-джазовой и авангардной сцены, участвует в фестивалях и проектах с ведущими московскими и зарубежными музыкантами — такими, как Роман Столяр, Юрий Парфёнов, Алексей Борисов (Россия), Angel Ontalva (Испания), Владимир Миллер (Великобритания), Юрий Яремчук (Украина), Umezu Kazutoki (Япония).

Гурам Мачавариани, уроженец Тбилиси, окончил московскую академию им. Гнесиных. Многогранный гитарист, играющий в самых разных направлениях музыки — от прогрессивного рока и джаза до свободной импровизации. Является участником многих коллективов и коллабораций с музыкантами московской и тбилисской импровизационной сцены.

Григорий Сандомирский — выпускник Московского колледжа импровизационной музыки по классу фортепиано, пианист, органист, аранжировщик. Основные сферы деятельности – свободная импровизационная музыка и эксперименты в области этно-джаза на основе музыки евреев-сефардов. Как импровизатор играл со многими известными мастерами жанра – Эялем Маозом, Уильямом Паркером, Алексеем Кругловым, Юрием Яремчуком, Владимиром Тарасовым, Франсуа Карье и Мишелем Ламбером, Гебхардом Ульманом. Один из основателей Goat’s Notes – авангардного ансамбля импровизационной музыки, резидента знаменитой Leo Records.

[текст 2018 года]


Critical Mass Trio + «МузЭнерго»: прошлое

  • 24 февраля 2018 г. — Егорьевск, ДК им. Конина, фестиваль «МузЭнерго»

Архив избранных афиш

Видео с организованных нами выступлений


Опубликовано

Abekejser (Дания)

Йеппе Лавсен (Jeppe Lavsen), гитара, электроника
Расмус Фискер Педерсен (Rasmus Fisker Pedersen), драм-машина, электроника
Фредерик Эмиль Бюлов (Frederik Emil Bülow), ударные, перкуссия
Адриан Кристенсен (Adrian Christensen), бас-синтезатор
Йон Доссинг Бендиксен (Jon Døssing Bendixen), клавишные

У этого датского коллектива — вычурная концепция: где-то в африканских джунглях живёт-де обезьяна, которой свойственно развлекаться под специфические танцевальные ритмы синтетической музыки — псевдо-джаза, псевдо-хип-хопа, псевдо-электроники. Обезьяна эта — императорский тамарин; название её вида на английском многозначно — оно может быть прочтено и просто как «Император Тамарин». А по-датски термин делается ещё более определённым: Abekejser, Обезьяний Король.

Причём тут музыка? Разве что при том, что Обезьяньему Королю, наверное, и правда была бы свойственна безумная эклектика музыки датчан, её взрывная эмоциональность, в каком-то смысле издевательский характер и несомненная искренность и даже ярость в каждой конкретной ноте и каждом решении. Как говорят сами музыканты, под эту музыку можно и танцевать, и растворяться в мечтах.

«Родословная» участников группы — в основном джаз и world music. В качестве ориентиров и источников вдохновения музыканты называют такие имена, как Jaga Jazzist, Snarky Puppy, Weather Report. «Нам часто говорят,- поясняет Йон Бендиксен,- что наша музыка очень кинематографична. В самом коллективы мы, разумеется, уже имеем какую-то единую визуализацию того, что делает, но здорово, когда слушатели и сами рисуют в своём воображении свои собственные картины».

Abekejser провоцируют на создание и принятие нового не только слушателя, но и себя. Например, вместо контрабаса, с которым Адриан Кристенсен уже сделал себе имя как минимум европейского уровня, он играет здесь на басовых синтезаторах и буквально выворачивает звучание баса наизнанку. К совершенно самодостаточным ударным Фредерика Бюлова, великолепного мастера полиритмии и тонкого штриха, добавляются программируемые драм-машины Расмуса Педерсена, что делает перкуссионную линию по-настоящему шизофренической. Препарированная гитара Йеппе Лавсена и внушительный арсенал синтезаторов Йона Бендиксена дополняют звуковую картину до поистине космически пафосной, переусложнённой смыслами и обертонами. А музыка, которая из всего этого вырастает, получается на удивление открытой, оставляющей слушателю все возможности для нахождения там собственного места. «В нашем музыке может быть очень сложный подтекст,- говорит Лавсен,- но на самом деле наша цель — навести мосты, по которым вы можете идти на новую музыкальную территорию, даже если это кажется странным и опасным. Мы любим играть там, где есть бар. И там, где бас проберёт вас до костей, потому что когда играет Abekejser — просто так на месте не усидеть».

[текст 2018 года]

Фото для полиграфии

Параметры возможного тура

  • 5-6 человек в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются со стороны «МузЭнерго»
  • принимающая сторона предоставляет:
    • ударную установку стандартной комплектации
    • гитарный комбо-усилитель
    • басовый комбо-усилитель
    • 5 стоек под клавишные инструменты
    • 5 DI-боксов
    • микрофон для конферанса
    • типовую озвучку перечисленного
    • 3-5 мониторов
  • работает местный звукорежиссёр
  • программа длительностью от 60 до 90 минут
  • агент: Юрий Льноградский, +7 (916) 511-37-41, lnogradski@gmail.com

 


Abekejser + «МузЭнерго»: прошлое

  • Тур 2018 года:
    • 1 марта — Санкт-Петербург, Fish Fabrique Nouvelle
    • 2 марта — Дмитров, рок-клуб «Котёл»
    • 3 марта — Дубна, «Лимонад»
    • 4 марта — Егорьевск, клуб «Rotor»
    • 5 марта — Иваново, клуб «Бункер»
    • 6 марта — Ярославль, клуб «Китайский лётчик Джао Да»
    • 7 марта — Нижний Новгород, «Рекорд»
    • 8 марта — Москва, ДОМ
    • 9 марта — Тверь, «Бин Бен»
    • 10 марта — Тула, «Типография»

Архив избранных афиш

Опубликовано

Joel Forrester (США)

Джоэль Форрестер (Joel Forrester), фортепиано

Универсальность этого артиста, остающегося во всех своих проектах в однозначных джазовых границах, может соперничать разве что с его собственной плодотворностью как композитора. Как исполнитель, Форрестер играет соло, с собственными ансамблями (в диапазоне от канонического джазового квинтета до дуэта с чечёточником), в чужих составах, с оркестрами, аккомпанирует немым фильмам. Как композитор, Форрестер числит в своём впечатляющем наследии более полутора тысяч авторских пьес.

Многим американцам Форрестер известен куда лучше своих современников и коллег уже просто потому, что именно его авторская пьеса, исполненная ансамблем с его участием — заставка популярной программы Терри Гросса «Fresh Air» на Национальном общественном радио США. По понятным причинам только её исполнение бьёт все рекорды (статистика говорит, что это самая регулярно прослушиваемая джазовая тема на американском джазовом радио в течение последних почти тридцати лет). Однако Форрестер достаточно плодовит и без учёта этой радио-специфики. На него ссылаются как на образцового исполнителя страйда (раннего виртуозного стиля фортепианной импровизационной музыки), он хорошо известен поклонникам буги-вуги, имеет высочайший авторитет в в мире бибопа, временами играет ни много ни мало транс (!) и не чурается того, что сам с иронией называет «салонной музыкой». Очевидно, что успех в столь полярных направлениях был бы попросту немыслим, если бы у артиста не было собственного узнаваемого стиля, яркого и реализованного таланта.

Биография Форрестера, родившегося в 1946 году, полна весьма своеобразных поворотов и встреч. В середине 1960-х он (по словам одного из журналистов, «юный выскочка») работал над музыкой к ранним фильмам Энди Уорхола. Чуть позже антивоенные взгляды Джоэля прошли проверку на прочность, которую не всякому пожелаешь: попав под обязательный призыв в армию, музыкант отстаивал своё нежелание брать в руки оружие до конца и в итоге провёл полгода в тюрьме, а затем несколько лет провёл под надзором полиции. Будучи приговорён к трём годам заключения, Форрестер был освобождён досрочно и не имел по условиям освобождения права на выступление под настоящим именем, а потом ещё два с половиной года выступал под псевдонимом Dr. Reel. Перебравшись после снятия ограничений, уже в 1970-х, в Нью-Йорк, Форрестер и сейчас остаётся резидентом джазовой столицы мира, хотя с 1990-х регулярно уезжает на несколько месяцев во Францию и ведёт там собственный ансамбль с французскими музыкантами.

В Нью-Йорке в конце 1970-х состоялась его судьбоносное знакомство с самим Телониусом Монком, которому представила Форрестера одиозная баронесса Панноника де Кёнигсвартер. Некоторые критики называют Форрестера одним из крайне немногочисленных учеников Монка (который, как известно, преподаванием совершенно не увлекался), однако правильнее приводить слова самого Джоэля — он рассматривает их дружбу как редкий шанс учиться у мастера и впитывать его музыкальные идеи, которые был дан очень ограниченному кругу людей, но не более того. С присущей ему иронией он рассказывает о том, как был приглашён баронессой в её дом играть на инструменте, установленном рядом с комнатой, которую замкнутый Монк покидал довольно редко:  «я думаю, это была её задумка — если я буду играть достаточно долго и с достаточным мастерством, Телониус выйдет из комнаты. Я сыграл несколько его пьес, пока он продолжал лежать в постели, но в итоге его больше заинтересовала моя собственная музыка, и он начал помаленьку меня комментировать. Хотя в первое время его критика выражалась в основном в том, что он открывал или закрывал дверь в свою комнату…»

Среди известных ансамблей Форрестера — просуществовавший 12 лет Microscopic Septet (основанный в 1980-м в сотрудничестве с саксофонистом Филиппом Джонстоном) и квартет People Like Us (с баритон-саксофонисткой Клер Дэли). С некоторого времени Форрестер увлёкся импровизационным озвучиванием немых фильмов и вскоре заслужил славу одного из лучших в мире артистов этого пограничного стиля (французский журнал «Paris Free Voice» вообще назвал его лучшим в мире). Его выступления с этой программой проходили в Лувре, д’Орсе, Бруклинском музее, в «Космосе» и на других престижных европейских и американских площадках, несколько лет подряд включались в программу джазового фестиваля в Авиньоне.

Отзывы прессы

  • … выигрышная смесь эрудиции и юмора […] серьёзная музыка, сыгранная серьёзными музыкантами — которые не хотят воспринимать сами себя слишком всерьёз. (Joel Roberts, allaboutjazz.com)
  • … яркий и полный удовольствия подход к игре (Marcela Bretori, Jazz Times)
  • … неизменное впечатление зрелости и силы (David Prince, Cadence)
  • … Форрестер — поистине сверъестественный индивидуалист, но он сохраняет и непреходящее уважение к джазовым мастерам, что ему предшествовали, и глубокое знание их искусства (CMJ)

Фото для полиграфии

 


Joel Forrester + «МузЭнерго»: будущее

  • 1 апреля 2021 — Москва, джаз-клуб «Эссе»
  • 2 апреля 2021 — Уфа, фестиваль «Розовая пантера» (даты финализируются)
  • 3-6 апреля 2021 — даты свободны
  • 7-8 апреля 2021 — Самара (детали обсуждаются)
  • 9 апреля 2021 — резерв для Уфы, фестиваль «Розовая пантера» (в случае переноса дат фестиваля)
  • 10 апреля 2021 — Челябинск, фестиваль «Какой удивительный мир»
  • 11 апреля 2021 — резерв для Уфы, фестиваль «Розовая пантера» (в случае переноса дат фестиваля)
  • 12-15 апреля 2021 — даты свободны

Параметры предстоящего тура

  • 1-2 человека в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются со стороны «МузЭнерго»
  • принимающая сторона обеспечивает технический райдер:
    • рояль (в крайнем случае и строго по согласованию — качественный электронный клавишный инструмент)
    • сопутствующую озвучку и коммутацию для залов, где акустического звучания инструмента недостаточно
    • для программ, связанных с сопровождением немых фильмов — возможность организации видеопроекции в формате, позволяющем артисту напрямую наблюдать за видеорядом
  • работает местный звукорежиссёр
  • программа длительностью от 30 до 90 минут
  • Список немых фильмов, авторизованных Джоэлем Форрестером для показа:
    • КОМЕДИИ
      • Гарольд Ллойд:
        • длинный метр: «Гонщик» (Speedy), «Безопасность прениже всего!» (Safety Last), «Первокурсник» (The Freshman), «Доктор Джек» (Dr. Jack)
        • короткий метр: «Испуганные призраки» (Haunted Spooks), «Никогда не сдавайся» (Never Weaken)
      • Бастер Китон:
        • длинный метр: «Генерал» (The General), «Пароходный Билл» (Steamboat Bill Jr.), «Кинооператор» (The Cameraman), «Семь шансов» (Seven Chances)
        • короткий метр: «Тайный знак» (The High Sign), «Полицейские» (Cops), «Дом с электричеством» (The Electric House)
      • Чарли Чаплин: полный метр, «Золотая лихорадка» (The Gold Rush)
      • Стэн Лорел и Оливер Харди: короткий метр, «Отродье» (Brats)
    • II. ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ ФИЛЬМЫ
      • Луис Бунюэль, «Андалуский пёс»
      • Ладислас Старевич, «Щенок-талисман» (The Mascot)
      • Дзига Вертов, «Человек с киноаппаратом»
      • Карл Дрейер, «Страсти Жанны д’Арк»
    • ДРАМЫ
      • Дуглас Фербенкс:
        • «Чёрный пират» (The Black Pirate)
        • «Багдадский вор» (The Rhief Of Baghdad)
        • «Гаучо» (The Gaucho)
      • Фридрих Мурнау, «Носферату»
      • Эрих фон Штрогейм, «Алчность»
      • Ранние голливудские фильмы:
        • «Человек, который смеётся» (The Man Who Laughs)
        • «Доктор Джекилл и Мистер Хайд» (Dr. Jekyll and Mr. Hyde)
      • МУЛЬТФИЛЬМЫ (из ранних серий о Микки-Маусе)
        • «Безумный доктор» (The Mad Doctor)
        • «Гарцующий пастух» (The Galloping Gaucho)
        • «Дом с привидениями» (The Haunted House)
  • Агент: Юрий Льноградский, +7-916-511-37-41, iouri.lnogradski@gmail.com
Опубликовано

Кети Габисиани и «Театральный квартет» (Грузия)

Ото Ковзиридзе, голос
Лаша Кервалидзе, голос
Коба Чепходзе, голос
Иракли Абжандадзе, голос
Кети Габисиани, голос, фортепиано

Тбилисский «Театральный квартет» — это обладатели роскошных голосов, настоящие профи с многолетним опытом, обаятельные артисты с отменным чувством юмора.

В далёком уже 2002 году Ото, Коба и Лаша, тогда ещё студенты театрального института имени Руставели, создали новый коллектив. Трио поддержал солист весьма известного в Грузии ансамбля «Картули Хмеби» Дато Арчвадзе, который впоследствии стал их музыкальным руководителем. Через некоторое время к трио присоединился Иракли — так и сформировался окончательный состав «Театрального квартета», обязанного своим названием рождению в буквальном смысле слова на театральной сцене.

Первое серьёзное внимание к коллективу привлекла «Баллада о любви», написанная специально для «Театрального квартета» в 2004-м композитором Кети Габисиани, с которой их познакомил Дато Арчвадзе. Кети стала первым «целевым» автором квартета, их музыкальной «крёстной мамой», другом и коллегой на многие годы. Сегодня в родной Грузии для них пишут уже многие прекрасные композиторы, с ними выступают лучшие музыканты страны, они постоянно появляются на ТВ, дают сольные и благотворительные концерты, гастролируют по всему миру. Германия, Италия, Испания, Словакия, Голландия, Израиль, Греция, Сингапур, Армения, Азербайджан, Украина, Соединенные Штаты Америки — далеко не полный список стран, которые посетил «Квартет». В его послужном списке — несколько видео и синглов на родном грузинском, а также альбом советских хитов, спродюсированный Николаем Николаевичем Свентицким.

Однако, помимо чисто мужской вокальной программы, «Театральный квартет» регулярно выступает и вместе с Кети Габисиани, о которой следует рассказать отдельно.

Настоящая грузинская красавица, обладательница чувственного голоса и безупречного музыкального вкуса, профессионал с бездонным багажом и классическим музыкальным образованием, композитор, певица с открытой душой и внушительным списком наград, педагог, музыкальный руководитель множества телевизионных программ, автор хитов, написанных для лучших голосов Грузии — это лишь самое скромное описание её достоинств. Кети родилась в Тбилиси в музыкальной семье и уже в четырёхлетнем возрасте вышла на сцену. В шесть лет Кети написала своё первое произведение и была отобрана первым номером в самый популярный детский ВИА Грузии — «Мзиури», гремевший тогда по всему Советскому Союзу. В «Мзиури» Кети играла на бас-гитаре. И по сей день бас-гитара – важнейший инструмент для Кети. Как она сама говорит, «бас – основа музыки, ее фундамент». Кети получила роскошное музыкальное образование: 7 лет музыкальной школы, 4 года музыкального училища, 3 года Академии искусств, магистратура Тбилисской государственной консерватории имени Вано Сараджишвили по специальности «композитор». Уже двадцать лет и сама Кети занимается педагогической деятельностью: в Тбилиси работает её собственная вокальная школа.

Много лет Кети работает на грузинском телевидении как член жюри конкурсов и как музыкальный директор программ. Как композитор она сотрудничает с лучшими артистами Грузии. Много внимания в её творчестве уделяется детским песням: её произведения исполняются и в детских музыкальных проектах на ТВ, и в вокальных конкурсах по всей стране, и просто в школах и детских садах.

Презентация авторского альбома Кети «Новый русский романс» состоялась в 2008 году в «Театре музыки и драмы» в Тбилиси. Стоит отметить, что жанр романса — самый любимый для артистки, хотя Кети пишет произведения и для Тбилисского государственного симфонического оркестра Грузии, и для международных проектов. Кети Габисиани любит повторять, что у Музыки нет национальности и что ее «Новый русский романс» найдёт путь к миллионам сердец в России, приезд в которую стал реализацией её давней мечты.

[текст 2018 года]


Кети Габисиани и «Театральный квартет» + «МузЭнерго»: прошлое

  • 3 марта 2018 — Обнинск, Дом Учёных
  • 24 февраля 2018 — Протвино, Музыкальная школа
  • 18 января 2018 — Дубна, ДК «Мир»

Архив избранных афиш

Опубликовано

Raw Vision (Швейцария/Германия)

Кристоф Граб (Christoph Grab), саксофоны
Ронни Граупе (Ronny Graupe), гитара
Томас Люшер (Thomas Lüscher), аккордеон, фортепиано
Рафаэль Вальцер (Raphael Walser), бас
Максим Паратте (Maxime Paratte), ударные

Raw Vision — ансамбль с говорящим названием («сырой», в значении «грубый/прямолинейный/непредвзятый», «взгляд»). И первый же его альбом — «Code Talker». То есть некто, знающий специфический код (язык, если угодно) и способный этот код доводить до сведения незнающих. Трудно подобрать более удачную комбинацию простых терминов для описания этой музыки.

Квинтет с аккордеоном — это формация для современного европейского джаза достаточно нестандартная. Возглавляюет состав саксофонист-универсал Кристоф Граб, являющийся сегодня одним из наиболее востребованных студийных и сессионных музыкантов Швейцарии. Только в качестве руководителя он имеет отношение к восьми (!) действующим коллективам, играющим музыку в диапазоне от жёсткого авангардного джаз-рокового минимализма до гипертрофированного «кинематографического» винегрета из узнаваемых (и якобы узнаваемых) популярных мелодий самого разного авторства. Как сайдмен он постоянно работает ещё в десятке коллективов, среди которых стоит особо выделить Zurich Jazz Orchestra, биг-бэнд классического формата. Среди прошлых его групп — например, KOJ с участием ни много ни мало Луи Склави. Что касается именно Raw Vision, то здесь Граб с товарищами остаётся где-то в срединной, центральной области своих интересов. Он максимально усложняет оркестровки в стремлении показать всю многозначность и комплексность импровизационной музыки, но останавливается на той грани, когда композиции его авторства воспринимаются именно как песни. Пусть сложные, пусть в чём-то провокационные, но выполненные в том ключе, который можно охарактеризовать именно словом «джаз», без дополнительных определений и прилагательных.

Музыка коллектива полностью свободна от клише и очень изысканным образом демонстрирует то, как могут быть объединены сложность полиритмов и полифонии и «архаичная простота» — в первую очередь через повествовательный и натуральный характер материала и аранжировок. Критики находят в музыке Raw Vision «глубоко естественное смешение сложных ритмов, классической техники исполнения, яростных соло и завораживающего взаимодействия».

В 2015 году альбом был включён в список лучших работ года по версии швейцарского радио SRF2. А весной 2018-го, незадолго до приезда в Россию, коллектив выпустил свой второй диск.

[текст 2018 года]

Фото для полиграфии

Параметры возможного тура

  • 5 человек в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются со стороны «МузЭнерго»
  • принимающая сторона предоставляет:
    • профессиональные качественные ударные в стандартной комплектации, включая педаль, малый барабан, 3 стройки для ударных, стул с регулируемой высотой, ковёр
      два микрофона на стойках для озвучки духовых
    • профессиональный клавишный инструмент (крайне предпочтительно акустический)
    • контрабас и качественный басовый комбо-усилитель
    • качественный гитарный комбо-усилитель
    • микрофон на стойке для саксофона
    • микрофон на конферанс и, по собственному разумению, микрофон для переводчика (с английского или немецкого)
    • типовую озвучку перечисленного
    • мониторную систему сообразно залу на троих музыкантов (в идеале — 5 мониторных линий)
  • работает местный звукорежиссёр
  • программа длительностью от 60 до 90 минут
  • на афишах и в рекламной кампании должны быть в обязательном порядке размещены логотипы поддерживающих коллектив организаций
  • агент: Юрий Льноградский, +7 (916) 511-37-41, lnogradski@gmail.com

 


Raw Vision + «МузЭнерго»: прошлое

  • Тур 2018 года:
    • 15 апреля — Москва, джаз-клуб «Esse»
    • 16 апреля — Сергиев Посад, КПЦ «Дубрава»
    • 17 апреля — Нижний Новгород, «Арсенал»
    • 18 апреля — Самара, музыкальное кафе «Бутлегер»
    • 19 апреля — Уфа, Уфимский джаз-клуб
    • 20 апреля — Екатеринбург, клуб «EverJazz»
    • 21 апреля — Воронеж, книжный клуб «Петровский»

Архив избранных афиш

Опубликовано

Таня Балакирская (Дубна)

Таня Балакирская, вокал, клавишные

Одна из основательниц фестиваля «МузЭнерго» в Дубне, неоднократно выступавшая с разными проектами на разных мероприятиях фестиваля. Актуальная информация на официальном сайте. Балакирская — из числа тех регулярных участников «МузЭнерго», чьи новые проекты появляются не сами по себе, а как своего рода отклик на приём её фестивальных выступлений аудиторией и коллегами: начав с камерного дуэта с пианистом Алексеем Наджаровым, исполнявшим интерпретации песен великой Джони Митчелл, Таня довела этот проект до уровня международных гастролей.

Творческое общение, завязавшееся на последующих фестивалях, привело к появлению собственной оригинальной программы: этот материал написан в сотрудничестве со знаменитой канадской вокалисткой Сьенной Дален (участницей 7-го фестиваля), голос которой звучит в саундтреке к оскароносному фильму «The Danish Poet». В качестве партнёров-музыкантов Таня пригласила самарское трио виолончелистов «Fan©», работающее в стилистике современного пост-академизма и минимализма. И вновь — фестивальная «связка»: в своё время именно появление в Дубне на «МузЭнерго» стало для музыкантов, по их собственному признанию, одним из ключевых в практике, окончательно утвердив их в востребованности выбранного направления.

Сольные же выступления Тани — это программа, направленная в большей степени на комбинированную детско-родительскую аудиторию, а не на обычный концертный зал с преобладанием взрослых слушателей. В репертуаре — преимущественно собственные произведения, однако есть и определённая доля довольно неожиданные пьес чужого авторства. Главная идея выступления — создание комфортной среды, в которой к качественной музыке могут прислушаться совсем маленькие дети и в которой у их родителей не существует дискомфорта от  того, что ребёнок ведёт себя так, как от него и следует ожидать. Здесь нет гласных или негласных запретов на перемещение по залу, комментирование детьми вслух происходящего и прочих нюансов, которые обычно удерживают слушателя от посещения концертов вместе с детьми

Составы и проекты, с которыми проходили выступления в рамках проектов «МузЭнерго» (информация не оформлена до конца):

  • Таня Балакирская соло
  • Таня Балакирская (+ Александр Плотников, ударные)
  • Таня Балакирская, Alain Blesing (Франция, гитара), Claudie Boucau (Франция, флейта)
  • Таня Балакирская + LRK Trio (Евгений Лебедев, клавишные; Антон Ревнюк, бас; Игнат Кравцов, ударные)
  • Квартет Тани Балакирской (+ Дмитрий Илугдин, клавишные; Виктор Шестак, контрабас; Пётр Ившин, ударные)
  • Таня Балакирская + Stop Thinking (Павел Мацкевич, альт; Дмитрий Тарбеев, бас)

Таня Балакирская + «МузЭнерго»: прошлое

    • 04.02.2017 — Москва, клуб Игоря Бутмана (с LRK Trio)
    • 20.04.2017 — Дубна, ДК «Мир» (в трио при участии Алена Блесина и Клоди Буко, специальный гость — Александр Плотников)
    • 22.04.2017 — Сергиев Посад, КПЦ «Дубрава» (в трио при участии Алена Блесина и Клоди Буко, специальный гость — Александр Плотников)
    • 26.04.2017 — Красноярск, Филармония (c LRK Trio)
    • 08.10.2017 — Дубна, «Лимонад» (в дуэте с Александром Плотниковым)
    • 05.12.2017 — Москва, клуб Игоря Бутмана (с квинтетом при участии Дмитрия Илугдина, Виктора Шестака, Петра Ившина, Александра Бруни)
    • 17.02.2018 — Дмитров, клуб «Котёл» (в дуэте с Александром Плотниковым)
    • 24.02.2018 — Егорьевск, ДК им. Конина, фестиваль «МузЭнерго»
    • 11.03.2018 — Москва, клуб Алексея Козлова (с квинтетом при участии Дмитрия Илугдина, Виктора Шестака, Петра Ившина, Александра Бруни)
    • 06.04.2018 — Дубна, ДК «Мир» (с группой друзей)
    • 26.04.2018 — Москва, клуб Алексея Козлова (с Stop Thinking)
    • 18.05.2018 — Самара, фестиваль «Moving Club Meets Friends» (с квартетом при участии Дмитрия Илугдина, Виктора Шестака, Петра Ившина)
    • 19.05.2018 — Тольятти, «Кирпич» (с квартетом при участии Дмитрия Илугдина, Виктора Шестака, Петра Ившина)
    • 22.05.2018 — Пенза, фестиваль Jazz May (с квартетом при участии Дмитрия Илугдина, Виктора Шестака, Петра Ившина)
    • 29.05.2018 — Москва, ЕКЦ на Никитской (с квартетом при участии Дмитрия Илугдина, Виктора Шестака, Петра Ившина)
    • 03.06.2018 — Дубна, «Лимонад»
    • 11.06.2018 — Сергиев Посад, фестиваль «Дубрава Музыка 2018» (с квартетом при участии Дмитрия Илугдина, Виктора Шестака, Петра Ившина)
    • 24.06.2018 — Егорьевск, «Ротор»

Архив избранных афиш

 

Опубликовано

La Fanfarria del Capitán (Аргентина)

Валериа Велаксес (Valeria Velasquez), скрипка
Херонимо «Капитан» Кассанье (Jeronimo Capitan Cassagne), голос, гитара
Виктория Корнехо (Victoria Cornejo), голос, аккордеон
Хуан Пабло Пелаэс (Juan Pablo Pelaez), труба
Федерико Санчес (Federico Sanchez), голос, бас
специальные гости:
Олег Дробинский, кларнет, гайта
Юрий Капля, флейта

Изрядно нашумевшему коллективу La Fanfarria Del Capitan не раз случалось выступать в России в последнее десятилетие (в том числе под именем Capitan Tifus). Их музыка ближе к танцевально-латиноамериканской.

La Fanfarria del Capitán + «МузЭнерго»: прошлое

    • 10.06.2018 — Сергиев Посад, фестиваль «Дубрава Музыка 2018»
    • 15.06.2018 — Москва, ЦДХ

Архив избранных афиш

Опубликовано

Bersuit Vergarabat (Аргентина)

Карлос Жерман Сбарбати (Carlos German Sbarbati), вокал
Даниэль Суарес (Daniel Suárez), вокал
Хуан Бруно (Juan Bruno), гитара
Виктор Альберто Тито Веренсуэла (Víctor Alberto «Tito» Verenzuela), гитара
Мариано Камполиете (Mariano Campoliete), гитара
Хуан Субира (Juan Subirá), клавишные, вокал
Рене «Пепе» Сеспедес (René «Pepe» Céspedes), бас-гитара
Карлос Мартин (Carlos E. Martín), ударные

Про этот коллектив не надо ничего рассказывать тому, кто ценит южноамериканскую рок-сцену и неровно дышит к текстам на испанском. Уникальный концерт Bersuit Vergarabat в Москве по духу ближе к концерту в Буэнос-Айресе: выступление приурочено к футбольным матчам Чемпионата мира, и посмотреть на свою сборную (а заодно и на своих любимых музыкантов) приедут сотни аргентинских болельщиков.

В 2018-м Bersuit Vergarabat проводит мировое турне в честь своего тридцатилетия. Отличительной чертой коллектива всегда были острые тексты; что до музыки, то это соединение рок-стилистики с латиноамериканскими ритмами (кумбия, танго, мурга, регги, чакарера и кандомбе).

Bersuit Vergarabat широко известны не только в Аргентине, но и во всех странах Латинской Америки, в Испании, США, Великобритании, Германии, Японии. На счету коллектива тринадцать альбомов (свою официальную дискографию они открыли в 1992 году альбомом «Y Punto»). Знаковой стала работа «Libertinism» (1998), показанная в большом туре по странам всего континента; он завершился концертом на открытом воздухе в Буэнос-Айресе, собравшим более 50 тысяч человек. В этот альбом вошла нашумевшая песня «Mr. Cobranza», подвергшаяся цензуре со стороны аргентинского правительства за грубый и прямолинейный текст. Альбом 2000 года «Hijos del Culo» получил двойной национальный платиновый статус. К слову о футболе – на нём был выпущен своеобразный гимн аргентинских болельщиков «Toco y Me Voy». Однако со временем все эти достижения лишь обновлялись и обновлялись: был и шестикратный (!) платиновый статус более поздней работы «La Argentinidad Al Palo», и стадионные концерты на аудиторию в 70 (!) тысяч человек, и многочисленные туры по всему миру.

В 2009-м группу покинул для начала сольной карьеры основной вокалист оригинального состава, Густаво Кордера, однако на росте популярности коллектива это не отобразилось. Продолжая одновременно и развивать тему «песен протеста», и провоцировать аудиторию на танец, Bersuit Vergarabat постоянно трансформируются; они всегда интересны тому, кто незнаком с их музыкой, и всегда гарантируют какие-то сюрпризы преданным фанатам.

[текст 2018 г.]

 

Bersuit Vergarabat + «МузЭнерго»: прошлое

    • 15.06.2018 — Москва, ЦДХ

Архив избранных афиш

Видео с организованных нами выступлений

Опубликовано

Gian Correa Quintet (Бразилия)

Жиан Корреа (Gian Correa), семиструнная акустическая гитара
Фабио Перон (Fábio Peron), десятиструнная мандолина
Энрике Менезес (Enrique Menezes), флейта
Энрике Араухо (Henrique Araujo), кавако/кавакинью
Рафаэль Толедо (Rafael Toledo), тамбурин

Квинтет под руководством исполнителя на семиструнной гитаре Жиана Корреа сформирован из лучших представителей молодой сцены бразильского Сан-Паулу. Ансамбль работает с музыкой шору (choro), по их собственным словам — первым по-настоящему аутентичным музыкальным жанром бразильской городской культуры. Виртуозная и очень непростая ритмически музыка (заставляющая, тем не менее, почти непроизвольно пускаться в пляс) строится вокруг взаимодействия трёх струнных инструментов (характерной для Бразилии семиструнной гитары, мандолины и кавако, четырёхструнного щипкового инструмента португальского происхождения) с флейтой и тамбурином. Набор может показаться странным, однако высочайшее мастерство музыкантов снимает все вопросы.

[текст 2018 г.]

 

 

Gian Correa Quintet + «МузЭнерго»: прошлое

  • 28.06.2018 — Дубна, «Прощай, оружие!»
  • 29.06.2018 — Дмитров, клуб «Котёл»

Архив избранных афиш

 

Видео с организованных нами выступлений

Опубликовано

José Lencastre NAU Quartet (Португалия)

Жозе Ленкастре (José Lencastre), альт-саксофон
Родригу Пинейру (Rodrigo Pinheiro), фортепиано
Эрнани Фауштину (Hernâni Faustino), контрабас
Жоау Ленкастре (João Lencastre), ударные

Братья Жозе (альт-саксофон) и Жоау (барабаны) Ленкастре собрали квартет, в котором играют один из лучших пианистов европейского джаза Родригу Пинейру и выдающийся контрабасист Эрнани Фауштину — это две трети ведущего португальского новоджазового состава RED Trio, в активе которого записи, например, с Нейтом Вули и Джоном Бутчером.

[текст 2018 г.]

José Lencastre NAU Quartet + «МузЭнерго»: прошлое

  • 19.09.2018 — Дубна, КМЦ «Инициатива»

Архив избранных афиш

Опубликовано

Aarón Castrillo Quintet (Испания/Великобритания)

Альваро дель Валле (Álvaro del Valle), гитара
Даниэль Хуарес (Daniel Juárez), саксофон
Чучи Гарсия (Chuchi García), контрабас
Марк Прингл (Mark Pringle), фортепиано
Аарон Кастрильо (Aarón Castrillo), ударные

Авторская музыка живущего в Берлине испанского барабанщика, параллельно играющего на фортепиано, с привлечённым в Амстердаме английским коллегой. Словом, типичный современный европейский джаз.

Коллектив начал свою историю в 2016 году; его основателями стали четверо бакалавров Musikene, известного музыкального образовательного учреждения в испанской Стране Басков. Барабанщик Аарон Кастрильо стал лидером и единственным композитором квартета, в который вошли также гитарист Альваро дель Валле, саксофонист Даниэль Хуарес и контрабасист Чучи Гарсия. Годом позже к составу присоединился уроженец Лондона пианист Марк Прингл, который познакомился с Кастрильо в Амстердаме, во время совместного обучения в программе «European Jazz Master».

Кастрильо — типичный молодой джазмен-универсал, охотно использующий любую из богатейшего спектра образовательных и карьерных возможностей, предоставляемых современной Европой. Только в смысле формального обучения джазовому искусству он к своим тридцати годам уже связан с четырьмя странами: это упомянутые Musikene его родной Испании и курсы в Амстердаме, а также знаменитая «Консерватория ритмической музыки» в датском Копенгагене и берлинский Джазовый Институт. Любопытно, что сам себя Аарон характеризует как «авангардиста», понимая под этим обыгрывание джазовыми средствами своего интереса к самым разным музыкальным стилям (року, поп-музыке, классике и электронике). Однако такое самоопределение не выдерживает серьёзной критики: то, что делает Кастрильо и как композитор, и как лидер ансамбля — это высококачественный современный авторский джаз, действительно впитавший очень разноплановые идеи, но абсолютно далёкий от авангарда в том смысле, в котором этот термин понимают сами джазмены. Возможно, просто наступает время, когда для относительно молодого музыканта смешение стилей начинает казаться чем-то принципиально новым, тогда как на самом деле исподволь он лишь делает шаг с сторону проверенного временем «нормального» импровизационного джазового подхода…

Ещё базируясь в Испании, Аарон много работал на местной сцене и участвовал в записи ряда альбомов как сайдмен. Сам оно особенно выделает работы с группой Виктора Антона (и, соответственно, альбом «Motion» 2016 года), трио Луисми Сегурадо («Tritones and Serendipia», 2016) и Garob Band («Bidaia», 2016 и «NewFace», 2017); перечисление испанских джазовых фестивалей с его участием подтверждает базовый обязательный набор для профессионального музыканта. Карьера Кастрильо на международном уровне началась после переезда в Амстердам и с участием уже упомянутого англичанина Марка Прингла — вместе с итальянской контрабасисткой Розой Брюнелло они основали трио Nighthawks, с которым выступали в Нидерландах, Дании и Италии. В том же Амстердаме Аарон был приглашён и в секстет The Passengers, в состав которого вошли музыканты из самых разных стран (от Португалии до Новой Зеландии); в активе этого состава — появление в столь престижном зале, как амстердамский Bimhuis.

Включение в образовательную программу «European Jazz Masters» позволило Кастрильо последовательно посещать три известных образовательных учреждения в Амстердаме, Копенгагене и Берлине (именно здесь он базируется в настоящий момент). Квинтет Кастрильо выпустил свой первый диск, «Memories», в феврале 2019 года.

Кроме работы с разными коллективами, Кастрильо активно работает и над сольной программой — в том числе совмещая (разумеется, наложением) игру на разных инструментах.


Aarón Castrillo Quintet + «МузЭнерго»: будущее

  • 1-3 апреля 2021 — даты свободны
  • 4 апреля 2021 — Москва, клуб Алексея Козлова
  • 5-8 апреля 2021 — даты свободны
  • 10-11 апреля 2021 — даты зарезервированы для участия в фестивале «Розовая Пантера», Уфа

Фото для полиграфии


Параметры возможного тура

  • 5 человек в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы обеспечиваются со стороны «МузЭнерго»
    • принимающая сторона предоставляет технический райдер (в процессе уточнения), в общем случае позволяющий при необходимости стандартно ансамбль из пяти человек:
      • ударные (установка в стандартной комплектации)
      • гитара (комбо-усилитель)
      • бас (комбо-усилитель, контрабас)
      • саксофон
      • фортепиано (крайне желателен акустический инструмент)
  • работает местный звукорежиссёр (если необходимо звукоусиление)
  • программа длительностью от 45 до 90 минут
  • принимающая сторона в обязательном порядке указывает на афишах и в макетах логотипы спонсирующих коллектив организаций (список будет уточнён в феврале 2021 г.)
  • Агент: Юрий Льноградский, +7-916-511-37-41
Опубликовано

La Môme (Швейцария)

Филипп Хиллебранд (Philipp Hillebrand), кларнет, бас-кларнет
Флориан Вайсс (Florian Weiss), тромбон
Клеменс Куратле (Clemens Kuratle), ударные, перкуссия

Трио, лишённое не только гармонического инструмента, но даже баса — это уже серьёзная заявка. Однако этот инструментальный состав (кларнет, тромбон и ударные) идёт дальше: он создан как посвящение ни много ни мало Эдит Пиаф. И, безусловно, в трио никто не поёт.

«Môme Piaf», «маленький воробышек», «малышка Пиаф» — так представил публике девятнадцатилетнюю Эдит Гассьон её первооткрыватель Луи Лепле, владелец популярного парижского кабаре «Le Gerny». Лепле не просто вывел уличную певицу на сцену клуба, который посещали представители всех слоёв общества; он дал ей первые уроки поведения на сцене, порекомендовал одеваться в чёрное платье, впоследствии ставшее её «фирменным знаком», и создал для неё первой же своей афишей творческий псевдоним, под которым она и стала известной всему миру. Уже через год Лепле был убит при так и не прояснённых окончательно обстоятельствах, а «маленького воробушка» с пристрастием допрашивала парижская полиция, допускавшая причастность Пиаф к гибели своего антрепренёра. Однако имя осталось, и никто никогда не произносил настоящей фамилии женщины, подарившей миру «Non, je ne regrette rien», «La vie en rose» и другие хоты классического французского шансона. Отныне её звали Эдит Пиаф.

По мнению швейцарских музыкантов, созданная Пиаф музыка никогда не потеряет своей харизмы и привлекательности. Отличительные яркие мелодии, глубокие и запоминающиеся тексты, высочайшая эмоциональность и вовлечённость исполнителя — всё это, как они говорят, будет порождать всё новые и новые отголоски в мировом искусстве, подчас в совершенно неожиданном контексте. И само их обращение к музыке Пиаф — одно из ярчайших тому доказательств.

«La Môme» называют себя «обычным современным джазовым трио», что само по себе характерно: обычность для них — то, что для многих показалось бы весьма и весьма радикальным шагом в будущее. Необычные аранжировки для кларнета, тромбона и ударных, в понимании музыкантов, сохраняют великолепие специфического голоса Пиаф и подчёркивают хрупкость её личности; они верят также, что чистое звучание духовых, не обрамлённое электрифицированным басом, клавишными и гитарой, позволяет вернуться к тому ощущению музыки, которое рождалось только от звука старого винила околовоенной эры. И они гарантируют, что не пытаются лишь воссоздать атмосферу Парижа: даже если слушателю в какой-то момент начнёт казаться, что музыка «La Môme» стала расслабленной и элегичной, ему гарантировано самое настоящее новоджазовое извержение вулкана. Даже это — дань уважения Эдит Пиаф, готовность откровенно взорваться эмоциями и неприкрытая чувственность того, что происходит на сцене.

Фото для полиграфии

Параметры возможного тура

  • 3 человека в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются со стороны «МузЭнерго»
  • принимающая сторона предоставляет:
    • профессиональные качественные ударные в стандартной комплектации , включая педаль, малый барабан, 3 стройки для ударных, стул с регулируемой высотой, ковёр
      два микрофона на стойках для озвучки духовых
    • микрофон на конферанс и, по собственному разумению, микрофон для переводчика (с английского или немецкого)
    • типовую озвучку перечисленного
    • мониторную систему сообразно залу на троих музыкантов (в идеале — 3 мониторных линии)
  • работает местный звукорежиссёр
  • программа длительностью от 60 до 90 минут
  • на афишах и в рекламной кампании должны быть в обязательном порядке размещены логотипы поддерживающих коллектив организаций
  • агент: Юрий Льноградский, +7 (916) 511-37-41, lnogradski@gmail.com

 


La Môme + «МузЭнерго»: прошлое

  • Тур 2018 года:
    • 30 сентября, вс — Москва, ЕКЦ на Никитской
    • 1 октября, пн — Тула, культурный центр «Типография»
    • 2 октября, вт — Воронеж, книжный клуб «Петровский»
    • 3 октября, ср — Москва, клуб Алексея Козлова
    • 4 октября, чт — Нижний Новгород, клуб-ресторан «Никитин»
    • 5 октября, пт — Санкт-Петербург, джаз-клуб JFC
    • 6 октября, сб — Калининград, клуб «У Гашека»
    • 7 октября, вс — Егорьевск, клуб «Ротор»
    • 8 октября, пн — Тольятти, арт-клуб «Кирпич»
    • 9 октября, вт — Самара, Художественный Музей
    • 10 октября, ср — Уфа, джаз-клуб
    • 11 октября, чт — Ижевск, арт-центр «Грифон»
    • 13 октября — Москва, Центр Документального Кино (фестиваль швейцарских фильмов «Шерше ля фам»)
    • 14 октября — Екатеринбург, Ельцин-Центр
    • 16 октября — Дубна, КМЦ «Инициатива»

Архив избранных афиш

Опубликовано

Julie Campiche Quartet (Швейцария)

Лео Фумагали (Leo Fumagalli), саксофон
Жюли Кампиш (Julie Campiche), арфа
Ману Хагманн (Manu Hagmann), контрабас
Клеменс Куратле (Clemens Kuratle), ударные

Джазовый квартет, созданный и возглавляемый арфисткой и построенный на обязательном использовании электронных преобразований звука всеми четырьмя участниками. В принципе, этого описания уже достаточно для понимания полной уникальности коллектива.

Жюли Кампиш создала этот ансамбль в 2016-м, после восьмилетней работы в камерном ансамбле Orioxy, сделавшем блестящую карьеру на международном уровне. Отчасти именно из Orioxy ею была унаследована камерная хрупкость, отличающая звучание квартета. То, что в мире импровизационной музыки принято называть «электроакустикой», здесь имеет почти буквальный смысл, не искажённый знакомыми только посвящённым нюансами. «Акустика» очевидна — все четыре инструмента группы в состоянии давать полноценный звук без использования электричества. А «электро» используется прямолинейно и честно — каждый из инструментов снабжён своим собственным процессором, позволяющим музыкантам создавать сложные фактурные звуковые полотна самостоятельно. Импровизация квартета в результате происходит и в содержательном поле, и в чисто звуковом. Свободное следование велению момента на концертах порой уводит группу очень далеко от изначально исполняемой композиции с её чёткой гармонией и мелодической темой, и большую часть времени музыканты работают именно с окраской звука, переходя от вполне традиционного джазового звучания к почти «искусственному» саундскейпу и обратно.

Впрочем, саундскейп — что в прямом переводе читается как «звуковой ландшафт» — это всё-таки термин несколько неточный. Там, где корифеи жанра опирались на свои представления о красоте и гармонии, Жюли Кампиш в равной степени, по её собственным словам, опирается и на страхи своего поколения. Сложная электронная паутина звуков совсем не обязательно будет вызвана к жизни размышлениями о любви, красоте и добре: лидер квартета говорит о том, что её могут вдохновлять на высказывание и мысли о накапливающихся в мире радиоактивных отходах, о бессмысленном потоке бесполезных новостей от средства массовой информации, о потере человеческой личности в цифровом мире. Результат — совсем не та элегия, что характерна для саундскейпа, и совсем не то качественное развлекательство, к которому скатывается современный джаз: это отражение в музыке хрупкого баланса между добром и злом, борьбы, радостей и разочарований — словом, комплексность академической музыки в лучшем смысле слова. Неудивительно, что время от времени квартет работает совместно с камерными составами из мира классики — например, с «барочным» Capelle Jenensis.

Но Жюли вообще артист достаточно радикальный и разноплановый. К 2002 году она закончила обучение в Женевской консерватории по классу классической арфы, после чего вся её дальнейшая специализация запестрела словами «первая арфистка» (вернее, даже «первый арфист», без учёта пола): первая арфистка, принятая на джазовое отделение Лионской консерватории во Франции; первая арфистка, получившая степень бакалавра по направлению «Джаз» в Высшей музыкальной школе Лозанны; первая арфистка, принятая там же на магистерскую программу композиции. А среди тех, с кем ей уже довелось посотрудничать, артисты из самых разных стран, представляющие самые разные направления импровизационной музыки: датский контрабасист Яспер Хёйби, французский трубач Эрик Трюффа, швейцарский вокалист Андреас Шёрер и так далее.

Что же до квартета, то он уверенно набирает силу на международной арене. Уже в год основания его композиция «Onkalo» была отобрана для диска, презентующего швейцарскую джазовую сцену в качестве приложения к именитому британскому журналу «Jazzwise». В 2018-м квартет представил Швейцарию на легендарном фестивале «12 Points» в ирландском Дублине, а чуть позже выступил в Монтрё в рамках концерта номинантов на звание «Открытия года».

Отзывы прессы

  • … уникальный голос — как в самом звучащем через электронику инструменте, так и в исполнительском мастерстве. (Tony Benjamin, Jazzwise, Великобритания)
  •  … её чувство времени словно идёт из самого сердца. (Debra Richards, Swiss Vibes)
  • … обладательница неповторимого голоса, Кампиш прокладывает свою дорогу в музыке, и её развитие стоит того, чтобы за ним наблюдать. (Ian Patterson, All About Jazz)
  • … магия, работающая с первых же нот (Nicolas Hilali, The Chronicles of Hi-Ko)
  • … комбинация арфы Жюли Кампиш с саксофоном, басом и ударными — это выделяется из общего ряда; эта группа создаёт очень привлекательный и отличительный звук. (Tony Dudley-Evans, London Jazz News, Великобритания)
  • … этот диск — словно солнечный свет (Froggy’s Delight, Jérôme Gillet, ‘The Noise»)

Julie Campiche Quartet + «МузЭнерго»: будущее

  • 15-16 февраля — даты свободны
  • 17 февраля 2021 года — Красноярск, филармония
  • 17-28 февраля — даты свободны

Фото для полиграфии

 

Параметры предстоящего тура

  • 4 человека в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются компанией «Отдел культуры» (возможно уменьшение по гонорару при предоставлении жилья и питания принимающей стороной по результатам обсуждения)
  • Принимающая сторона обеспечивает техрайдер, включающий предоставление арфы (!)
  • работает местный звукорежиссёр
  • программа длительностью от 60 до 90 минут
  • в рекламной кампании должны быть указаны логотипы поддерживающих тур организаций
  • Юрий Льноградский, +7 (916) 511-37-41, iouri.lnogradski@gmail.com
Опубликовано

02.04.2020, Владимир, «Grey Whale»: MARC EGEA (Каталония)

 

Марк Эжеа (Marc Egea), колёсная лира, голос, этнические духовые и перкуссионные инструменты

Древний традиционный инструмент каталонского фольклора, колёсная лира, куда шире распространена в мире, чем может показаться неспециалисту. Но Марк Эжеа, один из лучших в мире специалистов по hurdy gurdy (именно так обычно называют колёсную лиру на английском), одинаково свободно чувствует себя и в фольклорном, и в импровизационном поле, а временами обращается и к электронике. Смесь традиционной музыки и джаза, академического музыкального языка и свободы, крайне необычная тембральная картина, оригинальный материал — всё это делает его работу ярким и заметным явлением.

Эжеа — автор собственной школы игры на инструменте («Iniciació a la viola de roda»), который в его руках обретает кажущиеся нереальными возможности. Марк охотно выступает как в составе ансамблей, так и соло, причём пользуется не только процессорной электроникой, но и некоторыми другими фольклорными инструментами. Последнее время он всё чаще использует флабиол — небольшой каталонский духовой инструмент, один из дюжины обязательных голосов традиционного ансамбля под названием «кобла». Марк вообще много и плодотворно работает с национальными духовыми, а в своих сольных альбомах задействует весь спектр от органа до перкуссии и от гитары до трубы. Неудивительно, что и в его исполнительской карьере встречаются весьма полярные проекты — от этно-джазового квартета Kaulakau до муниципального оркестра фанфар Барселоны. Эжеа регулярно сотрудничает с балетными и театральными труппами, создаёт уникальные звуковые инсталляции для музейных выставок, получает заказы на написание музыки к радио- и телепередачам и т.д.

Марк не раз бывал в России. Начав свои приезды с показа этно-джазового квартета Kaulakau, в 2013-м он вернулся с сольной программой и стал одним из ключевых участников первого гастролирующего фестиваля «МузЭнергоТур», проехав с ним от Подмосковья до Красноярского края. Наряду с ещё несколькими музыкантами он заложил основные художественные принципы проекта, предполагающие активное импровизационное сотрудничество «на ходу»; именно на основе этого опыта он принял решение участвовать в следующем туре уже без процессорной электроники, предлагая публике лишь акустическое звучание инструментов и свой голос. Одним из самых поразительных умений Марка оказалась способность вызывать на аудиторию дождь посреди ясного дня, исполняя для этого специальную древнюю каталонскую песню-заклинание.

В настоящее время Эжеа всё дальше уходит от электронного экспериментаторства к корневому фольклору, который, однако, подаёт во всё более радикальной манере — то аранжируя простенькие крестьянские песенки в формат чуть ли не академических ораторий, то находя в скупом акустическом звучании вполне современный танцевальный пульс, то поражая слушателя искренностью зрелого мужчины, максимально открыто поющего о вечных темах — любви, предательстве, дружбе, одиночестве. С недавнего времени с Марком часто выступает его старший сын Кирзе, поющий вторую партию и играющий на теноре (национальном духовом инструменте).

Опубликовано

30.03.2020, Яхрома, «Camberry»: MARC EGEA (Каталония)

 

Марк Эжеа (Marc Egea), колёсная лира, голос, этнические духовые и перкуссионные инструменты

Древний традиционный инструмент каталонского фольклора, колёсная лира, куда шире распространена в мире, чем может показаться неспециалисту. Но Марк Эжеа, один из лучших в мире специалистов по hurdy gurdy (именно так обычно называют колёсную лиру на английском), одинаково свободно чувствует себя и в фольклорном, и в импровизационном поле, а временами обращается и к электронике. Смесь традиционной музыки и джаза, академического музыкального языка и свободы, крайне необычная тембральная картина, оригинальный материал — всё это делает его работу ярким и заметным явлением.

Эжеа — автор собственной школы игры на инструменте («Iniciació a la viola de roda»), который в его руках обретает кажущиеся нереальными возможности. Марк охотно выступает как в составе ансамблей, так и соло, причём пользуется не только процессорной электроникой, но и некоторыми другими фольклорными инструментами. Последнее время он всё чаще использует флабиол — небольшой каталонский духовой инструмент, один из дюжины обязательных голосов традиционного ансамбля под названием «кобла». Марк вообще много и плодотворно работает с национальными духовыми, а в своих сольных альбомах задействует весь спектр от органа до перкуссии и от гитары до трубы. Неудивительно, что и в его исполнительской карьере встречаются весьма полярные проекты — от этно-джазового квартета Kaulakau до муниципального оркестра фанфар Барселоны. Эжеа регулярно сотрудничает с балетными и театральными труппами, создаёт уникальные звуковые инсталляции для музейных выставок, получает заказы на написание музыки к радио- и телепередачам и т.д.

Марк не раз бывал в России. Начав свои приезды с показа этно-джазового квартета Kaulakau, в 2013-м он вернулся с сольной программой и стал одним из ключевых участников первого гастролирующего фестиваля «МузЭнергоТур», проехав с ним от Подмосковья до Красноярского края. Наряду с ещё несколькими музыкантами он заложил основные художественные принципы проекта, предполагающие активное импровизационное сотрудничество «на ходу»; именно на основе этого опыта он принял решение участвовать в следующем туре уже без процессорной электроники, предлагая публике лишь акустическое звучание инструментов и свой голос. Одним из самых поразительных умений Марка оказалась способность вызывать на аудиторию дождь посреди ясного дня, исполняя для этого специальную древнюю каталонскую песню-заклинание.

В настоящее время Эжеа всё дальше уходит от электронного экспериментаторства к корневому фольклору, который, однако, подаёт во всё более радикальной манере — то аранжируя простенькие крестьянские песенки в формат чуть ли не академических ораторий, то находя в скупом акустическом звучании вполне современный танцевальный пульс, то поражая слушателя искренностью зрелого мужчины, максимально открыто поющего о вечных темах — любви, предательстве, дружбе, одиночестве. С недавнего времени с Марком часто выступает его старший сын Кирзе, поющий вторую партию и играющий на теноре (национальном духовом инструменте).

Опубликовано

01.04.2020, Тула, «Типография»: MARC EGEA (Каталония)

 

Марк Эжеа (Marc Egea), колёсная лира, голос, этнические духовые и перкуссионные инструменты

Древний традиционный инструмент каталонского фольклора, колёсная лира, куда шире распространена в мире, чем может показаться неспециалисту. Но Марк Эжеа, один из лучших в мире специалистов по hurdy gurdy (именно так обычно называют колёсную лиру на английском), одинаково свободно чувствует себя и в фольклорном, и в импровизационном поле, а временами обращается и к электронике. Смесь традиционной музыки и джаза, академического музыкального языка и свободы, крайне необычная тембральная картина, оригинальный материал — всё это делает его работу ярким и заметным явлением.

Эжеа — автор собственной школы игры на инструменте («Iniciació a la viola de roda»), который в его руках обретает кажущиеся нереальными возможности. Марк охотно выступает как в составе ансамблей, так и соло, причём пользуется не только процессорной электроникой, но и некоторыми другими фольклорными инструментами. Последнее время он всё чаще использует флабиол — небольшой каталонский духовой инструмент, один из дюжины обязательных голосов традиционного ансамбля под названием «кобла». Марк вообще много и плодотворно работает с национальными духовыми, а в своих сольных альбомах задействует весь спектр от органа до перкуссии и от гитары до трубы. Неудивительно, что и в его исполнительской карьере встречаются весьма полярные проекты — от этно-джазового квартета Kaulakau до муниципального оркестра фанфар Барселоны. Эжеа регулярно сотрудничает с балетными и театральными труппами, создаёт уникальные звуковые инсталляции для музейных выставок, получает заказы на написание музыки к радио- и телепередачам и т.д.

Марк не раз бывал в России. Начав свои приезды с показа этно-джазового квартета Kaulakau, в 2013-м он вернулся с сольной программой и стал одним из ключевых участников первого гастролирующего фестиваля «МузЭнергоТур», проехав с ним от Подмосковья до Красноярского края. Наряду с ещё несколькими музыкантами он заложил основные художественные принципы проекта, предполагающие активное импровизационное сотрудничество «на ходу»; именно на основе этого опыта он принял решение участвовать в следующем туре уже без процессорной электроники, предлагая публике лишь акустическое звучание инструментов и свой голос. Одним из самых поразительных умений Марка оказалась способность вызывать на аудиторию дождь посреди ясного дня, исполняя для этого специальную древнюю каталонскую песню-заклинание.

В настоящее время Эжеа всё дальше уходит от электронного экспериментаторства к корневому фольклору, который, однако, подаёт во всё более радикальной манере — то аранжируя простенькие крестьянские песенки в формат чуть ли не академических ораторий, то находя в скупом акустическом звучании вполне современный танцевальный пульс, то поражая слушателя искренностью зрелого мужчины, максимально открыто поющего о вечных темах — любви, предательстве, дружбе, одиночестве. С недавнего времени с Марком часто выступает его старший сын Кирзе, поющий вторую партию и играющий на теноре (национальном духовом инструменте).

Опубликовано

22.03.2020, Дубна, «Прощай, оружие!»: MARC EGEA (Каталония)

 

Марк Эжеа (Marc Egea), колёсная лира, голос, этнические духовые и перкуссионные инструменты

Древний традиционный инструмент каталонского фольклора, колёсная лира, куда шире распространена в мире, чем может показаться неспециалисту. Но Марк Эжеа, один из лучших в мире специалистов по hurdy gurdy (именно так обычно называют колёсную лиру на английском), одинаково свободно чувствует себя и в фольклорном, и в импровизационном поле, а временами обращается и к электронике. Смесь традиционной музыки и джаза, академического музыкального языка и свободы, крайне необычная тембральная картина, оригинальный материал — всё это делает его работу ярким и заметным явлением.

Эжеа — автор собственной школы игры на инструменте («Iniciació a la viola de roda»), который в его руках обретает кажущиеся нереальными возможности. Марк охотно выступает как в составе ансамблей, так и соло, причём пользуется не только процессорной электроникой, но и некоторыми другими фольклорными инструментами. Последнее время он всё чаще использует флабиол — небольшой каталонский духовой инструмент, один из дюжины обязательных голосов традиционного ансамбля под названием «кобла». Марк вообще много и плодотворно работает с национальными духовыми, а в своих сольных альбомах задействует весь спектр от органа до перкуссии и от гитары до трубы. Неудивительно, что и в его исполнительской карьере встречаются весьма полярные проекты — от этно-джазового квартета Kaulakau до муниципального оркестра фанфар Барселоны. Эжеа регулярно сотрудничает с балетными и театральными труппами, создаёт уникальные звуковые инсталляции для музейных выставок, получает заказы на написание музыки к радио- и телепередачам и т.д.

Марк не раз бывал в России. Начав свои приезды с показа этно-джазового квартета Kaulakau, в 2013-м он вернулся с сольной программой и стал одним из ключевых участников первого гастролирующего фестиваля «МузЭнергоТур», проехав с ним от Подмосковья до Красноярского края. Наряду с ещё несколькими музыкантами он заложил основные художественные принципы проекта, предполагающие активное импровизационное сотрудничество «на ходу»; именно на основе этого опыта он принял решение участвовать в следующем туре уже без процессорной электроники, предлагая публике лишь акустическое звучание инструментов и свой голос. Одним из самых поразительных умений Марка оказалась способность вызывать на аудиторию дождь посреди ясного дня, исполняя для этого специальную древнюю каталонскую песню-заклинание.

В настоящее время Эжеа всё дальше уходит от электронного экспериментаторства к корневому фольклору, который, однако, подаёт во всё более радикальной манере — то аранжируя простенькие крестьянские песенки в формат чуть ли не академических ораторий, то находя в скупом акустическом звучании вполне современный танцевальный пульс, то поражая слушателя искренностью зрелого мужчины, максимально открыто поющего о вечных темах — любви, предательстве, дружбе, одиночестве. С недавнего времени с Марком часто выступает его старший сын Кирзе, поющий вторую партию и играющий на теноре (национальном духовом инструменте).

Опубликовано

21.03.2020, Егорьевск, «Rotor»: MARC EGEA (Каталония)

 

Марк Эжеа (Marc Egea), колёсная лира, голос, этнические духовые и перкуссионные инструменты

Древний традиционный инструмент каталонского фольклора, колёсная лира, куда шире распространена в мире, чем может показаться неспециалисту. Но Марк Эжеа, один из лучших в мире специалистов по hurdy gurdy (именно так обычно называют колёсную лиру на английском), одинаково свободно чувствует себя и в фольклорном, и в импровизационном поле, а временами обращается и к электронике. Смесь традиционной музыки и джаза, академического музыкального языка и свободы, крайне необычная тембральная картина, оригинальный материал — всё это делает его работу ярким и заметным явлением.

Эжеа — автор собственной школы игры на инструменте («Iniciació a la viola de roda»), который в его руках обретает кажущиеся нереальными возможности. Марк охотно выступает как в составе ансамблей, так и соло, причём пользуется не только процессорной электроникой, но и некоторыми другими фольклорными инструментами. Последнее время он всё чаще использует флабиол — небольшой каталонский духовой инструмент, один из дюжины обязательных голосов традиционного ансамбля под названием «кобла». Марк вообще много и плодотворно работает с национальными духовыми, а в своих сольных альбомах задействует весь спектр от органа до перкуссии и от гитары до трубы. Неудивительно, что и в его исполнительской карьере встречаются весьма полярные проекты — от этно-джазового квартета Kaulakau до муниципального оркестра фанфар Барселоны. Эжеа регулярно сотрудничает с балетными и театральными труппами, создаёт уникальные звуковые инсталляции для музейных выставок, получает заказы на написание музыки к радио- и телепередачам и т.д.

Марк не раз бывал в России. Начав свои приезды с показа этно-джазового квартета Kaulakau, в 2013-м он вернулся с сольной программой и стал одним из ключевых участников первого гастролирующего фестиваля «МузЭнергоТур», проехав с ним от Подмосковья до Красноярского края. Наряду с ещё несколькими музыкантами он заложил основные художественные принципы проекта, предполагающие активное импровизационное сотрудничество «на ходу»; именно на основе этого опыта он принял решение участвовать в следующем туре уже без процессорной электроники, предлагая публике лишь акустическое звучание инструментов и свой голос. Одним из самых поразительных умений Марка оказалась способность вызывать на аудиторию дождь посреди ясного дня, исполняя для этого специальную древнюю каталонскую песню-заклинание.

В настоящее время Эжеа всё дальше уходит от электронного экспериментаторства к корневому фольклору, который, однако, подаёт во всё более радикальной манере — то аранжируя простенькие крестьянские песенки в формат чуть ли не академических ораторий, то находя в скупом акустическом звучании вполне современный танцевальный пульс, то поражая слушателя искренностью зрелого мужчины, максимально открыто поющего о вечных темах — любви, предательстве, дружбе, одиночестве. С недавнего времени с Марком часто выступает его старший сын Кирзе, поющий вторую партию и играющий на теноре (национальном духовом инструменте).

Опубликовано

06.04.2020, Набережные Челны, «Акуна Матата»: VERTIGO (Швейцария)

 

Иеремия «Джерри» Келлер (Jeremias «Jerry» Keller), бас-гитара
Флориан Фавр (Florian Favre), клавишные
Лионель Фридли (Lionel Friedli), ударные

«Вертиго» — это головокружение (в медицинском, общеупотребительном международном смысле). А во французском — к слову сказать, языке, на котором свободно говорят все три составляющих ансамбль швейцарца — это ещё и прихоть, причуда, дурачество.

Лидер этого проекта — Джерри Келлер; как и почти всегда получается у лидеров-басистов, ему удаётся показать в этом составе своих партнёров в достаточно неожиданном для них ракурсе. Так, пианист Флориан Фавр, стремительно набирающий европейскую известность со своим традиционным джазовым трио (рояль, контрабас и ударные) и успешно играющий близкие к «третьему течению» фортепианные концерты соло, здесь оказывается за электронными клавишными и радикально меняет манеру игры, используя все мыслимые синтезаторные возможности. Там, где залы и бюджет это позволяют, Фавр «заказывает» для себя весь возможный благородный винтаж: электропиано Fender Rhodes, синтезатор Prophet-6, непростые аналоговые процессоры. Там, где не позволяют — выжимает максимум из того, что есть, пользуясь собственным чемоданчиком с электроникой. А барабанщик Лионель Фридли, о брутальной и свободной манере игры которого уже ходят легенды, в Vertigo оказывается, наоборот, едва ли не механистическим метрономом, на первый взгляд не подверженным эмоциям.

Однако — не надо обманываться. Этой троице нужно всего несколько минут, чтобы слушатель и вправду потерялся и поплыл в созданном ими космосе. Звучание Vertigo одновременно старомодно и остро, обработка звука превращает порой бас в препарированную электрогитару, а синтезаторные «подклады» могут с одинаковой вероятностью спровоцировать как ассоциации с симфоническим оркестром, так и ощущения саундтрека от научно-фантастического фильма родом из шестидесятых. И всё это — с перспективой тех самых эмоциональных взрывов и выплесков энергии, которых поначалу не ждёшь: по изящному выражению одного из критиков, Vertigo — это «та радость, с которой сокрушаешь землю кувалдой». Что ж, у каждого свои представления и о головокружении, и о музыкальной вселенной.

У коллектива на счету один диск, выпущенный в 2018 году на лейбле ANUK, и весьма любопытная история взаимоотношений с Россией: Келлер и Фавр приезжали сюда однократно (соответственно в составе ансамбля Pommelhorse и с собственным трио), а вот Фридли бывал в стране не раз и с самыми разными коллективами: с трио Люсьена Дюбюиса, в дуэте Qoniak, в качестве «свободного агента» для участия в интернациональном «МузЭнергоБэнде». Каждый из музыкантов трио — человек с серьёзными формальными и карьерными достижениями. Например, Фавр в 2016-м потряс международный конкурс B-Jazz в Бельгии (главный приз для его трио и три дополнительных специальных!), Фридли в 2015-м году удостоился именной премии фонда Suisa (одной из ключевых культурных институций Швейцарии), Келлер в 2014-2016 пользовался приоритетной поддержкой швейцарского совета по культуре Pro Helvetia со своим ранним составом Pommelhorse. Словом, в Vertigo играют уже давно не «подающие надежды», а зрелые мастера с прекрасной и разнообразной творческой биографией, которые начали в этом составе что-то новое для себя.

Отзывы прессы

  • «… действительно головокружительные композиции» (Lula Pergoletti)
  • «… пьесы, обладающие широтой спиральной туманности и прилипчивостью сахарной ваты… стадионные рок-гимны, заставляющий тебя танцевать грув и шершавые, чисто джазовые импровизации» (Benedict Reising)

Опубликовано

24.03.2020, Москва, «Вермель»: MARC EGEA (Каталония)

 

Марк Эжеа (Marc Egea), колёсная лира, голос, этнические духовые и перкуссионные инструменты

Древний традиционный инструмент каталонского фольклора, колёсная лира, куда шире распространена в мире, чем может показаться неспециалисту. Но Марк Эжеа, один из лучших в мире специалистов по hurdy gurdy (именно так обычно называют колёсную лиру на английском), одинаково свободно чувствует себя и в фольклорном, и в импровизационном поле, а временами обращается и к электронике. Смесь традиционной музыки и джаза, академического музыкального языка и свободы, крайне необычная тембральная картина, оригинальный материал — всё это делает его работу ярким и заметным явлением.

Эжеа — автор собственной школы игры на инструменте («Iniciació a la viola de roda»), который в его руках обретает кажущиеся нереальными возможности. Марк охотно выступает как в составе ансамблей, так и соло, причём пользуется не только процессорной электроникой, но и некоторыми другими фольклорными инструментами. Последнее время он всё чаще использует флабиол — небольшой каталонский духовой инструмент, один из дюжины обязательных голосов традиционного ансамбля под названием «кобла». Марк вообще много и плодотворно работает с национальными духовыми, а в своих сольных альбомах задействует весь спектр от органа до перкуссии и от гитары до трубы. Неудивительно, что и в его исполнительской карьере встречаются весьма полярные проекты — от этно-джазового квартета Kaulakau до муниципального оркестра фанфар Барселоны. Эжеа регулярно сотрудничает с балетными и театральными труппами, создаёт уникальные звуковые инсталляции для музейных выставок, получает заказы на написание музыки к радио- и телепередачам и т.д.

Марк не раз бывал в России. Начав свои приезды с показа этно-джазового квартета Kaulakau, в 2013-м он вернулся с сольной программой и стал одним из ключевых участников первого гастролирующего фестиваля «МузЭнергоТур», проехав с ним от Подмосковья до Красноярского края. Наряду с ещё несколькими музыкантами он заложил основные художественные принципы проекта, предполагающие активное импровизационное сотрудничество «на ходу»; именно на основе этого опыта он принял решение участвовать в следующем туре уже без процессорной электроники, предлагая публике лишь акустическое звучание инструментов и свой голос. Одним из самых поразительных умений Марка оказалась способность вызывать на аудиторию дождь посреди ясного дня, исполняя для этого специальную древнюю каталонскую песню-заклинание.

В настоящее время Эжеа всё дальше уходит от электронного экспериментаторства к корневому фольклору, который, однако, подаёт во всё более радикальной манере — то аранжируя простенькие крестьянские песенки в формат чуть ли не академических ораторий, то находя в скупом акустическом звучании вполне современный танцевальный пульс, то поражая слушателя искренностью зрелого мужчины, максимально открыто поющего о вечных темах — любви, предательстве, дружбе, одиночестве. С недавнего времени с Марком часто выступает его старший сын Кирзе, поющий вторую партию и играющий на теноре (национальном духовом инструменте).

Опубликовано

Fródi (Фарерские острова) • Псков • Клуб «Тир» 04.04.2020

4 апреля в 20:00 клубе «Тир» выступит Фроуи Хансен (вокал, гитара, ударные). Вместе с Башталом Агустинуссеном (гитара) и Матиасом Капнасом (фортепиано) он исполнит песни собственного сочинения с последнего альбома «Hola» (2019), а также лучше композиции с предыдущих пластинок, в которых органично переплетается пронзительная лиричность скандинавских баллад и рок-н-рольный драйв.
 

Опубликовано

09.03.2020, Воронеж, бар «Нигилист»: Erik Leuthäuser (Германия)

 

Эрик Лёйтхойзер (Erik Leuthäuser), вокал, электроника

Там, где «индивидуальная» вокальная музыка превратилась в битбокс, а соединение вокала с электроникой — в однообразную демонстрацию технологических возможностей, молодой вокалист из Берлина Эрик Лёйтхойзер всё ещё использует свой собственный голос. В том значении, которого и ждёшь от артиста: речь не только (и не столько) о характеристиках вокала, но о полноценном авторском видении мира и искусства, о постоянном поиске адекватных новых форм самовыражения, об умении подчинить технологии содержанию, а не наоборот. 

Уроженец Дрездена, Эрик заинтересовался джазом с подачи отца. Начав петь ещё в детском возрасте, подростком он победил в нескольких местных вокальных конкурсах и был приглашён в городской биг-бэнд Дрездена и Молодёжный Джаз-Оркестр земли Саксония. Формальное музыкальное образование он получал последовательно в нескольких заведениях — в Веймаре, а хельсинкской Музыкальной академии имени Сибелиуса, в берлинском Институте Джаза. Закончив образование всего лишь в 2017-м, Лёйтхойзер уже сейчас имеет в своём активе многочисленные гастроли с самыми разными джазовыми и поп-коллективами (старая Еврова, страны бывшего СССР, Турция и даже Эквадор). Ему случалось сопровождать в качестве вокалиста выступления звёзд первой величины — Эрик пел, например, в концертных проектах Куинси Джонса, Джорджа Бенсона, Ди Ди Бриджуотер и Джейкоба Коллиера.

В 2015-м Лёйтхойзер выпустил свою первую работу, диск «In the Land of Oo-Bla-Dee» (MONS Records). Стилистически она была ближе всего к бибопу, а вокальная партия представляла собой вокализ либо исполнялась на немецком. Диск музыканта, ещё не достигшего на тот момент двадцати, был номинирован на крайне престижную премию — Preis Der Deutschen Schallplattenkritik. В мае 2018-го на куда более известном лейбле MPS вышел второй диск Эрика; на спродюсированной американским басистом Грегом Коэном работе с Лёйтхойзером играли ни много ни мало гитарист Курт Розенвинкель и барабанщик Джойи Бэрон.

Молодой артист регулярно брал призы престижных международных конкурсов: он стал первым на Jazz Stage (Рига, 2016), Big Sky (Москва, 2016) и Ella Fitzgerald Vocal Jazz Competition (США, 2018), а также выходил на подиум по результатам Shure Montreux Jazz Voice Competition (Швейцария), Voicingers (Польша), Made in NY Jazz Competition (США). Однако, несмотря на формальную принадлежность к джазу, со временем Лёйтхойзер всё больше отходит от традиционного джаза к его современным экспериментальным формам и даже пробует себя в том, что сам он называет «экспериментальной поп-музыкой». Неудивительно, что меняется и формат его выступлений. Из BuJazzO, национального молодёжного джаз-оркестра Германии, он переходит в вокальный ансамбль Wortart, который специализируется на современной немецкоязычной поэзии. А параллельно с этим — работает в ансамбле Филиппа Румша (группа импровизационно соединяет элементы минимализма, электроники, поп-музыки и классики) и занимается свободной импровизацией в дуэте с латвийской вокалисткой Артой Жекабсоне.

Пресса

  • «… восходящая звезда джазового вокала» («Mannheimer Morgen», Германия)
  • «… совершенно необычный вокальный джазовый альбом, атмосферный, захватывающий, полный воображения и риска. Эрик не похож ни на кого из вокалистов, что мне известны» (James Gavin, США)
  • «… это искусство, полное радости жизни и честное. Его голос прекрасен и свободен, он сам — молод и увлечён, искренен и музыкален» (Sabine Kühlich, Германия)

Опубликовано

07.03.2020, Тула, «Типография»: Erik Leuthäuser (Германия)

 

Эрик Лёйтхойзер (Erik Leuthäuser), вокал, электроника

Там, где «индивидуальная» вокальная музыка превратилась в битбокс, а соединение вокала с электроникой — в однообразную демонстрацию технологических возможностей, молодой вокалист из Берлина Эрик Лёйтхойзер всё ещё использует свой собственный голос. В том значении, которого и ждёшь от артиста: речь не только (и не столько) о характеристиках вокала, но о полноценном авторском видении мира и искусства, о постоянном поиске адекватных новых форм самовыражения, об умении подчинить технологии содержанию, а не наоборот. 

Уроженец Дрездена, Эрик заинтересовался джазом с подачи отца. Начав петь ещё в детском возрасте, подростком он победил в нескольких местных вокальных конкурсах и был приглашён в городской биг-бэнд Дрездена и Молодёжный Джаз-Оркестр земли Саксония. Формальное музыкальное образование он получал последовательно в нескольких заведениях — в Веймаре, а хельсинкской Музыкальной академии имени Сибелиуса, в берлинском Институте Джаза. Закончив образование всего лишь в 2017-м, Лёйтхойзер уже сейчас имеет в своём активе многочисленные гастроли с самыми разными джазовыми и поп-коллективами (старая Еврова, страны бывшего СССР, Турция и даже Эквадор). Ему случалось сопровождать в качестве вокалиста выступления звёзд первой величины — Эрик пел, например, в концертных проектах Куинси Джонса, Джорджа Бенсона, Ди Ди Бриджуотер и Джейкоба Коллиера.

В 2015-м Лёйтхойзер выпустил свою первую работу, диск «In the Land of Oo-Bla-Dee» (MONS Records). Стилистически она была ближе всего к бибопу, а вокальная партия представляла собой вокализ либо исполнялась на немецком. Диск музыканта, ещё не достигшего на тот момент двадцати, был номинирован на крайне престижную премию — Preis Der Deutschen Schallplattenkritik. В мае 2018-го на куда более известном лейбле MPS вышел второй диск Эрика; на спродюсированной американским басистом Грегом Коэном работе с Лёйтхойзером играли ни много ни мало гитарист Курт Розенвинкель и барабанщик Джойи Бэрон.

Молодой артист регулярно брал призы престижных международных конкурсов: он стал первым на Jazz Stage (Рига, 2016), Big Sky (Москва, 2016) и Ella Fitzgerald Vocal Jazz Competition (США, 2018), а также выходил на подиум по результатам Shure Montreux Jazz Voice Competition (Швейцария), Voicingers (Польша), Made in NY Jazz Competition (США). Однако, несмотря на формальную принадлежность к джазу, со временем Лёйтхойзер всё больше отходит от традиционного джаза к его современным экспериментальным формам и даже пробует себя в том, что сам он называет «экспериментальной поп-музыкой». Неудивительно, что меняется и формат его выступлений. Из BuJazzO, национального молодёжного джаз-оркестра Германии, он переходит в вокальный ансамбль Wortart, который специализируется на современной немецкоязычной поэзии. А параллельно с этим — работает в ансамбле Филиппа Румша (группа импровизационно соединяет элементы минимализма, электроники, поп-музыки и классики) и занимается свободной импровизацией в дуэте с латвийской вокалисткой Артой Жекабсоне.

Пресса

  • «… восходящая звезда джазового вокала» («Mannheimer Morgen», Германия)
  • «… совершенно необычный вокальный джазовый альбом, атмосферный, захватывающий, полный воображения и риска. Эрик не похож ни на кого из вокалистов, что мне известны» (James Gavin, США)
  • «… это искусство, полное радости жизни и честное. Его голос прекрасен и свободен, он сам — молод и увлечён, искренен и музыкален» (Sabine Kühlich, Германия)

Опубликовано

06.03.2020, Владимир, «Grey Whale»: Erik Leuthäuser (Германия)

 

Эрик Лёйтхойзер (Erik Leuthäuser), вокал, электроника

Там, где «индивидуальная» вокальная музыка превратилась в битбокс, а соединение вокала с электроникой — в однообразную демонстрацию технологических возможностей, молодой вокалист из Берлина Эрик Лёйтхойзер всё ещё использует свой собственный голос. В том значении, которого и ждёшь от артиста: речь не только (и не столько) о характеристиках вокала, но о полноценном авторском видении мира и искусства, о постоянном поиске адекватных новых форм самовыражения, об умении подчинить технологии содержанию, а не наоборот. 

Уроженец Дрездена, Эрик заинтересовался джазом с подачи отца. Начав петь ещё в детском возрасте, подростком он победил в нескольких местных вокальных конкурсах и был приглашён в городской биг-бэнд Дрездена и Молодёжный Джаз-Оркестр земли Саксония. Формальное музыкальное образование он получал последовательно в нескольких заведениях — в Веймаре, а хельсинкской Музыкальной академии имени Сибелиуса, в берлинском Институте Джаза. Закончив образование всего лишь в 2017-м, Лёйтхойзер уже сейчас имеет в своём активе многочисленные гастроли с самыми разными джазовыми и поп-коллективами (старая Еврова, страны бывшего СССР, Турция и даже Эквадор). Ему случалось сопровождать в качестве вокалиста выступления звёзд первой величины — Эрик пел, например, в концертных проектах Куинси Джонса, Джорджа Бенсона, Ди Ди Бриджуотер и Джейкоба Коллиера.

В 2015-м Лёйтхойзер выпустил свою первую работу, диск «In the Land of Oo-Bla-Dee» (MONS Records). Стилистически она была ближе всего к бибопу, а вокальная партия представляла собой вокализ либо исполнялась на немецком. Диск музыканта, ещё не достигшего на тот момент двадцати, был номинирован на крайне престижную премию — Preis Der Deutschen Schallplattenkritik. В мае 2018-го на куда более известном лейбле MPS вышел второй диск Эрика; на спродюсированной американским басистом Грегом Коэном работе с Лёйтхойзером играли ни много ни мало гитарист Курт Розенвинкель и барабанщик Джойи Бэрон.

Молодой артист регулярно брал призы престижных международных конкурсов: он стал первым на Jazz Stage (Рига, 2016), Big Sky (Москва, 2016) и Ella Fitzgerald Vocal Jazz Competition (США, 2018), а также выходил на подиум по результатам Shure Montreux Jazz Voice Competition (Швейцария), Voicingers (Польша), Made in NY Jazz Competition (США). Однако, несмотря на формальную принадлежность к джазу, со временем Лёйтхойзер всё больше отходит от традиционного джаза к его современным экспериментальным формам и даже пробует себя в том, что сам он называет «экспериментальной поп-музыкой». Неудивительно, что меняется и формат его выступлений. Из BuJazzO, национального молодёжного джаз-оркестра Германии, он переходит в вокальный ансамбль Wortart, который специализируется на современной немецкоязычной поэзии. А параллельно с этим — работает в ансамбле Филиппа Румша (группа импровизационно соединяет элементы минимализма, электроники, поп-музыки и классики) и занимается свободной импровизацией в дуэте с латвийской вокалисткой Артой Жекабсоне.

Пресса

  • «… восходящая звезда джазового вокала» («Mannheimer Morgen», Германия)
  • «… совершенно необычный вокальный джазовый альбом, атмосферный, захватывающий, полный воображения и риска. Эрик не похож ни на кого из вокалистов, что мне известны» (James Gavin, США)
  • «… это искусство, полное радости жизни и честное. Его голос прекрасен и свободен, он сам — молод и увлечён, искренен и музыкален» (Sabine Kühlich, Германия)

Опубликовано

04.03.2020, Москва, ДОМ: Erik Leuthäuser (Германия)

 

Эрик Лёйтхойзер (Erik Leuthäuser), вокал, электроника

Там, где «индивидуальная» вокальная музыка превратилась в битбокс, а соединение вокала с электроникой — в однообразную демонстрацию технологических возможностей, молодой вокалист из Берлина Эрик Лёйтхойзер всё ещё использует свой собственный голос. В том значении, которого и ждёшь от артиста: речь не только (и не столько) о характеристиках вокала, но о полноценном авторском видении мира и искусства, о постоянном поиске адекватных новых форм самовыражения, об умении подчинить технологии содержанию, а не наоборот. 

Уроженец Дрездена, Эрик заинтересовался джазом с подачи отца. Начав петь ещё в детском возрасте, подростком он победил в нескольких местных вокальных конкурсах и был приглашён в городской биг-бэнд Дрездена и Молодёжный Джаз-Оркестр земли Саксония. Формальное музыкальное образование он получал последовательно в нескольких заведениях — в Веймаре, а хельсинкской Музыкальной академии имени Сибелиуса, в берлинском Институте Джаза. Закончив образование всего лишь в 2017-м, Лёйтхойзер уже сейчас имеет в своём активе многочисленные гастроли с самыми разными джазовыми и поп-коллективами (старая Еврова, страны бывшего СССР, Турция и даже Эквадор). Ему случалось сопровождать в качестве вокалиста выступления звёзд первой величины — Эрик пел, например, в концертных проектах Куинси Джонса, Джорджа Бенсона, Ди Ди Бриджуотер и Джейкоба Коллиера.

В 2015-м Лёйтхойзер выпустил свою первую работу, диск «In the Land of Oo-Bla-Dee» (MONS Records). Стилистически она была ближе всего к бибопу, а вокальная партия представляла собой вокализ либо исполнялась на немецком. Диск музыканта, ещё не достигшего на тот момент двадцати, был номинирован на крайне престижную премию — Preis Der Deutschen Schallplattenkritik. В мае 2018-го на куда более известном лейбле MPS вышел второй диск Эрика; на спродюсированной американским басистом Грегом Коэном работе с Лёйтхойзером играли ни много ни мало гитарист Курт Розенвинкель и барабанщик Джойи Бэрон.

Молодой артист регулярно брал призы престижных международных конкурсов: он стал первым на Jazz Stage (Рига, 2016), Big Sky (Москва, 2016) и Ella Fitzgerald Vocal Jazz Competition (США, 2018), а также выходил на подиум по результатам Shure Montreux Jazz Voice Competition (Швейцария), Voicingers (Польша), Made in NY Jazz Competition (США). Однако, несмотря на формальную принадлежность к джазу, со временем Лёйтхойзер всё больше отходит от традиционного джаза к его современным экспериментальным формам и даже пробует себя в том, что сам он называет «экспериментальной поп-музыкой». Неудивительно, что меняется и формат его выступлений. Из BuJazzO, национального молодёжного джаз-оркестра Германии, он переходит в вокальный ансамбль Wortart, который специализируется на современной немецкоязычной поэзии. А параллельно с этим — работает в ансамбле Филиппа Румша (группа импровизационно соединяет элементы минимализма, электроники, поп-музыки и классики) и занимается свободной импровизацией в дуэте с латвийской вокалисткой Артой Жекабсоне.

Пресса

  • «… восходящая звезда джазового вокала» («Mannheimer Morgen», Германия)
  • «… совершенно необычный вокальный джазовый альбом, атмосферный, захватывающий, полный воображения и риска. Эрик не похож ни на кого из вокалистов, что мне известны» (James Gavin, США)
  • «… это искусство, полное радости жизни и честное. Его голос прекрасен и свободен, он сам — молод и увлечён, искренен и музыкален» (Sabine Kühlich, Германия)

Опубликовано

02.03.2020, Яхрома, «Camberry»: Erik Leuthäuser (Германия)

 

Эрик Лёйтхойзер (Erik Leuthäuser), вокал, электроника

Там, где «индивидуальная» вокальная музыка превратилась в битбокс, а соединение вокала с электроникой — в однообразную демонстрацию технологических возможностей, молодой вокалист из Берлина Эрик Лёйтхойзер всё ещё использует свой собственный голос. В том значении, которого и ждёшь от артиста: речь не только (и не столько) о характеристиках вокала, но о полноценном авторском видении мира и искусства, о постоянном поиске адекватных новых форм самовыражения, об умении подчинить технологии содержанию, а не наоборот. 

Уроженец Дрездена, Эрик заинтересовался джазом с подачи отца. Начав петь ещё в детском возрасте, подростком он победил в нескольких местных вокальных конкурсах и был приглашён в городской биг-бэнд Дрездена и Молодёжный Джаз-Оркестр земли Саксония. Формальное музыкальное образование он получал последовательно в нескольких заведениях — в Веймаре, а хельсинкской Музыкальной академии имени Сибелиуса, в берлинском Институте Джаза. Закончив образование всего лишь в 2017-м, Лёйтхойзер уже сейчас имеет в своём активе многочисленные гастроли с самыми разными джазовыми и поп-коллективами (старая Еврова, страны бывшего СССР, Турция и даже Эквадор). Ему случалось сопровождать в качестве вокалиста выступления звёзд первой величины — Эрик пел, например, в концертных проектах Куинси Джонса, Джорджа Бенсона, Ди Ди Бриджуотер и Джейкоба Коллиера.

В 2015-м Лёйтхойзер выпустил свою первую работу, диск «In the Land of Oo-Bla-Dee» (MONS Records). Стилистически она была ближе всего к бибопу, а вокальная партия представляла собой вокализ либо исполнялась на немецком. Диск музыканта, ещё не достигшего на тот момент двадцати, был номинирован на крайне престижную премию — Preis Der Deutschen Schallplattenkritik. В мае 2018-го на куда более известном лейбле MPS вышел второй диск Эрика; на спродюсированной американским басистом Грегом Коэном работе с Лёйтхойзером играли ни много ни мало гитарист Курт Розенвинкель и барабанщик Джойи Бэрон.

Молодой артист регулярно брал призы престижных международных конкурсов: он стал первым на Jazz Stage (Рига, 2016), Big Sky (Москва, 2016) и Ella Fitzgerald Vocal Jazz Competition (США, 2018), а также выходил на подиум по результатам Shure Montreux Jazz Voice Competition (Швейцария), Voicingers (Польша), Made in NY Jazz Competition (США). Однако, несмотря на формальную принадлежность к джазу, со временем Лёйтхойзер всё больше отходит от традиционного джаза к его современным экспериментальным формам и даже пробует себя в том, что сам он называет «экспериментальной поп-музыкой». Неудивительно, что меняется и формат его выступлений. Из BuJazzO, национального молодёжного джаз-оркестра Германии, он переходит в вокальный ансамбль Wortart, который специализируется на современной немецкоязычной поэзии. А параллельно с этим — работает в ансамбле Филиппа Румша (группа импровизационно соединяет элементы минимализма, электроники, поп-музыки и классики) и занимается свободной импровизацией в дуэте с латвийской вокалисткой Артой Жекабсоне.

Пресса

  • «… восходящая звезда джазового вокала» («Mannheimer Morgen», Германия)
  • «… совершенно необычный вокальный джазовый альбом, атмосферный, захватывающий, полный воображения и риска. Эрик не похож ни на кого из вокалистов, что мне известны» (James Gavin, США)
  • «… это искусство, полное радости жизни и честное. Его голос прекрасен и свободен, он сам — молод и увлечён, искренен и музыкален» (Sabine Kühlich, Германия)

Опубликовано

03.03.2020, Дубна, «Архитеатр Media Lounge»: Erik Leuthäuser (Германия)

 

Эрик Лёйтхойзер (Erik Leuthäuser), вокал, электроника

Там, где «индивидуальная» вокальная музыка превратилась в битбокс, а соединение вокала с электроникой — в однообразную демонстрацию технологических возможностей, молодой вокалист из Берлина Эрик Лёйтхойзер всё ещё использует свой собственный голос. В том значении, которого и ждёшь от артиста: речь не только (и не столько) о характеристиках вокала, но о полноценном авторском видении мира и искусства, о постоянном поиске адекватных новых форм самовыражения, об умении подчинить технологии содержанию, а не наоборот. 

Уроженец Дрездена, Эрик заинтересовался джазом с подачи отца. Начав петь ещё в детском возрасте, подростком он победил в нескольких местных вокальных конкурсах и был приглашён в городской биг-бэнд Дрездена и Молодёжный Джаз-Оркестр земли Саксония. Формальное музыкальное образование он получал последовательно в нескольких заведениях — в Веймаре, а хельсинкской Музыкальной академии имени Сибелиуса, в берлинском Институте Джаза. Закончив образование всего лишь в 2017-м, Лёйтхойзер уже сейчас имеет в своём активе многочисленные гастроли с самыми разными джазовыми и поп-коллективами (старая Еврова, страны бывшего СССР, Турция и даже Эквадор). Ему случалось сопровождать в качестве вокалиста выступления звёзд первой величины — Эрик пел, например, в концертных проектах Куинси Джонса, Джорджа Бенсона, Ди Ди Бриджуотер и Джейкоба Коллиера.

В 2015-м Лёйтхойзер выпустил свою первую работу, диск «In the Land of Oo-Bla-Dee» (MONS Records). Стилистически она была ближе всего к бибопу, а вокальная партия представляла собой вокализ либо исполнялась на немецком. Диск музыканта, ещё не достигшего на тот момент двадцати, был номинирован на крайне престижную премию — Preis Der Deutschen Schallplattenkritik. В мае 2018-го на куда более известном лейбле MPS вышел второй диск Эрика; на спродюсированной американским басистом Грегом Коэном работе с Лёйтхойзером играли ни много ни мало гитарист Курт Розенвинкель и барабанщик Джойи Бэрон.

Молодой артист регулярно брал призы престижных международных конкурсов: он стал первым на Jazz Stage (Рига, 2016), Big Sky (Москва, 2016) и Ella Fitzgerald Vocal Jazz Competition (США, 2018), а также выходил на подиум по результатам Shure Montreux Jazz Voice Competition (Швейцария), Voicingers (Польша), Made in NY Jazz Competition (США). Однако, несмотря на формальную принадлежность к джазу, со временем Лёйтхойзер всё больше отходит от традиционного джаза к его современным экспериментальным формам и даже пробует себя в том, что сам он называет «экспериментальной поп-музыкой». Неудивительно, что меняется и формат его выступлений. Из BuJazzO, национального молодёжного джаз-оркестра Германии, он переходит в вокальный ансамбль Wortart, который специализируется на современной немецкоязычной поэзии. А параллельно с этим — работает в ансамбле Филиппа Румша (группа импровизационно соединяет элементы минимализма, электроники, поп-музыки и классики) и занимается свободной импровизацией в дуэте с латвийской вокалисткой Артой Жекабсоне.

Пресса

  • «… восходящая звезда джазового вокала» («Mannheimer Morgen», Германия)
  • «… совершенно необычный вокальный джазовый альбом, атмосферный, захватывающий, полный воображения и риска. Эрик не похож ни на кого из вокалистов, что мне известны» (James Gavin, США)
  • «… это искусство, полное радости жизни и честное. Его голос прекрасен и свободен, он сам — молод и увлечён, искренен и музыкален» (Sabine Kühlich, Германия)

Опубликовано

10.03.2020, Егорьевск, «Ротор»: Erik Leuthäuser (Германия)

 

Эрик Лёйтхойзер (Erik Leuthäuser), вокал, электроника

Там, где «индивидуальная» вокальная музыка превратилась в битбокс, а соединение вокала с электроникой — в однообразную демонстрацию технологических возможностей, молодой вокалист из Берлина Эрик Лёйтхойзер всё ещё использует свой собственный голос. В том значении, которого и ждёшь от артиста: речь не только (и не столько) о характеристиках вокала, но о полноценном авторском видении мира и искусства, о постоянном поиске адекватных новых форм самовыражения, об умении подчинить технологии содержанию, а не наоборот. 

Уроженец Дрездена, Эрик заинтересовался джазом с подачи отца. Начав петь ещё в детском возрасте, подростком он победил в нескольких местных вокальных конкурсах и был приглашён в городской биг-бэнд Дрездена и Молодёжный Джаз-Оркестр земли Саксония. Формальное музыкальное образование он получал последовательно в нескольких заведениях — в Веймаре, а хельсинкской Музыкальной академии имени Сибелиуса, в берлинском Институте Джаза. Закончив образование всего лишь в 2017-м, Лёйтхойзер уже сейчас имеет в своём активе многочисленные гастроли с самыми разными джазовыми и поп-коллективами (старая Еврова, страны бывшего СССР, Турция и даже Эквадор). Ему случалось сопровождать в качестве вокалиста выступления звёзд первой величины — Эрик пел, например, в концертных проектах Куинси Джонса, Джорджа Бенсона, Ди Ди Бриджуотер и Джейкоба Коллиера.

В 2015-м Лёйтхойзер выпустил свою первую работу, диск «In the Land of Oo-Bla-Dee» (MONS Records). Стилистически она была ближе всего к бибопу, а вокальная партия представляла собой вокализ либо исполнялась на немецком. Диск музыканта, ещё не достигшего на тот момент двадцати, был номинирован на крайне престижную премию — Preis Der Deutschen Schallplattenkritik. В мае 2018-го на куда более известном лейбле MPS вышел второй диск Эрика; на спродюсированной американским басистом Грегом Коэном работе с Лёйтхойзером играли ни много ни мало гитарист Курт Розенвинкель и барабанщик Джойи Бэрон.

Молодой артист регулярно брал призы престижных международных конкурсов: он стал первым на Jazz Stage (Рига, 2016), Big Sky (Москва, 2016) и Ella Fitzgerald Vocal Jazz Competition (США, 2018), а также выходил на подиум по результатам Shure Montreux Jazz Voice Competition (Швейцария), Voicingers (Польша), Made in NY Jazz Competition (США). Однако, несмотря на формальную принадлежность к джазу, со временем Лёйтхойзер всё больше отходит от традиционного джаза к его современным экспериментальным формам и даже пробует себя в том, что сам он называет «экспериментальной поп-музыкой». Неудивительно, что меняется и формат его выступлений. Из BuJazzO, национального молодёжного джаз-оркестра Германии, он переходит в вокальный ансамбль Wortart, который специализируется на современной немецкоязычной поэзии. А параллельно с этим — работает в ансамбле Филиппа Румша (группа импровизационно соединяет элементы минимализма, электроники, поп-музыки и классики) и занимается свободной импровизацией в дуэте с латвийской вокалисткой Артой Жекабсоне.

Пресса

  • «… восходящая звезда джазового вокала» («Mannheimer Morgen», Германия)
  • «… совершенно необычный вокальный джазовый альбом, атмосферный, захватывающий, полный воображения и риска. Эрик не похож ни на кого из вокалистов, что мне известны» (James Gavin, США)
  • «… это искусство, полное радости жизни и честное. Его голос прекрасен и свободен, он сам — молод и увлечён, искренен и музыкален» (Sabine Kühlich, Германия)

Опубликовано

Albatrosh (Норвегия)

Эйольф Дале (Eyolf Dale), фортепиано
Андре Ролигетен (André Roligheten), саксофоны, флейты

«Альбатрош» ничего общего с альбатросом не имеет. Как говорят сами музыканты дуэта, «это весьма редкое существо с двумя головами и впечатляющим размахом крыльев; оно оптимально использует ветер и имеет выдающуюся дальность полёта благодаря своему динамичному и эффективному стилю; оно не боится других существ и с удовольствием пригласит вас в своё собственное гнездо». И, разумеется, это всё ещё об импровизационной музыке.

Дуэт Эйольфа Дале и Андре Ролигетена сложился в их родном норвежском городке под названием Шиен, когда музыкантам едва перевалило за двадцать. Уже к этому возрасту их имена были известны: Эйольф и Андре считались весьма многообещающими импровизаторами, представителями подрастающей элиты европейской новой музыки. Несмотря на выстроенную каждым из них впоследствии личную карьеру (а играли они очень и очень во многих составах), именно с Albatrosh, формально основанным в 2006-м, музыканты добились своих первых громких успехов, выступили на огромном количестве именитых фестивалей, среди которых London Jazz Fest, North Sea и необычный, но оттого ещё более привлекательный 12 Points в Дублине. У группы на счету уже пять (!) альбомов, последний из которых, «Night Owl», был выпущен известнейшим лейблом Rune Grammofon.

Для музыки дуэта характерно бескомпромиссная взаимная интеграция того, что многие современные музыканты уже искренне считают несовместимым — строгой и осмысленной композиции и свободной импровизации, встроенной в выписанные пьесы, что называется, «без швов». Уже более чем десятилетний опыт совместной работы позволяет музыкантам не терять друг друга и не упускать контроль над полуспонтанным произведением даже в те моменты, когда один из них впадает в процессе исполнения в крайность (причём крайностью может оказаться и уход в полную абстракцию, и беззастенчивый романтизм и стремление к «обычной» красоте в музыке). Некоторые из критиков, описывая их звучание и взаимодействие, употребляют ни что иное, как термин «смузи»: именно так максимально детализированный, чёткий, осмысленный и кристально ясный звук смешан здесь с открытой и ничем не ограниченной экспрессией.

Уже в 2008-м коллектив начал постоянно попадать в разнообразные «списки лучших», получать призы, звания и именные стипендии. Только в этом 2008 году Ролигетен получил специальный приз как солист на конкурсе «Young Nordic Jazz Comets» в Копенгагене, сам дуэт на том же конкурсе дошёл до финала, а Норвежская джазовая ассоциация назвала их «Молодыми музыкантами года». На счету Albatrosh специальная «Джазовая стипендия», присуждаемая джазовым фестивалем в Мольде в сотрудничестве с организациями-спонсорами и национальными джазовыми сообществами. А в 2009-м на всеевропейском конкурсе в рамках North Sea музыканты были названы «лучшим коллективом»; комментируя это решение, известнейшая композитор и бэндлидер Мария Шнайдер сказала о «великолепном взаимодействии, потрясающей импровизации, эффектных и полных цвета композициях». Нужно ли ещё что-то добавлять?

На суммарном счету двух норвежцев, каждому из которых сегодня едва за тридцать, более пятидесяти (!) альбомов, записанных в том числе с такими именитыми норвежскими составами и музыкантами, как Trondheim Jazz Orchestra, Team Hegdal, органист Стале Сторлёккен, тубист Даниэль Херскедаль. А среди тех, с кем им приходилось работать — ещё более заметные имена уровня Джанго Бейтса, Паала Нильсена-Лова, Бугге Весселтофта, Матиаса Айка.

Отзывы прессы

  • «Оба музыканта — действительно большие импровизаторы» (The Guardian)
  • «Эта их интуитивная химия поднимает альбом на совершенно иной уровень» (New York Times)
  • «Потрясающий пример безупречного взаимодействия. Этот альбом — сенсация (по меньшей мере!), и это касается и композиции, и импровизации, и инструментализма» (Dagbladet)

 


Фото для полиграфии

Параметры возможного тура

  • 2 человека в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются со стороны «МузЭнерго»
  • принимающая сторона предоставляет:
    • акустическое пианино или рояль с возможностью доступа к струнам (часть музыки исполняется с касанием струн рукой пианиста); электронные клавишные инструменты крайне нежелательны и могут с небольшой вероятностью быть согласованы в виде исключения для организаторов, предлагающих финансовые условия выше среднего
    • два инструментальных микрофона для саксофонов и флейты
    • микрофон на стойке на конферанс (на английском, перевод и озвучка перевода на усмотрение принимающей стороны)
    • два монитора и две мониторных линии
    • типовую озвучку
  • работает местный звукорежиссёр
  • программа длительностью от 40 до 70 минут
  • в рекламной кампании должны быть указаны логотипы поддерживающих коллектив организаций
  • агент: Юрий Льноградский, +7-916-511-37-41, lnogradski@gmail.com

Albatrosh + «МузЭнерго»: прошлое

  • ТУР-2018
    • 15 октября — Воронеж, книжный клуб «Петровский»
    • 16 октября 2018 — Дубна, КМЦ «Инициатива»
    • 17 октября — Железногорск, ДМШ им. Мусоргского
    • 18 октября — Красноярск, большой зал КГИИ
    • 19 октября — Санкт-Петербург, JFC
    • 20 октября 2018 — Калининград, «Катарсис»
    • 21 октября 2018 — Москва, клуб Алексея Козлова

Архив избранных афиш

Опубликовано

Thea Soti & Electrified Islands (Германия/Венгрия/Россия)

Теа Соти (Thea Soti), голос, композиция, дирижёр
Тая Чернышова, голос
Маша Корман (Mascha Corman), голос
Ребекка Циглер (Rebekka Ziegler), голос
Леонард Хун (Leonhard Huhn), саксофон
Мориц Весп (Moritz Wesp), тромбон
Элизабет Куду (Elisabeth Coudoux), виолончель
Себастиан Скобель (Sebastian Scobel), клавишные
Стефан Шёнегг (Stefan Schönegg), контрабас
Антони Гремингер (Anthony Greminger), ударные

«Авангардные песни для четырёх голосов и оркестра» — так характеризует свою необычную формацию вокалистка, композитор и дирижёр Теа Соти. Оркестр тоже необычен своим изысканно-неочевидным инструментальным составом. А материал, который исполняется этой группой из Кёльна, столь изощрённо балансирует между стилями и жанрами, что мало кого оставит равнодушным.

Теа Соти — настоящий «гражданин мира» с поправкой на реалии современного музыкального искусства. Страна происхождения — Сербия; родители — венгры; базовое музыкальное образование — фортепиано; первые шаги на сцене — джазовые и эстрадные коллективы (в равной пропорции) в Будапеште и Берлине; специализированное образование (вокал, композиция) — в немецких Ганновере и Кёльне и в швейцарском Люцерне. Её сегодняшние интересы лежат преимущественно в области создания сложных и спонтанных музыкальных полотен. Рассматривая человеческий голос как равноправный и универсальный музыкальный инструмент, она включает его в самые неожиданные комбинации (от больших ансамблей до, например, дуэта с барабанами) и предпочитает всем остальным форматам свободную импровизацию или открытые композиции, то есть такую форму подготовленной музыки, развитие которой так или иначе остаётся на совести музыкантов на каждом конкретном концерте. И, безусловно, вокал Соти — это не исполнение фиксированных текстов по заданной мелодии: она постоянно экспериментирует с языками, звуковыми решениями, поэтическими техниками.

Теа ведёт сразу несколько разнотипных проектов, среди которых, например, уже упомянутый дуэт с барабанщиком Анди Шульцем и группа Nanaya, в которой невообразимым образом реализуются в современно-авангардной упаковке мелодии Восточной Европы и ритмы Ближнего Востока. Неудивительно, что при подобной концептуальности она вовлечена и в организаторское сообщество: вместе с Машей Корман (одной из вокалисток приезжающего в Россию проекта Electrified Islands) Теа курирует концертную серию «Stimmungen», которая показывает в Кёльне современных вокалистов-экспериментаторов. Соти активно преподаёт ещё более молодым артистам, стремящимся расширить традиционные представления о вокале, и регулярно привлекает к своим выступлениям местных исполнителей, вводя их в курс дела в рамках буквально часовых сессий.

Что до самого проекта Electrified Islands — это, как формулирует сама Теа, «традиционные песенные структуры, которые разрушаются с помощью звуковых абстракций и которые заново переопределяются через импровизацию, использование электроники и особых техник исполнения на инструментах». Сложно? Разумеется. Просто у Соти не бывает. Но хорошая новость в том, что даже слушателю, не способному из-за незнания языка в полной мере понять всю комплексность её поэзии (звучащей на нескольких языках), всегда предлагается несколько вариантов восприятия. Electried Islands — это не столько коллектив с определённой идеей, сколько само представление, позволяющее следить и за прихотливыми аранжировками, и за свободным взаимодействием музыкантов, и за их эксцентрическим внешним видом, поведением, сценической пластикой. Ну, а если слушатель в состоянии разобраться с вербальной составляющей происходящего — его вниманию предлагается многослойная история о «человеческих островах», воображаемых и только что найденных и посреди житейского моря, и посреди вполне реального озера. Словом, это высококачественное современное искусство, не теряющее связи со слушателем и не превращающееся в эпатаж: любое своё действие музыканты могут объяснить так, что это будет понятно нормальному человеку.


Electrified Islands + «МузЭнерго»: прошлое

  • 1 ноября 2018 — Дубна, КМЦ «Инициатива» (Зал Администрации)
  • 2 ноября 2018 — Москва, КЦ ДОМ
  • 3 ноября 2018 — Ильинский Погост, арт-усадьба «Гуслица»
  • 4 ноября 2018 — Воронеж, книжный клуб «Петровский» (в рамках фестиваля «Джазовая провинция»)
  • 5 ноября 2018 — Тамбов, клуб «Баламут»
  • 6 ноября 2018 — Саратов, Филармония им. Шнитке
  • 7 ноября 2018 — Самара, клуб «Zvezda»
  • 8 ноября 2018 — Ульяновск, ККК «Современник»
  • 9 ноября 2018 — Нижний Новгород, ГЦСИ «Арсенал»
  • 10 ноября 2018 — Иваново, Филармония
  • 11 ноября 2018 — Дмитров, клуб «Котёл»

Параметры возможного тура:

  • 12-14 человек в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются со стороны «МузЭнерго»
  • принимающая сторона выполняет технический райдер, не представляющий сложностей по спецификациям заявленного оборудования, но тем не менее позволяющий озвучить коллектив численностью 10 человек
  • работает собственный звукорежиссёр коллектива
  • программа длительностью 60-70 минут
  • в рекламной кампании коллектив позиционируется как «Thea Soti — Electrified Islands» 
  • в рекламной кампании обязательно указываются логотипы спонсирующих организаций:
  • Агент: Юрий Льноградский, +7-916-511-37-41, lnogradski@gmail.com

Архив избранных афиш

Опубликовано

Хоркестр (Россия/Италия)

Вокал: Джулия Аморетти (Giulia Amoretti), Анастасия Голобородько, Александра Забродская, Александр Зубков, Николай Карцев, Самвел Косик, Роман Кузнецов, Анна Лошкарёва, Дмитрий Мазанский, Вячеслав Максаков, Варвара Михайлова, Александра Никитина, Алиса Попова, Константин Прозоров, Анна Романова, Майкл Руджери (Michael Ruggeri), Виолета Сиропова, Александр Циплянов, Александр Шанин, Карина Шанина
Бит-бокс: Кирилл Милорадовский, Данила Сошников
Концертная звукорежиссура: Ксения Карцева
Администрация: Виктор Андреев, Юрий Льноградский
Хормейстер и дирижёр: Константин Михайлов

«Хоркестр» — авторский проект ООО «Отдел культуры», выступавшего в 2018-2019 гг. юридическим лицом «МузЭнерго». В настоящий момент деятельность коллектива прекращена, а отдельные попытки его выступлений — частная инициатива участников, не авторизованная компанией, обладающей правами на исполняемые аранжировки.

Настоящие хиты рока, популярной музыки, рэпа, инди уже давно стали называть классикой. Потому что они действительно стали классикой, и к ним, казалось бы, теперь ни убавить, ни прибавить. Однако даже в необозримом многообразии сегодняшнего музыкального креатива остаётся то, что всегда ценилось и всегда будет цениться: настоящая и искренняя оригинальность собственного, авторского подхода к музыке. Та, при которой знакомый всем до ноты хит обретает действительно новое и самоценное звучание. Та, при которой не жалеешь об отсутствии на сцене «настоящего» исполнителя (многие из которых давно в мире ином и на сцену всё равно больше не выйдут), а по-настоящему получаешь удовольствие от того, кто есть на сцене сейчас.

«Хоркестр» — это тот самый новый взгляд на музыку в целом, на вокал, на хоровое пение и на жанровые особенности. Музыканты «Хоркестра» — это профессионалы с очень разным (и порой неожиданным) творческим прошлым и настоящим, каждый из них личность, меломан в полном смысле слова. Оказавшись вместе, эти личности превращаются в нечто уникальное – в коллектив, который видит принципиально по-новому полярную музыку, которую его участники знают и любят в «каноническом» виде. Майкл Джексон и «Red Hot Chili Peppers», «A-Ha» и «Scooter», Леди Гага и «Queen», Тина Тёрнер и Адель. Что тут может быть общего? Только одно, как ни странно это прозвучит: любовь. Любовь ко всей этой музыке – как и любая любовь, иррациональная, необъяснимая, искренняя, щедрая, открытая. «Хоркестр» создавался для чего-то особенного, чего-то уникального по своей сути. «Хоркестр» далёк не только от чистого подражательства, но и от стандартных академических рецептов. Аранжировки для хора созданы специалистами, умеющими удовлетворить запросы очень разной аудитории: они работали и для репертуарных популярных хоров эстрадного толка, и для филармонических камерных коллективов, и для авангардных опер, и для крупных мюзиклов и шоу. В своей программе а капелла «Хоркестр» объединяет хоровое искусство и популярную музыку, добавляя в неё современные ритмы битбокса. Вы услышите то, что любили годами — и услышите это с новой стороны. Мы уверены, вам это понравится.

«Хоркестру» есть чем удивить тех, кому на концертах всё ещё хочется удивляться. И «Хоркестру» есть что сказать тем, кто соскучился по тому же Майклу Джексону, но не хочет разочароваться неубедительными подражателями. Вернее, «Хоркестру» есть что спеть. Хоркестр – это уникальный проект, который открывает новую страницу хорового искусства России.

Хоркестр и «МузЭнерго»: прошлое

  • 9 декабря 2018 — Обнинск, Дом Учёных
  • 23 ноября 2018 — Жуковский, Дворец культуры
  • 4 ноября 2018 — Дубна, ДК «Октябрь»
  • 4 октября 2018 — Реутов, ДК «Мир»
  • 29 августа 2018 —  Москва, Посольство США
Опубликовано

Max Petersen Trio (Германия/Швейцария)

Макс Петерсен (Max Petersen), фортепиано
Кола Лежде (Kolja Legde), контрабас
Фабиан Арендс (Fabian Arends), ударные

Авторский современный джаз от стремительно прогрессирующего молодого пианиста, начинавшего в классической музыке. Тот случай, когда не имеет смысла описывать материал текстом: нужно слушать.

Вхождения Макса Петерсена в музыку необычно во многих аспектах. Родившийся в австралийском Сиднее, он начал учиться музыке уже в трёхлетнем возрасте по методу великого японца Синити Судзуки, считавшего, что начать играть на инструменте для ребёнка не сложнее, чем начать разговаривать. Вскоре после этого семья Петерсенов перебралась в Германию, где Макс стал учиться формально, по общепринятой схеме. К тринадцатилетнему возрасту он уже играл в ансамблях с местными музыкантами, почти сразу начал писать собственную музыку, а в пятнадцать определился с музыкой как главным делом в жизни. Начав со специальной программы в высшей школе швейцарского Кройцлингена (города, граничащего с его немецким Констанцем), он параллельно брал уроки фортепиано в консерватории Цюриха и в итоге был принят туда на полный курс по специальности «Джаз» всего-навсего в семнадцатилетнем возрасте.

Интерес к академической музыке, однако, у молодого музыканта не пропал: уже в 2013-м его большое сочинение под названием «Fantasie» было исполнено оркестром его бывшей школы. А сразу после этого Петерсен взял ещё одну образовательную высоту, отправившись в Нью-Йорк, в знаменитую Манхэттенскую Школу Музыки, где в 2013-2014 годах его преподавателями были великие: Виджей Айер, Джим МакНили, Донни Маккаслин. Базируясь в США, Петерсен основал своё первое трио в качестве лидера — в состав вошли его швейцарский компатриот контрабасист Лукас Траксель и нью-йоркский барабанщик Джимми МакБрайд; этот коллектив регулярно выступал в Швейцарии и Германии.

Вернувшись в Швейцарию в 2015-м, Петерсен продолжил изучение классического фортепиано с очередным именитым учителем — на сей раз им занимался знаменитый концертирующий пианист Ганс-Юрг Штрюб. Петерсен начал выпускать сольные альбомы, получавшие хорошую прессу и становившиеся заметными как минимум на европейском уровне. В 2017-м Макс дошёл до полуфинала в знаменитом конкурсе пианистов в Монтрё. Среди тех, с кем он концертировался и записывался в последние годы, немало громких имён из Старого и Нового Света — Эрик Харленд, Николь Йоханнтген, Рудреш Махантхаппа.

В том же 2017-м Петерсен запустил проект «Solo Piano Mixtape» — регулярные короткие релизы сольной фортепианной музыки, выходившие в весьма оригинальном формате (онлайн и, несколько внезапно, плёночные компакт-кассеты). Не менее оригинальным стал и выбор материала, где его авторские пьесы соседствовали с классическими джазовыми стандартами («Stardust» Хоаги Кармайкла), радикальным левацким джазом («Peace On You» Мухаля Ричарда Абрамса) и аранжировками тем из «Орфея и Эвридики» Глюка. Иными словами, если даже в концерте Петерсена будет звучать «обычный» джаз, можно быть уверенным, что его авторское прочтение будет куда более вдумчивым и неочевидным, чем это характерно для среднестатистического джазового трио. Однако выпущенный в начале 2019-го года альбом «Divine Traces», программа которого будет показана в российском туре трио, полностью состоит из авторских пьес, так что ждать от выступлений Петерсена стоит не эксперимента над стандартами, а демонстрации всей широты интересов и знаний композитора и лидера.

Пресса

  • «… этот альбом уникален в истории фортепианных трио» (Frankfurter Allgemeine Zeitung, Германия)
  • «… это трио грамотно и качественно работает со всеми аспектами свинга, бибопа, балладного джаза… Сколько бы они ни продержались в будущем, от них наверняка можно ждать ещё очень и очень многого. Высшая лига джазовой музыки!» (Concerto, Австрия)

Max Petersen Trio + «МузЭнерго»: будущее

  • Тур 2020 года переносится на 10-19 апреля 2021 года в связи с коронавирусными ограничениями. Представленные ниже данные по туру-2020 неактуальны
    • 24 октября 2020, сб — дата свободна (обсуждается участие в фестивале «Джазовая провинция» в Воронеже)
    • 25 октября 2020, вс — дата свободна (обсуждается участие в фестивале «Джазовая провинция» в Воронеже)
    • 26 октября 2020, пн — Долгопрудный, зал МФТИ
    • 27 октября 2020, вт — Пермь (зал будет объявлен дополнительно)
    • 28 октября 2020, ср — Екатеринбург, Ельцин Центр
    • 29 октября 2020, чт — Ижевск
    • 30 октября 2020, пт — Москва, клуб Игоря Бутмана
    • 31 октября 2020, сб — Дубна, ДК «Мир»
    • 1 ноября 2020, вс — Санкт-Петербург, JFC
  • даты к реальной проработке:
    • 10 апреля 2021, сб — дата свободна для городов, допускающих прилёт из Европы в день концерта
    • 11 апреля 2021, вс — дата свободна
    • 12 апреля 2021, пн — дата свободна
    • 13 апреля 2021, вт — дата свободна
    • 14 апреля 2021, ср — дата свободна
    • 15 апреля 2021, чт — дата свободна
    • 16 апреля 2021, пт — дата свободна
    • 17 апреля 2021, сб — дата свободна
    • 18 апреля 2021, вс — дата свободна
    • 19 апреля 2021 — международный перелёт за пределы России

Фото для полиграфии


Параметры возможного тура

  • 3 человека в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы обеспечиваются со стороны «МузЭнерго»
  • принимающая сторона обеспечивает технический райдер (в процессе детального уточнения), включающий:
    • ударную установку в стандартной комплектации
    • акустическое фортепиано (в исключительных случаях и строго по согласованию может обсуждаться качественный электронный инструмент)
    • контрабас и басовый комбо-усилитель
    • соответствующую коммутацию
    • три монитора, три мониторные линии
    • портальный звук
  • работает местный звукорежиссёр
  • программа длительностью от 60 до 90 минут
  • принимающая сторона в обязательном порядке указывает на афишах и в макетах логотипы спонсирующих коллектив организаций (список уточняется)
  • Агент: Юрий Льноградский, +7-916-511-37-41, lnogradski@gmail.com
Опубликовано

Reto Anneler Quartet (Швейцария)

Рето Аннелер (Reto Anneler), саксофон
Кристоф Граб (Christoph Grab), саксофон
Лукас Траксель (Lukas Traxel), контрабас
Клаудио Штрюби (Claudio Strüby), ударные

В квартете Рето Аннелера собраны музыканты сильной воли с яркими отличительными голосами и универсальным мышлением. Воспитанные в классическом джазе и прекрасно ориентирующиеся в джазе современном, здесь они ведут интеллектуальный диалог на уровне, достойном иной научной конференции. Временами этот диалог превращается в яростный спор, временами результируется в умиротворённом консенсусе; и так или иначе, он основан на чётком понимании композиторской идеи и детальном плане того, что с этой идеей делать именно коллективу.

Лидер группы, которую называют то просто «квартетом Аннелера», то Stille Post — саксофонист, флейтист, кларнетист Рето Аннелер, пишущий собственную музыку и аранжирующий в разных составах и свою, и чужую. Джазовое образование он получил в консерваториях Люцерна и Амстердама, где среди его наставников были, например, Нат Су (знаменитый швейцарский саксофонист, тоже тяготеющий к созданию ансамблей без гармонического инструмента) и не нуждающийся в представлениях Курт Розенвинкель. Будучи востребованным сайдменом и специалистом по духовым всех видов, Аннелер является членом различных проектов и у себя в стране, и за рубежом. Среди них стоит отметить, например, джаз-оркестр Цюриха (где Рето играет партию ведущего альт-саксофона), знаменитый тентет Keller’s 10 и прочие большие составы.

У Аннелера достаточно, разумеется, более или менее «обязательных» регалий, свидетельствующих о его признании не только фактом найма на работу, но и на административно-официальном уровне. В 2003-м, например, он получил стипендию Erasmus в Амстердаме. в 2005-м представлял Академию музыки Люцерна на «Международной джазовой встрече» ассоциации джазовых школ в Кракове, в 2010-м получил статус «Pro Argovia Artist» (ежегодную программу поддержки и право представлять швейцарский кантон Аргау). В настоящий момент Аннелер постоянно задействован в семи коллективах (включая проект-посвящение Фрэнку Синатре) и имеет в своей дискографии более десяти альбомов, записанных с его участием начиная с 2005 года. С этими программами он выступил уже в основной массе стран Старой Европы, а с посвящением Синатре добрался до Украины. В России его коллектив будет выступать впервые.

Партнёры Рето в квартете — музыканты довольно разного возраста, что хорошо характеризует его авторитет как лидера собственного состава. Например, второй саксофонист Кристоф Граб старше Аннелера на десятилетие, карьеру сделал уже куда более внушительную (и в Россию приедет уже в третий раз, причём опять с новым ансамблем), однако в этой группе выступает именно вторым голосом, помогая молодому лидеру реализовывать нестандартную идею квартета с двумя одноголосными инструментами без клавишных или гитары.

Показательно полуофициальное название коллектива (лидер использует временами англоязычное Chinese Whispers, то немецкоязычное Stille Post). Это национальные названия популярной во всех странах детской игры, которая на русском называется «испорченный телефончик». В квартете Аннелера ничего испорченного, разумеется, нет: это скорее отсылка к сложности и неочевидности взаимодействия между несколькими персоналиями, каждая из которых готова и рискует говорить за себя.


Фото для полиграфии

Параметры возможного тура

  • 4 человека в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются компанией «Отдел культуры»
  • принимающая сторона предоставляет:
    • профессиональные качественные ударные в стандартной комплектации , включая педаль, малый барабан, 3 стройки для ударных, стул с регулируемой высотой, ковёр
    • контрабас, басовый комбо-усилитель
    • два микрофона на стойках для озвучки духовых
    • микрофон на конферанс и, по собственному разумению, микрофон для переводчика (с английского или немецкого)
    • типовую озвучку перечисленного
    • мониторную систему сообразно залу на четверых музыкантов (в идеале — 4 мониторные линии)
    • работает местный звукорежиссёр
    • программа длительностью от 60 до 90 минут
  • в рекламной кампании должны быть указаны логотипы спонсирующих организаций
  • Агент: Юрий Льноградский, +7-916-511-37-41

Reto Anneler Quartet + «МузЭнерго»: прошлое

 

  • ТУР-2018
    • 10 ноября — Санкт-Петербург, JFC
    • 12 ноября — Нижний Новгород, «Никитин»
    • 13 ноября — Москва, клуб Игоря Бутмана
    • 14 ноября — Калининград, арт-клуб «Маэстро»
    • 15 ноября — Москва, ЕКЦ на Никитской
    • 16 ноября — Воронеж, книжный клуб «Петровский»
    • 17 ноября — Владимирская область, АТК «Богдарня»
    • 18 ноября — Москва, клуб Алексея Козлова

Архив избранных афиш

 

Опубликовано

Woody Black 4 (Австрия)

Даниэль Мозер (Daniel Moser), бас-кларнет
Леоннард Скорупа (Leonhard Skorupa), бас-кларнет
Штефан Дикбауэр (Stephan Dickbauer), кларнет
Оскар Антоли (Oscar Antoli), кларнет, бас-кларнет

Импровизирующий квартет из четырёх кларнетов? Наверное, дальше можно просто не продолжать: если это получилось сделать, если это было сделано не ради однократной записи или показа специальной программы и если это продолжает существовать — значит, это однозначно не простое нахальство фанатов своего инструмента, а действительно стоящая внимания реализация действительно стоящей идеи.

Woody Black 4 задумывался четырьмя студентами Венского университета музыки и исполнительских искусств, разумеется, как нечто экспериментальное. Однако сразу же стало понятно, что важна не столько импровизационно-джазовая основа проекта. Ключевым моментом оказалась вовлечённость участников коллектива в самую разнообразную музыку, от коммерчески-эстрадной до радикально-академической. Джазовое начало позволяло бы солисту импровизировать на фоне более или менее выверенной аранжировки, отрабатываемой остальными участниками, но отказаться от такой аранжировки было бы практически невозможно, а неизбежное повторение конкретных решений рано или поздно наскучило бы. И на помощь пришла именно универсальность музыкантов, их готовность и к свободному совместному поиску, и к адаптации тех правил, по которым строится, например, корневая народная музыка с её специфическим ведением многоголосья. Сегодняшний квартет — это далеко не прямолинейное разложение четырёх близких голосов на условное соло, создающие гармонию второй голос, бас и имитацию перкуссии. Базирующимся в Вене музыкантам удалось найти именно равноправное решение, в котором каждый из голосов и самоценен, и способен на исполнение любых отдельно выделенных функций, и независим, когда этого требует художественная задача.

Джаз? Не совсем. Четверо кларнетистов (два австрийца, испанец и итальянец) называют свою музыку «движением к джазу». Они играют почти исключительно авторскую музыку (хотя могут и показать аранжировки джазовых стандартов). Для них важно сохранение тёплого «деревянного» звучания как основной характеристики ансамблевого звука, но они могут позволить себе (да и позволяют) регулярные экскурсы в осознанные диссонансы и то, что проще всего для краткости назвать «авангардом». И это работает! У коллектива на счету два альбома («Woody Black Four» 2013-го года и «Curiosity», 2017), выступления по всему миру (включая, например, Японию) и прекрасные отзывы прессы. Характеризуя вручение им отдельного приза на New York Jazz Competition, именитый Майк Стерн высказался исчерпывающе: «фантастическая группа, действительно свежая и особая».


Woody Black 4 и «МузЭнерго»: прошлое

Архив избранных афиш

Опубликовано

Ester Poly (Швейцария)

Мартина Бертер (Martina Berther), бас-гитара, голос
Беатрис Граф (Béatrice Graf), ударные, голос

«Две женщины, два поколения, два инструмента»: так описывают швейцарский дуэт клубные промоутеры, склонные к броским и коротким фразам. Однако надо бы добавить главное: два ума и два сердца, работающие в удивительном согласии и унисоне, когда нужно нащупать новые, ещё не взломанные границы в громком, эпатирующем, радикальном джаз-панке.

Бесполезно всерьёз определять жанр, в котором работает ансамбль, совершенно неожиданный и внешне, и гендерно, и инструментально, и даже географически (Цюрих и Женева — не самая очевидная комбинация). Рождающиеся термины свидетельствуют разве что о музыковедческом тупике: «психоделический экспериментальный панк», «свободная импровизационная шумовая музыка», «радикальное панк-шоу с элементами джаза» и всё прочее не вызывают ни понимания, ни доверия. Но удивительным образом понимание и доверие вызывает сама по себе сложившаяся формация. Басистке Мартине Бертер слегка за тридцать, и она хорошо известна по швейцарским коллективам из восточной (немецкоязычной) Швейцарии, исполняющим сложную джазовую музыку, инди-рок и даже рэп. Барабанщица Беатрис Граф на двадцать лет старше, живёт во франкоязычной Женеве и ездит по всему миру с проектами преимущественно авангардно-радикального толка. А то, что они делают вместе, лучше всего характеризуется отношением со стороны коллег-мужчин, чьи концептуальные поиски кажутся порой куда более наивными: многие именитые швейцарцы с большими именами, услышав название Ester Poly, просто молча и уважительно качают головой, не в силах описать своё мнение конкретнее. «They’re good» («они хороши») — вот слова, которые приходится слышать чаще всего.

По словам Мартины, изначально дуэт занимался практически свободной импровизацией, но общность взглядов на жизнь и желание чем-то отличаться от массы других «чистых» экспериментаторов привели их к, как ни странно, песенной форме. Песни эти рождаются именно из импровизаций в студии и постепенно обретают слова. Основная направленность текстов Ester Poly — ожидаемо феминистская и политическая (впрочем, от панка в исполнении женщин ожидать чего-то ещё было бы странно). И это странное совмещение поиска и очевидности приводит к тому, что коллектив остаётся интересен аудитории из обоих лагерей — чопорно-интеллектуального новоджазового и раскованно-свободного рокерского. Беатрис очень точно характеризует этот феномен: «Для стандартов поп-музыки или рок-музыки мы, безусловно, группа экспериментальная. Но на экспериментальной сцене — мы практически поп-музыка». Ну, а что касается текстов — вряд ли есть смысл всерьёз объяснять, что такое феминизм, выражаемый в современной и бескомпромиссной форме. Скорее надо задуматься о том, что в благополучной Европе, на наш субъективный взгляд, с правами женщин и с их ролью в обществе всё нормально. Однако Ester Poly считают, что это совершенно не так. И тем жёстче столкновение российского слушателя с реальностью, которую они отображают в своей музыке.

Фото для полиграфии


Ester Poly + «МузЭнерго»: прошлое

  • ТУР 2018 ГОДА
    • 11 декабря — Зеленоград, «Кинематограф»
    • 12 декабря — Петрозаводск, «Убежище №1»
    • 13 декабря — Санкт-Петербург, «Ионотека»
    • 14 декабря — Калининград, арт-пространство «Ворота»
    • 15 декабря — Москва, «Вермель»

Архив избранных афиш

Опубликовано

Les Poissons Voyageurs (Франция)

Джин Расселл (Jean Russell), гитара, голос
Лоран Охайон (Lauren Ohayon)
, контрабас
Колин Эллуаз (Coline Ellouz), кларнет

Жюль Фромонтель (Jules Fromonteil), кларнет
Робен Мора Нарди (Robin Mora Nardi), баритон-саксофон
(только в июльской части тура) + Колин Риго (Coline Rigot), скрипка, голос

Основанный в 2008 году французами и канадцами коллектив, название которого переводится как «Рыбы-путешественники», выбрал своей целью путешествие по всему миру в собственном микроавтобусе с хорошей авторской музыкой — развлекательным танцевальным джазом, театрализованными уличными представлениями, музыкальной клоунадой и так далее.  И с 2008-го путешествие не прекращается.

Иногда путешествие само диктует новые задачи и побуждает к новым решениям. За более чем десять лет существования Les Poissons Voyageurs трансформировались так, как может трансформироваться только странствующий музыкальный коллектив. Через состав прошло почти два десятка музыкантов: в основном составе играли граждане Франции, Канады, Греции, Бразилии, Грузии и США, а в качестве специальных гостей в разное время присоединялись русские виртуозы-балалаечники, цыганские скрипачи и мастера клезмер-кларнета. Сыграно более тысячи концертов (то есть в среднем — один концерт раз в три дня!), покорены невообразимо разные сцены в 35 странах: «Рыбы» играли на цыганский свадьбах в украинском Харькове, в джунглях Новой Каледонии, на крупных джазовых фестивалях, на улицах крохотных городков в Перу. Микроавтобус группы проехал за это время более полумиллиона километров (!).

Музыка, которую для краткости всё ещё пытаются называть «джазом», разнообразна без всяких ограничений: типичное американское кантри, «балканский блюз», цыганский и еврейский праздничный (да и похоронный тоже) репертуар, восточно-европейские неровные танцевальные размеры, адаптированные духовные негритянские песнопения, традиционная стилистика Мексики, Франции, Индии. Жадно впитывая любую музыку, с которой приходится встречаться музыкантам, они делают её частью своего собственного шоу, давно превратившись в настоящих «граждан мира» и без сомнения и стеснения вовлекая в свои выступления аудиторию, которой случилось оказаться рядом. Именно с этой целью изрядную долю концертов Les Poissons Voyageurs по-прежнему составляют не появления на фестивальных сценах, а почти спонтанные выходы на улицы, площади, вокзалы и так далее. Коллектив возит с собой в микроавтобусе необходимый минимум аппаратуры, с помощью которой всегда готов развернуться там, где к нему есть интерес.

Сегодня группа предлагает три разных шоу. Базовое называется просто и прямолинейно — «Концерт» (пояснения тут не нужны). Два других показываются на французском языке: «Si Capitan!» и «Le Conte Djoha» — это, соответственно, музыкальное шоу с большой долей клоунады и сопровождаемый музыкой спектакль, в котором больше текста и поэзии, чем виртуозных инструментальных соло. В любом случае для «рыб» обязательными остаётся юмор и импровизация, постоянная вовлечённость аудитории в музыку и музыкантов — в приём аудитории, интерактивное обыгрывание любой необычной реакции.

Привыкнув к жизни в тесной общине, музыканты называют свой стиль существования и творчества простым и выразительным термином «пинг-понг». «Пинг» — это рождение новой идеи, шутки, мелодии в чьей-то голове. «Понг» — это немедленное её отражение от другой индивидуальности в коллективе, поскольку в такой тесноте просто нет возможности потеряться и уйти во внешней мир. Пинг-понг, пинг-понг — и готова новая пьеса, новое стихотворение, новая режиссура для вечернего спектакля. Это же характерно и для самих выступлений: что бы ни происходило с аудиторией, Les Poissons Voyageurs сразу вытаскивают происходящее на передний план, развивают любую позитивную мелочь до большого безумия. Если зритель в первом ряду просто начнёт отстукивать ногой ритм — будьте уверены, что в конце музыканты заставят всю толпу танцевать по специальным правилам, которые будут созданы тут же и показаны прямо со сцены.

Российский тур 2020 года — часть очередного длительного путешествия, в ходе которого коллектив отправится из французского Бреста в Японию — через Венгрию, Румынию, Украину, Россию, Монголию и так далее. Музыканты не исключают и того, что придётся возвращаться примерно тем же путём — хотя, возможно, судьба занесёт их в азиатские республики бывшего СССР и проведёт южнее. Путь — это импровизация.


Les Poissons Voyageurs + «МузЭнерго»

Первый в истории российский тур коллектива был официально отменён в апреле 2020 года из-за всемирной пандемии коронавируса и распоряжения Правительства РФ, запрещающего на период проведения тура въезд иностранных граждан на территорию России.

  • Состояние тура 2020 года на момент отмены:
    • 6 июня 2020, сб — Воронеж, книжный клуб «Петровский»
    • 7 июня 2020, вс — Тула, «Типография»
    • 9 июня 2020, вт — Москва, клуб Алексея Козлова
    • 10 июня 2020, ср — Егорьевск, «Ротор»
    • 14 июня 2020, вс — Крутово (Владимирская область), АТК «Богдарня»
    • 16 июня 2020, вт — Казань, «Смена»
    • 19 июня 2020, пт — Сатка, международный фестиваль
    • 20 июня 2020, сб — Екатеринбург, фестиваль «EverJazz»
    • 21 июня 2020, вс — Ижевск, фестиваль «Открытый город»
    • 26 июня 2020, пт — обсуждается участие в Ural Music Night (Екатеринбург)
    • 29 июня 2020, пн — Барнаул, Филармония (финализация переговоров)
    • 30 июня 2020, вт — Новосибирск, клуб «Бродячая собака»
    • 1 июля 2020, ср — Кемерово, Филармония
    • 2 июля 2020, чт — Красноярск (площадка будет объявлена дополнительно)
    • 3 июля 2020, пт — Красноярск, КГИИ (малый зал)
    • 4 июля 2020, сб — Ангарск, «Beerloga»
    • 5 июля 2020, вс — Иркутск, Edison Craft Bar
    • 6 июля 2020, пн — Хужир, концертный зал усадьбы Никиты Бенчарова
    • 7 июля 2020, вт — Хужир, концертный зал усадьбы Никиты Бенчарова
    • 8 июля 2020, ср — Хужир, концертный зал усадьбы Никиты Бенчарова
    • 11 июля 2020, сб — Улан-Удэ, фестиваль «Голос Кочевников»

Фото для полиграфии


Параметры возможного тура

  • 5 человек в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы обеспечиваются со стороны «МузЭнерго»
  • принимающая сторона предоставляет технический райдер (в процессе уточнения), в общем случае позволяющий при необходимости подзвучить ансамбль из пяти человек (струнные и духовые инструменты и вокал); определённый минимум аппаратуры, достаточный для камерных выступлений и уличных концертов, предоставляется со стороны музыкантов
  • работает местный звукорежиссёр (если необходимо звукоусиление)
  • программа длительностью от 45 до 90 минут
  • принимающая сторона в обязательном порядке указывает на афишах и в макетах логотипы спонсирующих коллектив организаций (список может быть скачан одним архивом по ссылке)
  • Агент: Юрий Льноградский, +7-916-511-37-41
Опубликовано

Klapparat (Швейцария)

Эрвин Брюнишольц (Erwin Brünisholz), баритон-саксофон
Шарлотта Ланг (Charlotte Lang), альт-саксофон, сопрано-саксофон
Иво Прато (Ivo Prato), тенор-саксофон и бас-кларнет
Маттиас Венгер (Matthias Wenger), тубакс
Даниэль Цумофен (Daniel Zumofen), сопрано-саксофон, альт-саксофон
Филипп Лейбундгут (Philipp Leibundgut), ударные

Пять саксофонистов используют все типы инструментов, допускающие транспортировку без применения грузового автомобиля (и даже редчайший тубакс, который изготавливается под заказ единичными экземплярами). Барабанщик дополняет их затейливое взаимодействие до результата, который оказывается порой чуть ли не танцевальной музыкой для большого танцпола. И в основе всего этого — тот современный европейский джаз, ритмика и драйв которого давно оторвались от привычно-традиционного. 

История необычного секстета началась в июне 2011 года (барабанщиком первого состава был Филипп Дюкоммюн). Музыканты, составившие Klapparat, представляют и джазовую, и классическую сцену. Маститый баритонист Эрвин Брюнишольц, например, отметился в джазовых коллективах Picason и Soultrain. Универсал Маттиас Венгер начинал в Klapparat на альте, сопрано и флейте, но помимо этого владеет ещё фортепиано и скрипкой; он уже выступал перед российской публикой в составе нашумевшего состава Hildegard Lernt Fliegen. Тенорист Иво Прато работал в ряде джазовых и «латино»-составов национального уровня известности (Fingerprints и Chica Torpedo). Даниэль Цумофен, поначалу видевший себя в качестве профессионального лыжника, вынужденно переключился на музыку после серьёзной травмы, но сохранил свой чисто спортивный интерес к совершенствованию в новых и непростых техниках; в составе Klapparat он стал своего рода «техническим руководителем» или инноватором, стремящимся использовать всё разнообразие возможностей инструментов и их звуковой совокупности. Существует в составе и бас, без которого невозможен ни один драйвовый ансамбль. Тубакс (уникальная разновидность басового саксофона с длиной трубы около четырёх с половиной метров), по мнению музыкантов, и есть то, что заставляет людей танцевать. Поначалу на тубаксе в Klapparat играл «универсал» Мишель Дюк, в равной степени заинтересованный в джазе, роке и классике, однако и после его ухода в 2019 году инструмент удалось сохранить: на него переквалифицировался Маттиас Венгер, а освободившуюся «вакансию» альта и сопрано заняла первая женщина в составе коллектива, Шарлотта Ланг.

Репертуар группы, разумеется, скорее описывается термином «джазовый», чем каким-то другим. Однако в нём достаточно и авторских произведений, и самых неожиданных пьес из адаптированной классики, и корневого танцевального фольклора (в первые годы существования ансамбль вообще делал основной упор на кубинскую музыку, изучал аранжировки кубинских мастеров марширующих уличных оркестров и т.д.).

Свой первый диск коллектив выпустил в 2014 году. Посвящённый изобретателю саксофона и демонстрирующий самые разные оттенки звучания разных инструментов общего типа, он получил говорящее название «Tribute to Albert Sax». Диск был с типично швейцарской точностью презентован специальным концертом в бернском клубе BeJazz ровно в день двухсотлетней годовщины бельгийского мастера, 6 ноября 2014 года.

Второй альбом, «Tilting Axis», секстет выпустил в 2018-м на престижном швейцарском лейбле Unit Records. Своим названием («наклон оси вращения») диск даёт отсылку к причине смены времён года на планете. Со слов самих музыкантов, именно подобный «наклон», уникальность, изюминка в музыке, свойственные конкретным авторам и импровизаторам, и обеспечивают смену настроений, духа, сути исполняемой музыки, а не оставляют её лишь набором однообразных узнаваемых пьес. Большинство композиций на этой работе написаны участниками Klapparat. А в преддверии своего первого российского тура коллектив работает над третьим диском.

Пресса

  • «… джаз высшего класса» (Rudolf Steiner, Thurgauer Zeitung, 2018)
  • «… полные утончённых нюансов композиции, в которых хитро смешаны джаз, классика для духовых, латиноамериканская музыка и дух уличного шествия» (Kulturtipp, 2017)
  • «… разнообразие аранжировок и хороший баланс плотности звука и стилистической широты, и всё это — без излишеств» (Concerto.at, 2017)
  • «… узнаваемые мелодии с большой фантазией укладываются ими в новые формы» (JazzPodium, 2015)
  • «… иронический поклон изобретателю саксофона» (Timely, 2014)
  • «… сильный альбом современного джаза» (Fredi Hallauer, Musik CH, 2017)

Klapparat + «МузЭнерго»: будущее

  • 2 октября 2020, пт — Ставрополь, Филармония, фестиваль «Искры джаза» — концерт отменён по причине коронавирусных ограничений в регионе
  • 3 октября 2020, сб — Новороссийск — концерт отменён по причине коронавирусных ограничений в регионе
  • 4 октября 2020, вс — Сочи, «Сириус»
  • 7 октября 2020, ср — Москва, клуб Игоря Бутмана
  • 8 октября 2020, чт — Дубна, «Архитеатр»
  • 9 октября 2020, пт — Ижевск, фестиваль Woo — концерт отменён по причине коронавирусных ограничений в регионе
  • 10 октября 2020, сб — Екатеринбург, Ельцин Центр — концерт отменён по причине коронавирусных ограничений в регионе

Фото для полиграфии

 


Параметры возможного тура

  • 8 человек в делегации (включая менеджера и оператора — будет вестись видеосъёмка концертов!)
  • транспорт, жильё, питание, визы обеспечиваются со стороны «МузЭнерго»
  • принимающая сторона обеспечивает технический райдер (в процессе детального уточнения), включающий:
    • ударную установку в стандартной комплектации (для больших залов — озвучка как минимум двумя микрофонами типа Km105 или аналогами)
    • озвучивание духовых инструментов (коллектив привозит свои микрофоны на прищепках типа beta98WL для 4 саксофонов передней линии, а также три аналогичных микрофона и один пьезо для тубакса) — тем самым необходимы 8 входов для микрофонных линий
    • басовый комбо для тубакса
    • от 4 до 7 мониторов, оптимальны 3 мониторные линии (для барабанов, для тубакса и для остальных 4 саксофонов)
    • соответствующую коммутацию
    • портальный звук
  • работает местный звукорежиссёр
  • программа длительностью от 60 до 90 минут
  • принимающая сторона в обязательном порядке указывает на афишах и в макетах логотипы спонсирующих коллектив организаций
  • Агент: Юрий Льноградский, +7-916-511-37-41
Опубликовано

KAOS Protokoll (Швейцария/Германия)

Бенедикт Виланд (Benedikt Wieland), бас, клавишные, компьютер
Фло Райхле (Flo Reichle), ударные
Симон Шписс (Simon Spiess), саксофон
Филипп Шлоттер (Philipp Schlotter), клавишные
Алекс Маурер (Alex Maurer), ударные, электроника

«Мир погружается в хаос — а мы обеспечиваем звуковое сопровождение!» — самоопределение швейцарского пауэр-джаз-коллектива прекрасно. Впрочем, любой, кто хоть раз смотрел фильмы о погружении мира в хаос, знает, что хэппи-энд неизбежен, да и романтике посреди этого тоже найдётся место. В случае с KAOS Protokoll хэппи-энд — ещё и в том, что стилистика группы неудержимо меняется в сторону гармонии.

KAOS Protokoll, основанные в формате трио в 2011 году, настолько далеки от джаза, насколько это вообще неизбежно для современного европейского импровизирующего состава. Никто уже давно не играет стандартов, да и сама классическая форма джазового взаимодействия в ансамбле перестала быть интересной молодому поколению. Что интересно вместо этого? Либо поп-культура, либо современное варево из стилей и приёмов, в котором можно неожиданно для себя открывать самые неожиданные узнаваемые фрагменты из самых неожиданных областей. И именно этим варевом и занимался «Протокол» с самого начала. Кто-то назовёт их музыку джазом, потому что ему будет трудно проигнорировать импровизирующий саксофон; кто-то — роком, потому что манера игры басиста и его энергетика вполне читаемы; кто-то — едва ли не индастриалом или саундскейпом, потому что в определённый момент группу кинет и в эту крайность. Да что там, порой коллектив может дойти и до прямых ассоциаций с трип-хопом и drum’n’bass — но это вопрос не столько музыкальной всеядности, сколько неизбежности впитывания всего многообразия влияний современной музыки. У музыкантов «Протокола», в отличие от многочисленных компиляторов, однозначно есть своё собственное направление и своё видение всего происходящего: жёсткий, временами агрессивный, технически виртуозный и плотный пауэр-джаз, ни в малейшей степени не заигрывающий с аудиторией и обеспечивающий правду-матку в первозданном виде.

Свой первый альбом участники трио назвали «Quick & Dirty», то есть «быстрые и грязные». Недурная самоирония для людей, которых можно упрекнуть в чём угодно, кроме непродуманности материала и отсутствия в нём скрупулёзно выверенной драматургии. Проработка деталей у «Протокола» напоминает лучшие работы Фрэнка Заппы, Джона Зорна и The Bad Plus. Неудивительно, что в 2013-м KAOS Protokoll стали номинантами ZKB Jazzpreis — престижной швейцарской награды для молодых коллективов. Не лауреатами, а именно финалистами: жюри, видимо, сумело оценить тот факт, что от джаза даже в его сегодняшнем понимании группу увело достаточно далеко. Но, с другой стороны, не дальше, чем тех же Заппу и Зорна — для которых стилистическая неопределённость является достоинством, а не недостатком.

Группа выпустила четыре альбома и после работы «Everyone Nowhere» окончательно распрощалась с безудержной звуковой агрессией ранних лет. Трио давно превратилось в квартет, лишь половина которого представлена «отцами-основателями» басистом Бенедиктом Виландом и барабанщиком Фло Райхле. Саксофонист Симон Шписс (тяготеющий в собственных проектах как раз к «нормальному» современному джазу) и клавишник Люциус Шулер (представляющий скорее академически-новаторскую сцену) помогли перенаправить KAOS Protokoll в стилистику того, что принято называть пост-джазом. Звук группы сегодня стал более «тёмным», композиции строятся скорее в ключе звуковых ландшафтов, всё активнее используется электроника; критики слышат в новом звучании «Протокола» — меланхолическом, самопогружённом, в чём-то даже скупом — отсылки к таким ориентирам, как Jaga Jazzist и Girls in Airports. Что ж, тем интереснее будет очередное появление музыкантов в России, где у них уже есть своё устойчивое сообщество поклонников, с новой стилистикой. То сообщество, что сложилось на родине, лидер коллектива Бенедикт Виланд приучает к «новой главе» в истории коллектива уже в 2018-го года: многие концерты даже проходят под названием KAOS Kollektiv и с меняющимся составом музыкантов, что символизирует вовлечённость в проект достаточно обширного музыкантского сообщества Швейцарии, да и Европы в целом. В разное время руку к записям и концертам KAOS приложили такие мастера, как Робот Кох, Андреас Шёрер и Джанго Бейтс. А для российского тура-2020 собран и вовсе беспрецедентный вариант квинтета, где Шулера заменяет на клавишных Филипп Шлоттер и где в дополнение к барабанщику Фло Райхле будет придан перкуссионист и электронщик Алекс Маурер, инструментальная «кухня» которого весьма своеобразна.

В российском туре-2020 коллектив презентует своей последний альбом «Everyone Nowhere», выпущенный в 2018-м на лейбле Prolog Records.

Отзывы прессы

  • «… необычно и захватывающе» (Rolling Stone)
  • «… они однозначно становятся постоянно упоминаемыми среди фанатов GoGo Penguin и Jaga Jazzist (Music is my Sanctury)
  • «… точно знают, что такое грув» (London Jazz News)
  • «… истинный слушательский опыт“ (Colorising)
  • «… эта музыка сияет в окружении импрессионистской меланхолии, хранящей правильную пропорцию тёмных цветов» (Nowa Muzyka)

Фото для полиграфии

KAOS Protokoll + «МузЭнерго»: будущее

  • тур 2020 года отменён 17 августа 2020 из-за очевидных проблем, связанных с коронавирусом.
    • 1 октября 2020, чт — Санкт-Петербург, JFC
    • 2 октября 2020, пт — Красноярск или Железногорск (в процессе финализации переговоров)
    • 3 октября 2020, сб — Красноярск, КГИИ (малый зал)
    • 4 октября 2020, вс — Новосибирск, «Бродячая собака»
    • 5 октября 2020, пн — Омск, Oldman Pub
    • 6 октября 2020, вт — Тюмень, «Контора пароходства»
    • 8 октября 2020, чт — Курган, «Харатс»
    • 9 октября 2020, пт — Екатеринбург, Ельцин Центр
    • 10 октября 2020, сб — Ижевск, фестиваль Woo
    • 11 октября 2020, вс — Долгопрудный, концертный зал МФТИ

Параметры предстоящего тура

  • 5 человек в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы обеспечиваются со стороны «МузЭнерго»
  • принимающая сторона обеспечивает технический райдер, включающий:
    • (для клавишника Филиппа Шлоттера)
      • банкетку или стул с регулируемой высотой
    • (для барабанщика Фло Райхле)
      • ударную установку в стандартной комплектации (бочка предпочтительно 20″ или 22″, напольный том предпочтительно 16″, один навесной том предпочтительно 12″, опционально второй навесной том предпочтительно 13″, рабочий барабан 14″, пластики с напылением, стульчик с регулируемой высотой, 3 стойки для тарелок, стойка рабочего барабана, стойка хай-хэта, педаль, коврик), по возможности — винтажного звучания и типа
    • (для второго барабанщика Алекса Маурера)
      • педаль
      • стойку рабочего барабана
      • стойку хай-хэта
      • 2 стойки для тарелок
      • по возможности дополнительно — любой напольный том
    • (для басиста Бенедикта Виланда)
      • басовый комбо-усилитель (спикеры как минимум 4×10, усилитель от 500 Вт), предпочтительно марок Ampeg, Fender, Eden, Markbass
      • клавишная стойка для синтезатора
    • 4-5 мониторов (обязательное требование по причине наличия электронной составляющей в музыке)
    • 1 микрофон на конферанс на стойке
    • озвучку всего перечисленного:
      • ударные Фло Райхле — минимум 1 микрофон для бочки, 1 overhead, 2 x XLR
      • саксофон — собственным микрофоном музыканта и эффектами, заведёнными в его собственный микшер (выход — 2 XLR)
      • клавишные — 1 Stereo DI Box
      • бас и эффекты басиста — 1 DI для басового комбо-усилителя, 1 DI для синтезатора
        4-5 floor monitors for the electronics Very important!!!
  • полный технический райдер, сет-лист и план сцены могут быть скачаны по ссылке
  • работает местный звукорежиссёр
  • программа длительностью от 60 до 90 минут
  • принимающая сторона в обязательном порядке указывает на афишах и в макетах логотипы спонсирующих коллектив организаций (список уточняется)
  • Агент: Юрий Льноградский, +7-916-511-37-41, lnogradski@gmail.com

KAOS Protokoll + «МузЭнерго»: прошлое

Состав в турах 2016 г. и ранее:

Бенедикт Виланд (Benedikt Wieland), бас, клавишные, компьютер
Марк Штуки (Marc Stucki), саксофон, электроника
Фло Райхле (Flo Reichle), ударные, электроника

  • тур 2016 года (в составе: Бенедикт Виланд, Марк Штуки, Фло Райхле).
    • 13 октября — Красноярск, школа им. Поздеева
    • 14 октября — Красноярск, «Студия Дождя»
    • 15 октября — Протвино, ДМШ (фестиваль «Джазоворот 7.5»)
    • 16 октября — Дубна, клуб «105»
    • 17 октября — Санкт-Петербург, JFC
    • 18 октября — Сергиев Посад, «Дубрава»
    • 19 октября — Калининград, Дредноут
  • 2014: участие в «МузЭнергоТуре»
    • 28 июня 2014 — Екатеринбург, 2-й международный фестиваль «EverJazz»
    • 29-30 июня 2014 — Комплекс «Аврора» (Челябинская область)
    • 1 июля 2014 — Тюмень, Филармония
    • 3 июля 2014 — Новосибирск, клуб «Кампус»
    • 4 июля 2014 — Барнаул, Филармония
    • 5 июля 2014 — Новокузнецк (Кемеровская область), «Геликон»
    • 6 июля 2014 — Кемерово, концертный зал КемГУ
    • 7 июля 2014 — Ачинск (Красноярский край), ДК
    • 8 июля 2014 — Железногорск (Красноярский край), ДК
  • два приезда в РФ до 2014 года

Архив избранных афиш

Опубликовано

Luca Sisera Roofer (Швейцария)

Лука Сисера (Luca Sisera), контрабас, композиция
Михаэль Джегер (Michael Jaeger), тенор-саксофон, кларнет
Маурус Тверенбольд (Maurus Twerenbold), тромбон
Ив Тайлер (Yves Theiler), фортепиано
Михи Штульц (Michi Stulz), ударные

Швейцарская группа играет микс современного авторского джаза и свободной импровизации. Композиции Луки Сисеры чётко выверены по форме и полны контрастных образов, построенных на идеальном взаимодействии музыкантов. Участники коллектива — известные европейские импровизаторы, регулярно концертирующие в Европе, Северной Америке, Африке, Азии, выступающие в многочисленных проектах со звездами джаза. Так, саксофонист Михаэль Джагер, являющийся артистом прославленного лейбла Intakt, сотрудничает с Грегом Осби, Томом Рейни, Акселем Дорнером. Ансамбль активно сотрудничает с другими представителями искусства, часто появляется в совместных проектах в визуальной области, работает с художниками, танцорами, актерами.

Музыканты представили на концерте новые альбомы, в частности, диск «Moscow Files», изданный Лео Рекордс. Музыка этого релиза была записана два года назад в рамках тура группы по России вместе с московским саксофонистом и композитором Алексеем Кругловым, одним из ярких представителей новой волны импровизационной музыки в России.


Luca Sisera Roofer + «МузЭнерго»: прошлое

  • 27 февраля 2019 — Дубна, ДК «Мир»

Архив избранных афиш

 

Опубликовано

Hellmüller Trio (Швейцария)

Франц Хеллмюллер (Franz Hellmüller), гитара
Патрик Зоммер (Patrick Sommer), контрабас
Мартен Перре (Martin Perret), ударные

Гитарное трио в джазе: формат, в котором сказать что-то принципиально новое уже почти невозможно. Если забыть о том, что новизна и самобытность — не в формате, а в головах у исполнителей и никак не связана с инструментальным составом конкретного коллектива.

Трио гитариста Франца Хеллмюллера существует и активно концертирует с 2011 года. Срок весьма небольшой в абсолютных величинах, но весьма значительный применительно к современным джазовым реалиям, в которых срок жизни среднестатистических европейских джазовых проектов измеряется порой месяцами, а количество сыгранных концертов — парой дюжин. Причина проста — музыкантов, работающих в «прямолинейном» современном джазе, с каждым годом всё больше, площадок для него всё меньше, аудитория всё старше. И остаётся в этой, казалось бы, безнадёжной гонке в итоге лишь тот, кто не просто талантлив и имеет что сказать: тому, что на плаву, необходима ещё и выдающаяся упёртость, вера в свои силы и свой талант, бескомпромиссная нацеленность на результат.

Хеллмюллер нередко демонстрирует эти качества и в обычных разговорах. В его интервью и высказываниях звучит один и тот же рефрен — жизнь штука сложная, основная выпавшая любому человеку доля — это постоянный вызов от окружающего мира, тяжесть и даже в каком-то смысле горе, и единственный способ жить и творить — это борьба. Звучит довольно пессимистично, однако именно в разумном пессимизме — ключ к пониманию того, что делает Франц. Его музыка, на первый взгляд своеобычно-европейская, глубже и насыщеннее, чем основная масса звучащего сегодня на европейских сценах. Его неброские на первый взгляд соло — результат долгого, вдумчивого, осмысленного поиска фраз и высказываний, его импровизационные взлёты — естественное и очень сильное в своём пафосе разрешение поставленных перед собой проблем. Хеллмюллер может быть откровенно лиричен, и это лирика сильного мужчины, готового нести ответственность за свои слова и поступки. Хеллмюллер может быть печален — и это печаль всё того же сильного мужчины, который знает, как её преодолеть. И Хеллмюллер может улыбаться — искренне, негромко, так, как улыбается сильный мужчина, не забывающий о том, что жизнь вовсе не одно сплошное удовольствие и игра.

Хеллмюллер — заметная фигура на европейской джазовой школе и, во всяком случае, человек первого эшелона среди гитаристов. Его обучение началось ещё в 1996-м году в Американской школе современной музыки (базирующейся в Париже), продолжилось в Высшей школе музыки швейцарского Люцерна и завершилось специальным курсом под предводительством американца Дэйва Либмана — одного из наиболее известных в мире джазовых педагогов. Впрочем, это образование лишь базовое, а впоследствии были опыты работы и с очень разнообразными по инструментарию и стилям преподавателями, среди которых, например, бэндлидер Мария Шнайдер, гитаристы Курт Розенвинкель и Джон Аберкромби, пианист Симон Набатов и так далее. Одно лишь изучение этого списка позволяет понять область интересов Хеллмюллера: это комплексный современный джаз, основанный на авторской композиции и далёкий от «диктатуры ритма»; над музыкой Франца придётся думать, но зато и послевкусие она оставит вполне оригинальное.

С той же скрупулёзностью, с которой выстраивается музыка, ведётся и работа над составом. В своё время в нём переиграли разные барабанщики и контрабасисты, и в какой-то момент швейцарский (по факту лидерства Франца) состав оказался даже на две трети итальянским. Выступления коллектива проходили в Швейцарии, Германии, Австрии, Бельгии, Италии, Франции, Черногории. Хеллмюллер неоднократно приезжал в Россию с очень разными составами и выходил порой на крайне экзотические сцены, а с более ранним составом собственного трио принял участие в передвижном фестивале «МузЭнергоТур» в 2014-м году и показывал свою музыку, например, в литературном музее Цветаевых в городе Александров Владимирской области, на многотысячном фестивале «Рок-Лайн» в Перми, в Тульской филармонии и в рамках празднования Дня Республики Чувашия в Чебоксарах. Что и говорить, опыт работы с российской аудиторией у этого музыканта просто запредельный.

В 2019-м Хеллмюллер показал в России программу нового диска «Magnolia» и, что особенно интересно, снимал фильм о своём путешествии, который в настоящее время готовится к показу.

Цитаты из прессы

  • Термин «магия» надо употреблять с осторожностью, но в данном случае это оправдано, и больше того — слово «магия» первым приходит в голову, когда пробуешь описать это трио, от музыки которого перехватывает дыхание (Ulrich Steinmetzger)
  • Эта музыка — результат потрясающего взаимодействия (Franz X. A. Zipperer)
  • Трио становится группой, когда три музыканта звучат, как один (Wolf Kampmann)

Фото для полиграфии


 


Hellmüller Trio + «МузЭнерго»: прошлое


Параметры возможного тура

  • 4 человека в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются компанией «Отдел культуры» (возможно уменьшение по гонорару при предоставлении жилья и питания принимающей стороной по результатам обсуждения)
  • принимающая сторона обеспечивает технический райдер:
    • ударные в стандартной комплектации (без тарелок), крайне предпочтительны «джазовые» типоразмеры (бочка 18″, рабочий 14″, напольный том 15″, навесной том 13″), 2 стойки под тарелки, стойка хай-хэта, педаль, стойка рабочего барабана, стул с регулируемой высотой, коврик; пластики должны быть однослойными (предпочтительно Remo Ambassador), внешний пластик бочки без вырезов.
    • качественный гитарный ламповый комбо-усилитель (предпочтительно Fender Black Face, VOX AC30, Mesa Boogie)
    • контрабас 3/4 со звукоснимателем
    • качественный басовый комбо-усилитель (предпочтительно MarkBass)
    • микрофон для конферанса на стойке
    • три монитора, как минимум две мониторные линии
    • соответствующую коммутацию и комплект озвучки (снятие гитары и баса с комбо-усилителей микрофонами, для ударных достаточно 2 оверхэда и микрофон для бочки)
    • три нотных пюпитра
    • 4-5 дополнительных микрофонных стоек для выполнения музыкантами записи
    • портальный звук соответственно специфике площадки (обсуждаема работа без внешнего звукоусиления на небольших сценах)
  • работает местный звукорежиссёр
  • программа длительностью от 60 до 90 минут
  • в рекламной кампании должны быть указаны логотипы поддерживающих тур организаций
  • Агент: Юрий Льноградский, +7 (916) 511-37-41, iouri.lnogradski@gmail.com
Опубликовано

David Helbock (Австрия)

Давид Хелбок (David Helbock), фортепиано

Уроженец скромной австрийской деревушки под названием Коблах сегодня по праву считается одним из самых активных, интересных и плодотворных джазовых пианистов Европы. И дело не только в его мастерстве как инструменталиста: Хелбок — человек с потрясающе детальной и проработанной стратегией существования в искусстве, чья музыка прогрессирует не спонтанно, а по осознанно выбранному пути развития. Это и переходы от крупных проектов к сольным, и акцентирование на собственном или чужом (не всегда очевидном!) материале, и продуманное покорение самых разных стран и континентов в поисках новых впечатлений и влияний.

Давид Хелбок родился в Австрии в 1984 году. Начав заниматься фортепиано в шестилетнем возрасте, до юношеского возраста он обучался музыке в основном на уровне местных ничем особенным не примечательных школ (хотя интерес именно к джазу проявился почти сразу же — десятилетний Давид по собственной инициативе начал посещать уроки Пауля Винтера в рамках специального «джазового семинара»). Удивительно в первых годах его становления другое: свой первый соло-альбом с однозначным названием «Happiness» Хелбок выпустил уже в 1998 (!) году, едва отметив четырнадцатилетие. До следующей работы прошло пять полноценных лет, но факт остаётся фактом: музыканту сразу и определённо хотелось разговаривать с миром.

В 1998-2001 годах Хелбок дополнительно брал уроки ударных, в 2005-м закончил с отличием консерваторию австрийского Фельдкирха, а впоследствии брал частные уроки у американского пианиста Питера Мэдсена и провёл один семестр в швейцарском Бернском университете искусств, где его преподавателем был именитый Тьерри Ланг. Казалось бы, не самая «качественная» история образования, если сравнивать её со стандартными путями становления современных европейских пианистов. Однако результаты такого подхода, при котором над личностью Хелбока не довлела определённая авторская школа, налицо: его самобытность как музыканта начала приносить плоды, и с начала века (вновь и вновь требуется уточнение — с возраста 16-17 лет!) Давид ежегодно получает самые разнообразные премии, выигрывает конкурсы и так далее. В его активе, например, победа на конкурсе искусств «Prima la Musica» (2001), образовательная стипендия от компании Bösendorfer (2001), победа на международном «New Generation» (Штраубинг, Германия, 2006), два приза на одном из самых именитых фортепианных конкурсов мира — «Jazz Piano Solo» в швейцарском Монтрё (2007 и 2010), не требующая перевода национальная австрийская премия «Outstanding Artist» (2011) и так далее.

К настоящему моменту Хелбок выпустил 21 (!) диск преимущественно в форматах соло и трио. Особенно выделяются в его дискографии две работы в коллективе легендарного Михаэля Мантлера, вышедшие на ECM Records — «Jazz Composer´s Orchestra Update» (2014) и «Comment C’est» (2017). Собственные записи Хелбока тоже показывают устойчиво растущий интерес к нему Большого Музыкального Бизнеса: начав, разумеется, с самиздата (тот самый «Happiness»), Давид совершает победное восхождение от скромного австрийского лейбла Gramola через кёльнский Doublemoon к берлинскому Traumton (а это уже достойный европейский уровень), проносится через швейцарский Unit и сегодня выпускается на ACT Music — лейбле с международной известностью, среди артистов которого Ларс Даниэльссон, Виджей Айер, трио Эсбьёрна Свенссона, Ярон Херман, Ману Катче, Лешек Можджер, Бугге Вессельтофт и прочая элита современного джаза.

Хелбок выступал во множестве стран Западной, Центральной и Восточной Европы, в нескольких государствах Северной и Южной Америк, побывал в Казахстане, Киргизии, Китае, Монголии, Корее, Малайзии, Индонезии, Индии и на Филиппинах, в Израиле и Иране, в Австралии и Турции, в десятке африканских стран. Однако глобальные задачи он ставил перед собой не только в записи музыки и не только в гастролях: например, в 2009-м он официально анонсировал «Годовой проект ежедневной композиции» — и, соответственно, в течение года каждый день создавал новое музыкальное произведение. В 2010-м был выпущен его «Personal Realbook» с более чем 600 листами авторского нотного текста.

В сентябре 2020-го Хелбок презентует в России свою программу «Playing John Williams» (выпущенную в 2019 на ACT Music). Как видно из названия, здесь Хелбок обращается к музыке многократного обладателя «Грэмми» и «Оскара» кинокомпозитора Джона Уильямса. Музыка из «Гарри Поттера», «Списка Шиндлера», «Звёздных войн» и так далее. Со слов самого Давида, «…я до сих пор помню, как я смотрел ребёнком фильмы с его музыкой — «Инопланетянина» или «Парк Юрского периода», когда я впервые пошёл в кинотеатр без родителей» […] Это было крайне эмоциональное переживание, и музыка к фильмам всегда была ключом к этим эмоциям. […] Уильямс — великолепный мастер мелодии. Его мелодии трогают сердце, они высвобождают ваши эмоции».

Но Хелбок не был бы собой, если бы взялся за такой проект только как тапёр. «Я сделал с музыкой Уильямса многое,- говорит он,- я многое изменил в гармонии, я во многих местах поработал с темпом, так что во всём этом стал слышен мой собственный голос. Но важно то, что и после всех изменений мелодия остаётся той же, она узнаваема. Процесс адаптации этой музыки шёл спонтанно, под влиянием эмоций, которые я испытывал, пересматривая фильмы. Я выписывал мелодии, смотрел кино, и уже потом создавал свои версии и понемногу их дорабатывал».

Отзывы прессы

  • «… один из самых потрясающих музыкантов молодой европейской сцены. Слушатель сталкивается с чем-то совершенно новым, когда играет Хелбок. И это никогда не вычурная «элитарная» музыка — это всегда музыка, которая пробирает и тело, и ум» (Roland Spiegel, Bavarian Radio, Германия)

Фото для полиграфии

 


David Helbock + «МузЭнерго»: будущее

  • 27 ноября 2020 г., пт — Дубна, ДК «Мир»
  • 28 ноября 2020 г., сб — Красноярск, Филармония
  • 29 ноября 2020 г., вс — Железногорск (зал уточняется)
  • 30 ноября 2020 г., пн — дата свободна (предполагается отдых в Красноярске)
  • 1 декабря 2020 г., вт — дата свободна
  • 2 декабря 2020 г., ср — дата свободна
  • 3 декабря 2020 г., чт — дата свободна
  • 4 декабря 2020 г., пт — дата свободна
  • 5 декабря 2020 г., сб — Екатеринбург, Ельцин Центр
  • 6 декабря 2020 г., вс — Ижевск, «Грифон»

Параметры предстоящего тура

  • 1 человек в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются со стороны «МузЭнерго»
  • принимающая сторона обеспечивает технический райдер:
    • рояль
    • сопутствующую озвучку и коммутацию для залов, где акустического звучания инструмента недостаточно
  • работает местный звукорежиссёр
  • программа длительностью от 60 до 90 минут
  • в рекламной кампании обязательно отображение поддерживающих коллектив организаций (список уточняется)
  • Агент: Юрий Льноградский, +7-916-511-37-41, iouri.lnogradski@gmail.com
Опубликовано

60 Miles (Швейцария/Германия)

Николя Гербер (Nicolas Gerber), клавишные
Андре Хане (André Hahne), бас-гитара
Йохан Вермель (Johan Wermeille), ударные

60 Miles: кто-то найдёт в названии коллектива отсылки к золотым 1960-м, кто-то — к имени Майлса Дэвиса. Сами музыканты не отрицают намёка на джазовую традицию, но задают вполне естественный вопрос: а можно ли сегодня, в XXI веке, определять «джаз» сколько-то конкретно, правомерно ли называть джазом только то, что однозначно соответствует одной из стилистик прошлого или напрямую напоминает о легендарных представителях жанра? Нет!

60 Miles делают свою собственную музыку. Учитывая возраст участников, некоторые из которых к тем самым шестидесятым не имели никакого отношения, список источников их вдохновения не удивляет: музыканты трио называют и Чарли Паркера, и Кита Джарретта, и Леонарда Коэна, и Led Zeppelin, и Radiohead, и Людвига ван Бетховена. Состав ансамбля — классически-джазовый, предполагающий каноническое звучание и верность традициям; однако в реальности музыка 60 Miles не создаётся по тем лекалам, что закреплены в сознании среднестатистического слушателя именно джазовыми трио. Пожалуй, самые бросающиеся в глаза особенности 60 Miles — прихотливые игры с ритмом, сложная (почти нумерологическая) гармоническая концепция — и, безусловно, наполненное искренним удовольствием от творчества, чисто джазовым драйвом преодоление самых разных неоднозначностей создаваемого материала.

На счету коллектива два альбома. Первый, «…Ou à aison», был выпущен в 2015 году на лейбле Altri Suoni и сопровождён концертными турами в нескольких странах Европы, а также в Китае, Бразилии и Аргентине. В Россию коллектив поедет с презентацией второго диска, «Last Summer».

К слову, музыканты всё-таки дают объяснение названию коллектива, но, сродни их музыке, одновременно высокое, красивое и неочевидное: «Мир, в котором мы существуем — это баланс четырёх измерений. А Швейцария, в которой мы живём — это не такое уж большое пространство. Так что «60 миль» — это не только о пространстве», говорят они, «это ещё и о времени».

К счастью, трио предлагает не только концепцию названия, но и музыку. А музыка трио — пусть и неочевидная!- прекрасна.

Фото для полиграфии


60 Miles + «МузЭнерго»: прошлое

  • Тур 2020 года отменён из-за ограничений, связанных с коронавирусом
    • 9 октября 2020, пт: Ижевск, фестиваль Woo
    • 10 октября 2020, сб: Екатеринбург, EverJazz
    • 11 октября 2020, вс: Красноярск, КГИИ
    • 12 октября 2020, пн: Красноярск, занятость вне концертов (мастер-классы, творческое общение)
    • 13 октября 2020, вт: Томск, «Аэлита»
    • 15 октября 2020, чт: Москва, клуб Алексея Козлова
    • 16 октября 2020, пт: Владимир, «Серый кит»
    • 17 октября 2020, сб: Калининград, «Катарсис»
    • 18 октября 2020, вс: Санкт-Петербург, JFC

Параметры предстоящего тура

  • 3 человека в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются со стороны «МузЭнерго»
  • принимающая сторона обеспечивает технический райдер:
    • барабаны в стандартной комплектации (бас-барабан, напольный том, навесной том, малый барабан, стойки малого барабана и хай-хэта, 3 стойки под тарелки, стул с регулируемой высотой, педаль, коврик)
    • профессиональный басовый комбо (предпочтение мощным и ламповым моделям)
    • акустическое фортепиано
    • три монитора, три мониторные линии
    • портальный звук сообразно специфике зала
    • сопутствующую коммутацию
  • работает местный звукорежиссёр
  • программа длительностью от 60 до 90 минут
  • в рекламной кампании обязательно отображение поддерживающих коллектив организаций (список уточняется)
  • Агент: Юрий Льноградский, +7-916-511-37-41, iouri.lnogradski@gmail.com
Опубликовано

Erik Leuthäuser (Германия)

Эрик Лёйтхойзер (Erik Leuthäuser), вокал, электроника

Там, где «индивидуальная» вокальная музыка превратилась в битбокс, а соединение вокала с электроникой — в однообразную демонстрацию технологических возможностей, молодой вокалист из Берлина Эрик Лёйтхойзер всё ещё использует свой собственный голос. В том значении, которого и ждёшь от артиста: речь не только (и не столько) о характеристиках вокала, но о полноценном авторском видении мира и искусства, о постоянном поиске адекватных новых форм самовыражения, об умении подчинить технологии содержанию, а не наоборот. 

Уроженец Дрездена, Эрик заинтересовался джазом с подачи отца. Начав петь ещё в детском возрасте, подростком он победил в нескольких местных вокальных конкурсах и был приглашён в городской биг-бэнд Дрездена и Молодёжный Джаз-Оркестр земли Саксония. Формальное музыкальное образование он получал последовательно в нескольких заведениях — в Веймаре, а хельсинкской Музыкальной академии имени Сибелиуса, в берлинском Институте Джаза. Закончив образование всего лишь в 2017-м, Лёйтхойзер уже сейчас имеет в своём активе многочисленные гастроли с самыми разными джазовыми и поп-коллективами (старая Еврова, страны бывшего СССР, Турция и даже Эквадор). Ему случалось сопровождать в качестве вокалиста выступления звёзд первой величины — Эрик пел, например, в концертных проектах Куинси Джонса, Джорджа Бенсона, Ди Ди Бриджуотер и Джейкоба Коллиера.

В 2015-м Лёйтхойзер выпустил свою первую работу, диск «In the Land of Oo-Bla-Dee» (MONS Records). Стилистически она была ближе всего к бибопу, а вокальная партия представляла собой вокализ либо исполнялась на немецком. Диск музыканта, ещё не достигшего на тот момент двадцати, был номинирован на крайне престижную премию — Preis Der Deutschen Schallplattenkritik. В мае 2018-го на куда более известном лейбле MPS вышел второй диск Эрика; на спродюсированной американским басистом Грегом Коэном работе с Лёйтхойзером играли ни много ни мало гитарист Курт Розенвинкель и барабанщик Джойи Бэрон.

Молодой артист регулярно брал призы престижных международных конкурсов: он стал первым на Jazz Stage (Рига, 2016), Big Sky (Москва, 2016) и Ella Fitzgerald Vocal Jazz Competition (США, 2018), а также выходил на подиум по результатам Shure Montreux Jazz Voice Competition (Швейцария), Voicingers (Польша), Made in NY Jazz Competition (США). Однако, несмотря на формальную принадлежность к джазу, со временем Лёйтхойзер всё больше отходит от традиционного джаза к его современным экспериментальным формам и даже пробует себя в том, что сам он называет «экспериментальной поп-музыкой». Неудивительно, что меняется и формат его выступлений. Из BuJazzO, национального молодёжного джаз-оркестра Германии, он переходит в вокальный ансамбль Wortart, который специализируется на современной немецкоязычной поэзии. А параллельно с этим — работает в ансамбле Филиппа Румша (группа импровизационно соединяет элементы минимализма, электроники, поп-музыки и классики) и занимается свободной импровизацией в дуэте с латвийской вокалисткой Артой Жекабсоне.

Пресса

  • «… восходящая звезда джазового вокала» («Mannheimer Morgen», Германия)
  • «… совершенно необычный вокальный джазовый альбом, атмосферный, захватывающий, полный воображения и риска. Эрик не похож ни на кого из вокалистов, что мне известны» (James Gavin, США)
  • «… это искусство, полное радости жизни и честное. Его голос прекрасен и свободен, он сам — молод и увлечён, искренен и музыкален» (Sabine Kühlich, Германия)

Фото для полиграфии


Параметры возможного тура

  • 1 человек в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы обеспечиваются со стороны «МузЭнерго»
  • принимающая сторона предоставляет:
    • две микрофонные стойки (микрофоны предоставляются артистом)
    • столик (предпочтительно высокий) для электроники
    • монитор (предпочтительно два для стерео-картины)
    • электропитание на 5 приборов минимум
    • портальный звук
  • работает местный звукорежиссёр; от артиста передаётся два моно-сигнала с выхода его собственных DI-боксов
  • программа длительностью от 60 до 90 минут
  • принимающая сторона в обязательном порядке указывает на афишах и в макетах логотипы спонсирующих коллектив организаций
  • Агент: Юрий Льноградский, +7-916-511-37-41

Erik Leuthäuser + «МузЭнерго»: прошлое

Архив избранных афиш

Опубликовано

Derek Brown (США)

Дерек Браун (Derek Brown), саксофон, битбокс

Саксофонист-инноватор из Чикаго, чей необычный стиль уже покорил аудиторию многих экзотических для молодого американца стран – не только Западной Европы, но и Китая, Малайзии, Бразилии, Латвии, Украины, Сербии, ОАЭ, Японии. В марте 2017 года Дерек впервые появился в России и произвёл своим трёхнедельным туром такой фурор на территории от Калининграда до Красноярска, что уже в ноябре 2017-го тур пришлось повторить — и вновь более чем с 20 выступлениями.

Браун – один из ключевых участников популярной чикагской фанк-группы Low Spark, однако известен он в первую очередь своим сольным проектом с говорящим названием BEATBoX SAX. Дерек объединяет в своих шоу самые полярные составляющие — как в содержательной, так и в технической их части. С одной стороны, в его репертуаре – смесь из джазовых стандартов, классических произведений, хитов рок- и поп-музыки и авторские пьесы. С другой стороны – он в состоянии, не пользуясь процессорной обработкой звука, совмещать игру на саксофоне, пение и специфический битбокс, который именно использованием саксофона отличает Брауна от множества «обычных» битбоксеров. Многие звуковые эффекты, которые им используются, в принципе невозможны для человеческого горла самого по себе.

История Дерека напоминает классический путь музыкантов, совершивших революцию в джазе на заре его становления. Он родился и вырос в мичиганском захолустье, где любительские занятия музыкой направлялись запросами и советами не самых искушённых слушателей; первая группа с его участием, Afterthought, исполняла обычную смесь консервативного джаза и кантри «на белый лад». Однако уже в ней Браун начал не только писать собственную музыку, но и пробовать выйти за рамки жанра, в том числе через новый взгляд на технику игры на инструменте. Дерек вообще не шёл проторенными путями: музыкальное образование, например, он получил в далеко не самом престижном заведении Штатов – в колледже-консерватории Университета Цинциннати. Но, возможно, именно вне образовательного конвейера всемирно известных джазовых школ и должен был зародиться новый стиль. Даже место работы многообещающий выпускник выбрал не там, где положено «нормальному» джазмену: Браун уехал преподавать в Христианский Университет Абилина, расположенный в небольшом техасском городке. Здесь он руководил джазовым отделением и основал джазовый фестиваль, ставший ежегодным. Здесь же и окончательно поставил перед собой амбициозную задачу – изменить формат сольного выступления саксофониста, сделать его полноценным по наполнению и звучанию шоу без применения электроники. Для решения оказалось недостаточно уже известных техник вроде циркулярного дыхания и более или менее очевидных перкуссионных фокусов; Браун разработал и собственные приёмы, получившие названия «slap-tonguing» и «double-tonguing» (в буквальном переводе, который только усиливает всю специфику – «хлопок (щелчок) языком» и «двойная работа языком»).

Найденная формула позволила Брауну реализовать главную мечту любого современного музыканта – стать независимым артистом, который живёт только собственной музыкой и не должен совмещать её с преподаванием, работой в чужих ансамблях и т.п. Перебравшись в Чикаго, Дерек быстро стал одним из самых ярких саксофонистов современной сцены, что хорошо иллюстрируют именные контракты на обеспечение со стороны ведущих производителей инструментов и оборудования (Legere Reeds, JodyJazz, P.Mauriat, BG, AKG). Собственный канал на Youtube принёс Брауну известность, о которой могут только мечтать многие «нормальные» джазмены: сегодня у него десятки тысяч подписчиков и миллионы просмотров (более 16 миллионов для одной только «Stand by Me»!), а найденные им решения изучаются и тиражируются студентами.

Шоу Брауна – это действительно шоу. Здесь есть всё. Мало того, что в одной программе звучат джазовые стандарты («I Got Rhythm» Гершвина), фанк (неувядающий «Chameleon» Хэрби Хэнкока), соул («Stand By Me», прославленная Беном Э. Кингом), рок-н-ролл («Can’t Help Falling In Love» Элвиса Пресли), классика (виолончельная сюита Баха), новая волна («Every Breath You Take» от The Police), эстрада самого разного толка (от Haddaway до ни много ни мало Джастина Бибера). И мало того, что с точки зрения звуковой палитры один молодой американец с саксофоном даст хорошую фору иным полноценным ансамблям. Дело ещё и в естественности и юморе артиста, который не чурается добрых и ярких розыгрышей – например, исполнить свою композицию дуэтом с папой, чей не очень музыкальный голос записан на мобильный телефон.

Дерек Браун, разумеется, вряд ли станет такой же легендой своего инструмента, какой стал Чарли Паркер, Джон Колтейн или другие мастера высшего эшелона, перевернувшие представления современников о возможностях саксофона. Сейчас другое время. Но именно в это, другое время именно он, Дерек Браун, может воссоздать атмосферу джазового расцвета – когда все вокруг молоды, отчаянны, полны надежд, не боятся экспериментов и не забывают о том, что главное назначение этого искусства – дарить чистую радость, а не побуждать к искусствоведческим изысканиям. Неудивительно, что его долгожданный первый альбом (так и названный «BeatBox Sax») с ходу вошёл в 25 лучших джазовых альбомов месяца в чартах журнала «Billboard».

Больше видео — на официальном канале музыканта.

Derek Brown + «МузЭнерго»: прошлое

  • ПЕРВЫЙ РОССИЙСКИЙ ТУР, 8-31 марта 2017
    • 8 марта: Протвино (Московская обл.), ДК «Протон»
    • 9 марта: Москва, салон «Марьячи», мастер-класс
    • 10 марта: Калининград, клуб «Дредноут»
    • 11 марта: Обнинск (Калужская обл.), флигель усадьбы «Белкино»
    • 12 марта: Самара, клуб «Balkan Grill»
    • 13 марта: Тольятти (Самарская обл.), Филармония
    • 14 марта: Уфа, Уфимский джаз-клуб
    • 15 марта: Ижевск, ДК «Интеграл»
    • 16 марта: Екатеринбург, Ельцин-Центр
    • 17 марта: Москва, джаз-клуб «Эссе»
    • 18 марта: Новороссийск, Морской культурный центр
    • 19 марта: Ростов-на-Дону, New Centropezn Jazz Club
    • 20 марта: Ростов-на-Дону, Детская джазовая школа им. Кима Назаретова, мастер-класс
    • 21 марта: Томск, джаз-кафе «Underground»
    • 22 марта: Новосибирск, винный бар «Ruby»
    • 23 марта: Красноярск, концертная студия «Дождя»
    • 24 марта: Нижний Новгород, ГЦСИ «Арсенал»
    • 25 марта: Сергиев Посад (Московская обл.), КПЦ «Дубрава»
    • 26 марта: Дубна (Московская обл), лофт-бар «Лимонад»
    • 28 марта: Хабаровск, Unicorn
    • 29 марта: Комсомольск-на-Амуре, клуб «Эдисон»
    • 30 марта: Биробиджан, «Music Hall»
    • 31 марта: Дмитров (Московская обл.), клуб «Котёл»
  • ВТОРОЙ РОССИЙСКИЙ ТУР, 1-24 ноября 2017
    • 1 ноября: Краснодар, Wilson Pub
    • 2 ноября: (мастер-класс) Воронеж, Музучилище
    • 2 ноября: Воронеж, книжный клуб «Петровский»
    • 3 ноября: Липецк, ОЦКНТ
    • 4 ноября: Белгород, Филармония
    • 5 ноября: Курск, Филармония
    • 6 ноября: Воронеж, Филармония
    • 7 ноября: (мастер-класс) Орёл, Музучилище
    • 7 ноября: Орёл, Драмтеатр им. Тургенева
    • 8 ноября: Москва, ЕКЦ на Никитской
    • 9 ноября: Туапсе, ДК Нефтяников
    • 10 ноября: Сочи, Красная Поляна, ОКЦ «Галактика»
    • 11 ноября: Калининград, «У Гашека»
    • 12 ноября: Егорьевск, «Бережки-Холл»
    • 13 ноября: (мастер-класс) Нижний Новгород, Музыкальный колледж им. Балакирева
    • 14 ноября: Нижний Новгород,Старый актовый зал ННГУ
    • 15 ноября: Дзержинск, ДМШ им. Скрябина
    • 16 ноября: Санкт-Петербург, Fish Fabrique Nouvelle
    • 17 ноября: (мастер-класс) Санкт-Петербург , Джаз-филармония
    • 18 ноября: Крутово, Петушинский район, Владимирская обл., АТК «Богдарня»
    • 19 ноября: Москва, клуб Игоря Бутмана
    • 20 ноября: (мастер-класс) Москва, Химки, МГИК
    • 21 ноября: (мастер-класс) Кызыл, Колледж искусств
    • 22 ноября: Кызыл, Национальный театр
    • 23 ноября: Абакан, Хакасская Филармония
    • 24 ноября: Красноярск, «Студия Дождя»

Архив избранных афиш

Опубликовано

30.11.2019, «Grey Whale» (Владимир): NOVA (Швейцария)

Кристиан Дзатта (Christian Zatta), гитара, композиция
Флориан Боллигер (Florian Bolliger), бас-гитара, видеоряд
Флориан Хёсль (Florian Hoesl), ударные

Гитара, бас и барабаны — это слишком просто. Трио NOVA описывает себя иначе: «Межзвёздный странник, электрический монах в облаке космической пыли, пронизанной солнечным светом. Батареи почти пусты, и он думает про себя: «ах, чёрт!».

В оригинальной версии «электрический монах» выражается, впрочем, куда энергичнее. В неловкости перевода его слов на общеупотребительный русский — хороший ключ к пониманию того, какое впечатление Nova производит на слушателя. То, что кажется в подходе этой группы очевидным и даже банальным, внезапно не поддаётся буквальному описанию; то, что кажется прекрасно-вычурным, при ближайшем рассмотрении куда брутальнее; то, что сказано — не получается понимать дословно. И причина этого — в том, что Nova не отрабатывают напыщенную концепцию, а по-настоящему свободно чувствуют себя в музыкальном поле, на которое им довелось зайти; музыкантам комфортно, и это не только чувствуется, но и захватывает.

Лидер группы — молодой гитарист-вундеркинд Кристиан Дзатта, начавший совмещать обычное школьное образование с профессиональной специализацией уже в возрасте одиннадцати лет (в этом году он и перешёл к формальному обучению музыке, и основал свой первый коллектив). Первые годы его деятельности — характерный для подростка поиск себя одновременно в блюзе, рок-музыке, проба себя в качестве вокалиста (пять лет в хоре The Harmonics). Дзатта, которому сегодня едва исполнителось двадцать пять, вообще успел довольно многое в плане профессиональной карьеры в те годы, когда нормальному европейцу ещё положено лишь начинать учиться. Безусловно, основная масса групп с его участием по очевидным причинам соответствовала в этот период в лучшем случае лишь национальному уровню известности. Однако для многих даже такой старт стал причиной отставаний и пауз в образовании, Дзатта же прошёл без задержек все ступени швейцарской музыкальной школы: сегодня у него на счету степень бакалавра искусств по специальности «Джазовая музыка» и магистерская степень как исполнителя и композитора. Преподаватели Дзатты — авторитетные европейские педагоги Франк Мёбус, Калле Калима, Джессе ван Рулер. Несколько месяцев, проведённых в Нью-Йорке, позволили ему повысить своё мастерство в частных занятиях с такими грандами, как Гилад Хексельман и Майк Стерн. Уровень Дзатты как гитариста сегодня уже подтверждён и формально — эндорсерским контрактом с производителем усилителей LaBoga.

Проект Nova, запущенный в 2018-м году, в ноябре того же года выпустил свою первую запись «The Intergalactic Traveler», а в январе 2019-го отправился в первый международный тур, выступив в Австрии и Германии. По задумке музыкантов, каждый концерт Nova — это построение (или, скорее, визуализация для слушателя) некоей новой галактики, в которой непростая смесь джазовой импровизации, рокерской энергии и электронной обработки звука позволяют открыть для себя совершенно новый мир. Термин «визуализация» применительно к музыке не случаен: басист коллектива Флориан Боллигер создаёт специальный видеоряд, настраивающий на определённые образы.

Любопытен тот факт, что в состав трио Дзаттой привлекаются очень разные музыканты. Играющий с ним сегодня многообещающий басист Флориан Боллигер — одногодок самого Кристиана, не менее активный на современной джазовой и рок-сцене Швейцарии, но не такой ответственный в формальных достижениях (над своей магистерской степенью он ещё работает). А вот за барабанами группы побывал не кто иной, как Марк Халбхир — это уже очень серьёзное свидетельство того, что Nova и правда радикально выделяется из числа «молодых» и «подающих надежды» групп. Халбхиру на тот момент было уже за пятьдесят, в его послужном списке работа в коллективах калибра Vienna Art Orchestra, записи и выступления с выдающимися мастерами уровня Кристи Дорана, Хорхе Пардо, Арильда Андерсена — и, что добавляет ситуации настоящего безумия, с петербургским гусляром Максимом Анухиным.

Впрочем, на записи первого альбома Nova работал другой барабанщик, Даниэль Шухтер, а после пары лет работы с мэтром Nova вновь пересмотрела состав: сегодня за ударными — Флориан Хёсль, человек не менее своеобразный. Помимо формального обучения музыке (чем трудно удивить, говоря о профессиональном музыканте), Флориан активно занимается научными изысканиями в околомузыкальной области. Одна из его последних работ, выполненная в соавторстве с люцернским профессором, называется «Моделирование осознанного синкопирования в типичных партиях ударных популярной музыки».

Словом, от концерта Nova можно ожидать чего угодно, но точно не предсказуемого джаз-рока. Электрический монах знает, о чём говорит.

Пресса

  • «… это и правда ведёт вас в межзвёздное путешествие; …если вы цените умело скроенную инструментальную музыку, то этот альбом, который вам нужен. Вы не разочаруетесь» (The Progressive Aspect, США)
  • «… эта музыка — не что-то выученное наизусть, она сохраняет сырой, аналоговый характер, определяющий развитие импровизации» (Rontaler.CH)
  • «… все трое — большие мастера своих инструментов, не ограниченные стилями и направлениями» (Schaffhauser Nachrichten, Швейцария)

Опубликовано

28.11.2019, Тула, «Типография»: NOVA (Швейцария)

Кристиан Дзатта (Christian Zatta), гитара, композиция
Флориан Боллигер (Florian Bolliger), бас-гитара, видеоряд
Флориан Хёсль (Florian Hoesl), ударные

Гитара, бас и барабаны — это слишком просто. Трио NOVA описывает себя иначе: «Межзвёздный странник, электрический монах в облаке космической пыли, пронизанной солнечным светом. Батареи почти пусты, и он думает про себя: «ах, чёрт!».

В оригинальной версии «электрический монах» выражается, впрочем, куда энергичнее. В неловкости перевода его слов на общеупотребительный русский — хороший ключ к пониманию того, какое впечатление Nova производит на слушателя. То, что кажется в подходе этой группы очевидным и даже банальным, внезапно не поддаётся буквальному описанию; то, что кажется прекрасно-вычурным, при ближайшем рассмотрении куда брутальнее; то, что сказано — не получается понимать дословно. И причина этого — в том, что Nova не отрабатывают напыщенную концепцию, а по-настоящему свободно чувствуют себя в музыкальном поле, на которое им довелось зайти; музыкантам комфортно, и это не только чувствуется, но и захватывает.

Лидер группы — молодой гитарист-вундеркинд Кристиан Дзатта, начавший совмещать обычное школьное образование с профессиональной специализацией уже в возрасте одиннадцати лет (в этом году он и перешёл к формальному обучению музыке, и основал свой первый коллектив). Первые годы его деятельности — характерный для подростка поиск себя одновременно в блюзе, рок-музыке, проба себя в качестве вокалиста (пять лет в хоре The Harmonics). Дзатта, которому сегодня едва исполнителось двадцать пять, вообще успел довольно многое в плане профессиональной карьеры в те годы, когда нормальному европейцу ещё положено лишь начинать учиться. Безусловно, основная масса групп с его участием по очевидным причинам соответствовала в этот период в лучшем случае лишь национальному уровню известности. Однако для многих даже такой старт стал причиной отставаний и пауз в образовании, Дзатта же прошёл без задержек все ступени швейцарской музыкальной школы: сегодня у него на счету степень бакалавра искусств по специальности «Джазовая музыка» и магистерская степень как исполнителя и композитора. Преподаватели Дзатты — авторитетные европейские педагоги Франк Мёбус, Калле Калима, Джессе ван Рулер. Несколько месяцев, проведённых в Нью-Йорке, позволили ему повысить своё мастерство в частных занятиях с такими грандами, как Гилад Хексельман и Майк Стерн. Уровень Дзатты как гитариста сегодня уже подтверждён и формально — эндорсерским контрактом с производителем усилителей LaBoga.

Проект Nova, запущенный в 2018-м году, в ноябре того же года выпустил свою первую запись «The Intergalactic Traveler», а в январе 2019-го отправился в первый международный тур, выступив в Австрии и Германии. По задумке музыкантов, каждый концерт Nova — это построение (или, скорее, визуализация для слушателя) некоей новой галактики, в которой непростая смесь джазовой импровизации, рокерской энергии и электронной обработки звука позволяют открыть для себя совершенно новый мир. Термин «визуализация» применительно к музыке не случаен: басист коллектива Флориан Боллигер создаёт специальный видеоряд, настраивающий на определённые образы.

Любопытен тот факт, что в состав трио Дзаттой привлекаются очень разные музыканты. Играющий с ним сегодня многообещающий басист Флориан Боллигер — одногодок самого Кристиана, не менее активный на современной джазовой и рок-сцене Швейцарии, но не такой ответственный в формальных достижениях (над своей магистерской степенью он ещё работает). А вот за барабанами группы побывал не кто иной, как Марк Халбхир — это уже очень серьёзное свидетельство того, что Nova и правда радикально выделяется из числа «молодых» и «подающих надежды» групп. Халбхиру на тот момент было уже за пятьдесят, в его послужном списке работа в коллективах калибра Vienna Art Orchestra, записи и выступления с выдающимися мастерами уровня Кристи Дорана, Хорхе Пардо, Арильда Андерсена — и, что добавляет ситуации настоящего безумия, с петербургским гусляром Максимом Анухиным.

Впрочем, на записи первого альбома Nova работал другой барабанщик, Даниэль Шухтер, а после пары лет работы с мэтром Nova вновь пересмотрела состав: сегодня за ударными — Флориан Хёсль, человек не менее своеобразный. Помимо формального обучения музыке (чем трудно удивить, говоря о профессиональном музыканте), Флориан активно занимается научными изысканиями в околомузыкальной области. Одна из его последних работ, выполненная в соавторстве с люцернским профессором, называется «Моделирование осознанного синкопирования в типичных партиях ударных популярной музыки».

Словом, от концерта Nova можно ожидать чего угодно, но точно не предсказуемого джаз-рока. Электрический монах знает, о чём говорит.

Пресса

  • «… это и правда ведёт вас в межзвёздное путешествие; …если вы цените умело скроенную инструментальную музыку, то этот альбом, который вам нужен. Вы не разочаруетесь» (The Progressive Aspect, США)
  • «… эта музыка — не что-то выученное наизусть, она сохраняет сырой, аналоговый характер, определяющий развитие импровизации» (Rontaler.CH)
  • «… все трое — большие мастера своих инструментов, не ограниченные стилями и направлениями» (Schaffhauser Nachrichten, Швейцария)

Опубликовано

21.11.2019, Екатеринбург, Everjazz: LEO ABRHAMS (Великобритания)

Лео Абрахамс — английский гитарист, композитор, аранжировщик и саунд-продюсер, крайне плодотворно работающий в диаметрально противоположных музыкальных направлениях. Среди тех, с кем он сотрудничал в разное время — артисты радикально полярные: Имоджен Хип (звезда современной инди-эстрады), Дэвид Холмс (известнейший электронщик и диджей), Пол Саймон (тот самый, из легендарного дуэта «Simon & Garfunkel»), а также ряд лидеров, в отношении которых рекомендации и пояснения попросту не нужны — Мэриэн Фейтфул, Ник Кейв, Брайан Ино, Адель, Эд Ширан, Энни Леннокс, Брайан Ферри, Сил… Музыка с его участием звучит в множестве известных фильмов — среди них такие блокбастеры, как франшиза о «друзьях Оушена», «Код 46», «Милые кости», ряд европейских работ. В общем и целом к середине 2019-го года дискография Абрахамса, творческая карьера которого к тому моменту едва насчитывала два десятилетия, включает более 350 работ.

Сольные альбомы Лео как полноценного лидера — это интересная собственная микро-вселенная, в которой сможет сориентироваться только специалист. Абрахамс, как и многие активно творящие представители музыкальной индустрии XXI века, далёк от стремительно устаревающего формального мышления золотой эры звукозаписи. У него есть, разумеется, «классически» изданные альбомы — выходившие на известных и не очень лейблах в виде компакт-дисков и винила. Например, почти фолк-бардовский (хотя и инструментальный) «Honeytrap» 2005-го года; амбиентный «Scene Memory» 2006-го; перемешавший все подвиды современного инди-рока и электроники «The Unrest Cure» 2008-го с множеством приглашённых вокалистов и вокалистов; прекрасный и негромкий «The Grape And The Grain» 2009-го; «DayLight» 2015-го и так далее. Но есть и множество чисто цифровых релизов, некоторые из которых кажутся поначалу чуть ли не издёвкой (например, «Guitar Stuff» 2008-го, на котором звучит исключительно обработанная гитара и которую сам автор иронически характеризует как «обрывки, кусочки, тестирование оборудования и вообще занятие всякой ерундой»). Есть короткие альбомы, по старой классификации подаваемые как EP. Есть созданная только и исключительно Лео музыка для фильмов, которую сложно воспринимать в отрыве от видеоряда. И есть видеоклипы, над которыми он работал едва ли с меньшей отдачей, чем над чистым аудио.

Уникальность Абрахамса именно в том, что при кажущейся всеядности в музыке он ни на секунду не оказывался статистом, нанятым студийным музыкантом. Происходящие с ним в музыке истории по-настоящему хороши и кинематографичны. Например, «прослушивание» у знаменитого Эда Харкурта, когда Абрахамс получил одну из первых своих работ просто положительным ответом на вопрос «нравится ли тебе Том Уэйтс». Или знакомство с поистине легендарным Брайаном Ино, положившее начало многолетней дружбе и сотрудничеству: «…я пробовал гитару в одном магазине в Ноттинг-Хилле, туда зашёл Брайан Ино, ему понравилось, что я не играл «Stairway To Heaven» на максимально возможной громкости, и он пригласил меня сыграть на его альбоме». Абрахамс — человек удивительной музыкальности и открытости, чья вовлечённость в исполняемую музыку навсегда влюбляет в него и слушателей, и коллег, и продюсеров, и (в терминах более прямых) работодателей. В середине 2010-х его востребованность оказалась столь велика, что Лео буквально неделями не выходил из дома, круглосуточно работая в собственной студии над всеми мыслимыми проектами одновременно. А в списке его работ появлялись в итоге то записи с Лондонским филармоническим оркестром, то запись гитары для Бориса Гребенщикова (!). Последнее, впрочем, неслучайно: Абрахамс называет себя русофилом, учит русский (и временами даже использует его на концертах, декламируя непростые эмоциональные тексты). Одна из последних его работ, вновь в сотрудничестве с Брайаном Ино — это работа над одиозным проектом «Дау» Ильи Хржановского, которая сама по себе вызывает беспрецедентный интерес и пока в принципе не планируется к показу на российской территории…

Абрахамс неоднократно бывал в России с разными составами (например, с Roxy Music), а в 2008 году был приглашён «МузЭнерго» впервые в своей истории именно как сольный артист. Показанная им программа альбома «Scene Memory» встретила потрясающий приём у российской публики. Со слов самого Лео, он был настолько вдохновлён слушателями, что уже в аэропорте, в ожидании рейса в Лондон, написал три новых композиции. В 2014-м ему удалось вернуться вновь и принять участие в «МузЭнергоТуре» в дуэте с барабанщиком Крисом Ваталаро. В 2019-м Абрахамс вновь едет в Россию с большим сольным туром, поддержанным Посольством Великобритании в Москве в рамках «Года музыки — 2019». В этом туре Лео будет показывать свою актуальную программу (преимущественно гитарно-электронный амбиент) и, в некоторых городах, приглашать на сцену российских коллег, разделяющих его эстетические взгляды. Нас ожидает серия совершенно уникальный и не повторяющихся по содержанию концертов самой что ни на есть актуальной и осмысленной музыки, создаваемой одним из ключевых персонажей Лондона — этой музыкальной Мекки сегодняшнего дня.

Опубликовано

25.11.2019, Красноярск, КГИИ: LEO ABRAHAMS (Великобритания)

Лео Абрахамс — английский гитарист, композитор, аранжировщик и саунд-продюсер, крайне плодотворно работающий в диаметрально противоположных музыкальных направлениях. Среди тех, с кем он сотрудничал в разное время — артисты радикально полярные: Имоджен Хип (звезда современной инди-эстрады), Дэвид Холмс (известнейший электронщик и диджей), Пол Саймон (тот самый, из легендарного дуэта «Simon & Garfunkel»), а также ряд лидеров, в отношении которых рекомендации и пояснения попросту не нужны — Мэриэн Фейтфул, Ник Кейв, Брайан Ино, Адель, Эд Ширан, Энни Леннокс, Брайан Ферри, Сил… Музыка с его участием звучит в множестве известных фильмов — среди них такие блокбастеры, как франшиза о «друзьях Оушена», «Код 46», «Милые кости», ряд европейских работ. В общем и целом к середине 2019-го года дискография Абрахамса, творческая карьера которого к тому моменту едва насчитывала два десятилетия, включает более 350 работ.

Сольные альбомы Лео как полноценного лидера — это интересная собственная микро-вселенная, в которой сможет сориентироваться только специалист. Абрахамс, как и многие активно творящие представители музыкальной индустрии XXI века, далёк от стремительно устаревающего формального мышления золотой эры звукозаписи. У него есть, разумеется, «классически» изданные альбомы — выходившие на известных и не очень лейблах в виде компакт-дисков и винила. Например, почти фолк-бардовский (хотя и инструментальный) «Honeytrap» 2005-го года; амбиентный «Scene Memory» 2006-го; перемешавший все подвиды современного инди-рока и электроники «The Unrest Cure» 2008-го с множеством приглашённых вокалистов и вокалистов; прекрасный и негромкий «The Grape And The Grain» 2009-го; «DayLight» 2015-го и так далее. Но есть и множество чисто цифровых релизов, некоторые из которых кажутся поначалу чуть ли не издёвкой (например, «Guitar Stuff» 2008-го, на котором звучит исключительно обработанная гитара и которую сам автор иронически характеризует как «обрывки, кусочки, тестирование оборудования и вообще занятие всякой ерундой»). Есть короткие альбомы, по старой классификации подаваемые как EP. Есть созданная только и исключительно Лео музыка для фильмов, которую сложно воспринимать в отрыве от видеоряда. И есть видеоклипы, над которыми он работал едва ли с меньшей отдачей, чем над чистым аудио.

Уникальность Абрахамса именно в том, что при кажущейся всеядности в музыке он ни на секунду не оказывался статистом, нанятым студийным музыкантом. Происходящие с ним в музыке истории по-настоящему хороши и кинематографичны. Например, «прослушивание» у знаменитого Эда Харкурта, когда Абрахамс получил одну из первых своих работ просто положительным ответом на вопрос «нравится ли тебе Том Уэйтс». Или знакомство с поистине легендарным Брайаном Ино, положившее начало многолетней дружбе и сотрудничеству: «…я пробовал гитару в одном магазине в Ноттинг-Хилле, туда зашёл Брайан Ино, ему понравилось, что я не играл «Stairway To Heaven» на максимально возможной громкости, и он пригласил меня сыграть на его альбоме». Абрахамс — человек удивительной музыкальности и открытости, чья вовлечённость в исполняемую музыку навсегда влюбляет в него и слушателей, и коллег, и продюсеров, и (в терминах более прямых) работодателей. В середине 2010-х его востребованность оказалась столь велика, что Лео буквально неделями не выходил из дома, круглосуточно работая в собственной студии над всеми мыслимыми проектами одновременно. А в списке его работ появлялись в итоге то записи с Лондонским филармоническим оркестром, то запись гитары для Бориса Гребенщикова (!). Последнее, впрочем, неслучайно: Абрахамс называет себя русофилом, учит русский (и временами даже использует его на концертах, декламируя непростые эмоциональные тексты). Одна из последних его работ, вновь в сотрудничестве с Брайаном Ино — это работа над одиозным проектом «Дау» Ильи Хржановского, которая сама по себе вызывает беспрецедентный интерес и пока в принципе не планируется к показу на российской территории…

Абрахамс неоднократно бывал в России с разными составами (например, с Roxy Music), а в 2008 году был приглашён «МузЭнерго» впервые в своей истории именно как сольный артист. Показанная им программа альбома «Scene Memory» встретила потрясающий приём у российской публики. Со слов самого Лео, он был настолько вдохновлён слушателями, что уже в аэропорте, в ожидании рейса в Лондон, написал три новых композиции. В 2014-м ему удалось вернуться вновь и принять участие в «МузЭнергоТуре» в дуэте с барабанщиком Крисом Ваталаро. В 2019-м Абрахамс вновь едет в Россию с большим сольным туром, поддержанным Посольством Великобритании в Москве в рамках «Года музыки — 2019». В этом туре Лео будет показывать свою актуальную программу (преимущественно гитарно-электронный амбиент) и, в некоторых городах, приглашать на сцену российских коллег, разделяющих его эстетические взгляды. Нас ожидает серия совершенно уникальный и не повторяющихся по содержанию концертов самой что ни на есть актуальной и осмысленной музыки, создаваемой одним из ключевых персонажей Лондона — этой музыкальной Мекки сегодняшнего дня.

Опубликовано

26.11.2019, Дубна, «АрхиТеатр Media Lounge»: LEO ABRAHAMS (Великобритания)

Лео Абрахамс — английский гитарист, композитор, аранжировщик и саунд-продюсер, крайне плодотворно работающий в диаметрально противоположных музыкальных направлениях. Среди тех, с кем он сотрудничал в разное время — артисты радикально полярные: Имоджен Хип (звезда современной инди-эстрады), Дэвид Холмс (известнейший электронщик и диджей), Пол Саймон (тот самый, из легендарного дуэта «Simon & Garfunkel»), а также ряд лидеров, в отношении которых рекомендации и пояснения попросту не нужны — Мэриэн Фейтфул, Ник Кейв, Брайан Ино, Адель, Эд Ширан, Энни Леннокс, Брайан Ферри, Сил… Музыка с его участием звучит в множестве известных фильмов — среди них такие блокбастеры, как франшиза о «друзьях Оушена», «Код 46», «Милые кости», ряд европейских работ. В общем и целом к середине 2019-го года дискография Абрахамса, творческая карьера которого к тому моменту едва насчитывала два десятилетия, включает более 350 работ.

Сольные альбомы Лео как полноценного лидера — это интересная собственная микро-вселенная, в которой сможет сориентироваться только специалист. Абрахамс, как и многие активно творящие представители музыкальной индустрии XXI века, далёк от стремительно устаревающего формального мышления золотой эры звукозаписи. У него есть, разумеется, «классически» изданные альбомы — выходившие на известных и не очень лейблах в виде компакт-дисков и винила. Например, почти фолк-бардовский (хотя и инструментальный) «Honeytrap» 2005-го года; амбиентный «Scene Memory» 2006-го; перемешавший все подвиды современного инди-рока и электроники «The Unrest Cure» 2008-го с множеством приглашённых вокалистов и вокалистов; прекрасный и негромкий «The Grape And The Grain» 2009-го; «DayLight» 2015-го и так далее. Но есть и множество чисто цифровых релизов, некоторые из которых кажутся поначалу чуть ли не издёвкой (например, «Guitar Stuff» 2008-го, на котором звучит исключительно обработанная гитара и которую сам автор иронически характеризует как «обрывки, кусочки, тестирование оборудования и вообще занятие всякой ерундой»). Есть короткие альбомы, по старой классификации подаваемые как EP. Есть созданная только и исключительно Лео музыка для фильмов, которую сложно воспринимать в отрыве от видеоряда. И есть видеоклипы, над которыми он работал едва ли с меньшей отдачей, чем над чистым аудио.

Уникальность Абрахамса именно в том, что при кажущейся всеядности в музыке он ни на секунду не оказывался статистом, нанятым студийным музыкантом. Происходящие с ним в музыке истории по-настоящему хороши и кинематографичны. Например, «прослушивание» у знаменитого Эда Харкурта, когда Абрахамс получил одну из первых своих работ просто положительным ответом на вопрос «нравится ли тебе Том Уэйтс». Или знакомство с поистине легендарным Брайаном Ино, положившее начало многолетней дружбе и сотрудничеству: «…я пробовал гитару в одном магазине в Ноттинг-Хилле, туда зашёл Брайан Ино, ему понравилось, что я не играл «Stairway To Heaven» на максимально возможной громкости, и он пригласил меня сыграть на его альбоме». Абрахамс — человек удивительной музыкальности и открытости, чья вовлечённость в исполняемую музыку навсегда влюбляет в него и слушателей, и коллег, и продюсеров, и (в терминах более прямых) работодателей. В середине 2010-х его востребованность оказалась столь велика, что Лео буквально неделями не выходил из дома, круглосуточно работая в собственной студии над всеми мыслимыми проектами одновременно. А в списке его работ появлялись в итоге то записи с Лондонским филармоническим оркестром, то запись гитары для Бориса Гребенщикова (!). Последнее, впрочем, неслучайно: Абрахамс называет себя русофилом, учит русский (и временами даже использует его на концертах, декламируя непростые эмоциональные тексты). Одна из последних его работ, вновь в сотрудничестве с Брайаном Ино — это работа над одиозным проектом «Дау» Ильи Хржановского, которая сама по себе вызывает беспрецедентный интерес и пока в принципе не планируется к показу на российской территории…

Абрахамс неоднократно бывал в России с разными составами (например, с Roxy Music), а в 2008 году был приглашён «МузЭнерго» впервые в своей истории именно как сольный артист. Показанная им программа альбома «Scene Memory» встретила потрясающий приём у российской публики. Со слов самого Лео, он был настолько вдохновлён слушателями, что уже в аэропорте, в ожидании рейса в Лондон, написал три новых композиции. В 2014-м ему удалось вернуться вновь и принять участие в «МузЭнергоТуре» в дуэте с барабанщиком Крисом Ваталаро. В 2019-м Абрахамс вновь едет в Россию с большим сольным туром, поддержанным Посольством Великобритании в Москве в рамках «Года музыки — 2019». В этом туре Лео будет показывать свою актуальную программу (преимущественно гитарно-электронный амбиент) и, в некоторых городах, приглашать на сцену российских коллег, разделяющих его эстетические взгляды. Нас ожидает серия совершенно уникальный и не повторяющихся по содержанию концертов самой что ни на есть актуальной и осмысленной музыки, создаваемой одним из ключевых персонажей Лондона — этой музыкальной Мекки сегодняшнего дня.

Опубликовано

12.11.2019, Иркутск, The Rocks: WOODOISM (Швейцария)

Лайнус Амстад (Linus Amstad), альт-саксофон
Флориан Вайсс (Florian Weiss), тромбон, композиция
Валентин фон Фишер (Valentin von Fischer), контрабас
Филипп Лейбундгут (Philipp Leibundgut), ударные

Критикам не удаётся уйти от очевидной отсылки в названии коллектива: для большинства из них Woodoism — это «колдовство, шаманское камлание, экстатический ритуал». Для тех, кто менее склонен к банальностям, Woodoism — это скорее вдохновлённая работа с формой, придание вполне общеупотребительному инструментальному материалу новых смыслов за счёт отточенности его подачи, искренней влюблённости и вживлённости в него.

Лидер молодого швейцарского квартета и автор исполняемой музыки — тромбонист Флориан Вайсс. Ему нет и тридцати, однако на швейцарской сцене он уже успел наделать изрядного шума — как в прямом, так и в переносном смысле. В 2010-м Вайсс закончил среднюю школу, уже выбрав в качестве специализации музыку и получив соответствующий дополнительный сертификат. Затем продолжил образование на джазовом факультете бернского Университета Искусств, получил степень магистра и перебрался в Университет Люцерна для дальнейшего совершенствования (диплом с отличием в 2017-м). На этом возможные ступени формального обучения музыке в Швейцарии попросту закончились, но Вайсс пошёл дальше и три месяца повышал квалификацию в Нью-Йорке. Неудивительно, что при таком рвении его успехи выразились не только в активной концертной деятельности, но и в официальных премиях, наградах и дипломах. Начиная с 2014-го, в жизни Вайсса какой-нибудь большой приз национального значения делается обязателен: попадание в проект «All Stars» швейцарской ассоциации джазового образования (2014), включение в специальный тур «Best of Swiss Jazz Bachelors» как раз с группой Woodoism в 2015-м, именные стипендии фонда Хиршмана (2015) и фонда Фридл Вальд (2016), выступление в качестве представителя люцернского университета на встрече Международной ассоциации джазовых школ в итальянской Сиенне (2017) и, наконец, «золотой дубль» — победа и одновременно приз зрительских симпатий на престижнейшем швейцарском конкурсе ZKB в 2018-м.

Помимо Woodoism, Вайсс как один из лидеров плотно задействован в необычном проекте La Môme (с кларнетистом Филиппом Хиллебрандом и барабанщиком Клеменсом Куратле; это трио посвящено новоджазовому прочтению творчества Эдит Пиаф и посетило Россию в 2018-м году). Что до коллективов с его участием, где лидерские функции на других — их огромное количество: здесь и собственные группы таких авторитетов, как Джулиан Сарториус и Лукас Ниггли, и Джазовый Оркестр Люцерна, и постановки Цюрихского оперного театра. Впрочем, в перечислении таких регалий от него не отстанут и остальные участники группы (а басист Валентин фон Фишер, например, может похвастаться тем, что и сам проехал пол-России в 2015-м году в составе Shady Midnight Orchestra).

Woodoism же был основан в 2014-м и, что любопытно, не претерпел с тех пор изменения состава, что говорит о многом. Основной идеей Вайса было исполнение репертуара, который он сам называл «игривой камерной музыкой в стилистике документального кино». Почему именно документального, а не кино в целом — остаётся только догадываться (впрочем, отчасти само это позиционирование тоже игриво). Квартет без гармонического инструмента взял на себя довольно непростую задачу, учитывая, насколько далека его стилистика от авангарда и свободного джаза, где такой недостаток мог бы быть объяснён вычурной концепцией. Однако выстраиваемые музыкантами аккорды из всего лишь трёх нот (тромбона, саксофона и контрабаса) оказались на практике достаточно искушёнными, а музыка Woodoism, словно бы вынужденная разнообразиться изнутри, по-хорошему цепляет. Как писал кто-то из рецензентов, «квартет бродит по зарослям джаза, но музыканты могут пролить свет даже в самые тёмные места этих зарослей, и они не отпускают руки слушателя; вы следите за группой и можете видеть, как простая с виду мысль молодого лидера превращается в полноценное повествование».

Woodoism гастролировал по Швейцарии уже в 2015-м в рамках программы «Best of Swiss Jazz Bachelors», отбор в которую проводила образовательная ассоциация DKSJ, а вскоре после этого побывал с концертами в Венгрии. Весной 2017-го квартет представил свой первый альбом (названный просто «Woodoism») и провёл обширный тур по Швейцарии и Германии. В начале 2019-го коллектив принял участие в престижном «сетевом» фестивале Suisse Diagonal, в рамках которого несколько наиболее интересных молодых групп выступают с концертами в ключевых джазовых залах страны. А в конце февраля 2019 года «Woodoism» объявили о завершении записи второго альбома, работа над которым велась на легендарной немецкой студии Bauer. Он будет выпущен в свет в сентябре и получит названием «Refugium».


Пресса

  • «… настоящий кайф от первого до последнего звука; самая настоящая развлекательная музыка, склеенная из чрезвычайно умных, забавных и разнообразных композиций» (Steff Rohrbach, «Jazz’n’More», 2017)
  • «… тонкая полифония, взломанная ритм-секцией с большим остроумием и темпераментом» (Peter Rüedi, «Weltwoche»)
  • «… элегантная бравада» (Tom Gsteiger, «Der Bund»)

Опубликовано

24.10.2019, Красноярск, КГИИ: JONAS CAMBIEN TRIO (Норвегия/Бельгия)

Jonas Cambien (Йонас Камбиен), фортепиано
Andre Roligheten (Андре Ролигетен), саксофоны
Andreas Wildhagen (Андреас Вилдхаген), ударные

Для специалистов «скандинавский джаз» — термин, не требующий пояснений: холодность, пронзительность, хрупкость и аскетичная красота. Трио Йонаса Камбиена — тот случай, когда в рецепт добавлено достаточно истинной и естественной оригинальности; если корифеи жанра почивают на лаврах и привыкают с баснословным гонорарам, Камбиен продолжает прогрессировать и остаётся открыт и доступен для самых неожиданных залов.

Первая гастрольная поездка по России новоджазового трио пианиста Йонаса Камбиена состоялась в ноябре 2016 года. В Россию этого лидера давно и активно рекомендовал его преподаватель в музыкальной академии Осло, знаменитый пианист советского происхождения Михаил Альперин, участник нашумевшего Moscow Art Trio, с 1991 года живущий и работающий в Норвегии. В 2011-м году группа Karokh под руководством Камбиена посетила Москву в рамках студенческого обмена и установила творческие связи, позволившие говорить о возвращении уже в профессиональном качестве, с новым авторским коллективом высокого уровня.

Трио Камбиена не только демонстрирует оригинальность творческих идей и силу молодого поколения норвежских джазменов, но и служит свидетельством успеха социальных и политических принципов объединённой Европы. Бельгиец по происхождению и гражданству, Камбиен прошёл обучение музыке в Музыкальной академии Осло и фактически состоялся как импровизатор и профессиональный артист именно в Норвегии. Работая с сильнейшими представителями норвежского джаза и будучи вовлечён в несколько разнотипных проектов, со своим трио он выпускает альбом на одном из наиболее авторитетных в этой области лейблов Clean Feed, базирующемся в Португалии. Появление трио в России, помимо очевидной цели развития своего интернационального присутствия, является для Камбиена доказательством состоятельности идей общекультурной и художественной толерантности, в которых географическое присутствие важно и содержательно характерно, но не в той степени, которая начала бы ограничивать свободу творчества и способы артистического развития.

Дебютный альбом трио описывается критиками как крайне любопытная смесь идей современного джаза и «корневого фольклора несуществующих стран» (да-да, именно так). Надо полагать, что в виду имеется в первую очередь единый для самых разных слушателей культурный фундамент, восходящий к свободному развитию песенной формы и основанный на импровизации – то, что в знаменитом бородатом анекдоте описывается фразой «что вижу, о том и пою». Но Камбиен с товарищами видят, как и положено образованному современному музыканту, довольно много. А поют об этом – вернее, разумеется, играют – мастерски, без эксцентрических излишеств и экспериментирования ради эксперимента.

Первые концерты трио в России, организованные при поддержке Посольства Норвегии в РФ, прошли на престижных сценах Москвы и Петербурга и доказали, что Камбиен как лидер — поистине уникальное явление: он способен органично вовлечь в музыку не только разношёрстную, но и весьма объёмную аудиторию — которую, в отличие от среднестатического «авангардиста», удерживает до конца концерта, а не до конца композиции, когда можно покинуть зал. Трио Камбиена — это, без преувеличения, качественно новый формат в первую очередь для крупных площадок, которым кажутся рискованными эксперименты с новой музыкой: именно в случае с Камбиеном результаты могут превзойти все ожидания.

Опубликовано

07.11.2019, Владимир, Grey Whale. WOODOISM (Швейцария)

Лайнус Амстад (Linus Amstad), альт-саксофон
Флориан Вайсс (Florian Weiss), тромбон, композиция
Валентин фон Фишер (Valentin von Fischer), контрабас
Филипп Лейбундгут (Philipp Leibundgut), ударные

Критикам не удаётся уйти от очевидной отсылки в названии коллектива: для большинства из них Woodoism — это «колдовство, шаманское камлание, экстатический ритуал». Для тех, кто менее склонен к банальностям, Woodoism — это скорее вдохновлённая работа с формой, придание вполне общеупотребительному инструментальному материалу новых смыслов за счёт отточенности его подачи, искренней влюблённости и вживлённости в него.

Лидер молодого швейцарского квартета и автор исполняемой музыки — тромбонист Флориан Вайсс. Ему нет и тридцати, однако на швейцарской сцене он уже успел наделать изрядного шума — как в прямом, так и в переносном смысле. В 2010-м Вайсс закончил среднюю школу, уже выбрав в качестве специализации музыку и получив соответствующий дополнительный сертификат. Затем продолжил образование на джазовом факультете бернского Университета Искусств, получил степень магистра и перебрался в Университет Люцерна для дальнейшего совершенствования (диплом с отличием в 2017-м). На этом возможные ступени формального обучения музыке в Швейцарии попросту закончились, но Вайсс пошёл дальше и три месяца повышал квалификацию в Нью-Йорке. Неудивительно, что при таком рвении его успехи выразились не только в активной концертной деятельности, но и в официальных премиях, наградах и дипломах. Начиная с 2014-го, в жизни Вайсса какой-нибудь большой приз национального значения делается обязателен: попадание в проект «All Stars» швейцарской ассоциации джазового образования (2014), включение в специальный тур «Best of Swiss Jazz Bachelors» как раз с группой Woodoism в 2015-м, именные стипендии фонда Хиршмана (2015) и фонда Фридл Вальд (2016), выступление в качестве представителя люцернского университета на встрече Международной ассоциации джазовых школ в итальянской Сиенне (2017) и, наконец, «золотой дубль» — победа и одновременно приз зрительских симпатий на престижнейшем швейцарском конкурсе ZKB в 2018-м.

Помимо Woodoism, Вайсс как один из лидеров плотно задействован в необычном проекте La Môme (с кларнетистом Филиппом Хиллебрандом и барабанщиком Клеменсом Куратле; это трио посвящено новоджазовому прочтению творчества Эдит Пиаф и посетило Россию в 2018-м году). Что до коллективов с его участием, где лидерские функции на других — их огромное количество: здесь и собственные группы таких авторитетов, как Джулиан Сарториус и Лукас Ниггли, и Джазовый Оркестр Люцерна, и постановки Цюрихского оперного театра. Впрочем, в перечислении таких регалий от него не отстанут и остальные участники группы (а басист Валентин фон Фишер, например, может похвастаться тем, что и сам проехал пол-России в 2015-м году в составе Shady Midnight Orchestra).

Woodoism же был основан в 2014-м и, что любопытно, не претерпел с тех пор изменения состава, что говорит о многом. Основной идеей Вайса было исполнение репертуара, который он сам называл «игривой камерной музыкой в стилистике документального кино». Почему именно документального, а не кино в целом — остаётся только догадываться (впрочем, отчасти само это позиционирование тоже игриво). Квартет без гармонического инструмента взял на себя довольно непростую задачу, учитывая, насколько далека его стилистика от авангарда и свободного джаза, где такой недостаток мог бы быть объяснён вычурной концепцией. Однако выстраиваемые музыкантами аккорды из всего лишь трёх нот (тромбона, саксофона и контрабаса) оказались на практике достаточно искушёнными, а музыка Woodoism, словно бы вынужденная разнообразиться изнутри, по-хорошему цепляет. Как писал кто-то из рецензентов, «квартет бродит по зарослям джаза, но музыканты могут пролить свет даже в самые тёмные места этих зарослей, и они не отпускают руки слушателя; вы следите за группой и можете видеть, как простая с виду мысль молодого лидера превращается в полноценное повествование».

Woodoism гастролировал по Швейцарии уже в 2015-м в рамках программы «Best of Swiss Jazz Bachelors», отбор в которую проводила образовательная ассоциация DKSJ, а вскоре после этого побывал с концертами в Венгрии. Весной 2017-го квартет представил свой первый альбом (названный просто «Woodoism») и провёл обширный тур по Швейцарии и Германии. В начале 2019-го коллектив принял участие в престижном «сетевом» фестивале Suisse Diagonal, в рамках которого несколько наиболее интересных молодых групп выступают с концертами в ключевых джазовых залах страны. А в конце февраля 2019 года «Woodoism» объявили о завершении записи второго альбома, работа над которым велась на легендарной немецкой студии Bauer. Он будет выпущен в свет в сентябре и получит названием «Refugium».

Пресса

  • «… настоящий кайф от первого до последнего звука; самая настоящая развлекательная музыка, склеенная из чрезвычайно умных, забавных и разнообразных композиций» (Steff Rohrbach, «Jazz’n’More», 2017)
  • «… тонкая полифония, взломанная ритм-секцией с большим остроумием и темпераментом» (Peter Rüedi, «Weltwoche»)
  • «… элегантная бравада» (Tom Gsteiger, «Der Bund»)

Опубликовано

15.11.2019, Воронеж, КК «Петровский». LEO ABRAHAMS (Великобритания)

Лео Абрахамс — английский гитарист, композитор, аранжировщик и саунд-продюсер, крайне плодотворно работающий в диаметрально противоположных музыкальных направлениях. Среди тех, с кем он сотрудничал в разное время — артисты радикально полярные: Имоджен Хип (звезда современной инди-эстрады), Дэвид Холмс (известнейший электронщик и диджей), Пол Саймон (тот самый, из легендарного дуэта «Simon & Garfunkel»), а также ряд лидеров, в отношении которых рекомендации и пояснения попросту не нужны — Мэриэн Фейтфул, Ник Кейв, Брайан Ино, Адель, Эд Ширан, Энни Леннокс, Брайан Ферри, Сил… Музыка с его участием звучит в множестве известных фильмов — среди них такие блокбастеры, как франшиза о «друзьях Оушена», «Код 46», «Милые кости», ряд европейских работ. В общем и целом к середине 2019-го года дискография Абрахамса, творческая карьера которого к тому моменту едва насчитывала два десятилетия, включает более 350 работ.

Сольные альбомы Лео как полноценного лидера — это интересная собственная микро-вселенная, в которой сможет сориентироваться только специалист. Абрахамс, как и многие активно творящие представители музыкальной индустрии XXI века, далёк от стремительно устаревающего формального мышления золотой эры звукозаписи. У него есть, разумеется, «классически» изданные альбомы — выходившие на известных и не очень лейблах в виде компакт-дисков и винила. Например, почти фолк-бардовский (хотя и инструментальный) «Honeytrap» 2005-го года; амбиентный «Scene Memory» 2006-го; перемешавший все подвиды современного инди-рока и электроники «The Unrest Cure» 2008-го с множеством приглашённых вокалистов и вокалистов; прекрасный и негромкий «The Grape And The Grain» 2009-го; «DayLight» 2015-го и так далее. Но есть и множество чисто цифровых релизов, некоторые из которых кажутся поначалу чуть ли не издёвкой (например, «Guitar Stuff» 2008-го, на котором звучит исключительно обработанная гитара и которую сам автор иронически характеризует как «обрывки, кусочки, тестирование оборудования и вообще занятие всякой ерундой»). Есть короткие альбомы, по старой классификации подаваемые как EP. Есть созданная только и исключительно Лео музыка для фильмов, которую сложно воспринимать в отрыве от видеоряда. И есть видеоклипы, над которыми он работал едва ли с меньшей отдачей, чем над чистым аудио.

Уникальность Абрахамса именно в том, что при кажущейся всеядности в музыке он ни на секунду не оказывался статистом, нанятым студийным музыкантом. Происходящие с ним в музыке истории по-настоящему хороши и кинематографичны. Например, «прослушивание» у знаменитого Эда Харкурта, когда Абрахамс получил одну из первых своих работ просто положительным ответом на вопрос «нравится ли тебе Том Уэйтс». Или знакомство с поистине легендарным Брайаном Ино, положившее начало многолетней дружбе и сотрудничеству: «…я пробовал гитару в одном магазине в Ноттинг-Хилле, туда зашёл Брайан Ино, ему понравилось, что я не играл «Stairway To Heaven» на максимально возможной громкости, и он пригласил меня сыграть на его альбоме». Абрахамс — человек удивительной музыкальности и открытости, чья вовлечённость в исполняемую музыку навсегда влюбляет в него и слушателей, и коллег, и продюсеров, и (в терминах более прямых) работодателей. В середине 2010-х его востребованность оказалась столь велика, что Лео буквально неделями не выходил из дома, круглосуточно работая в собственной студии над всеми мыслимыми проектами одновременно. А в списке его работ появлялись в итоге то записи с Лондонским филармоническим оркестром, то запись гитары для Бориса Гребенщикова (!). Последнее, впрочем, неслучайно: Абрахамс называет себя русофилом, учит русский (и временами даже использует его на концертах, декламируя непростые эмоциональные тексты). Одна из последних его работ, вновь в сотрудничестве с Брайаном Ино — это работа над одиозным проектом «Дау» Ильи Хржановского, которая сама по себе вызывает беспрецедентный интерес и пока в принципе не планируется к показу на российской территории…

Абрахамс неоднократно бывал в России с разными составами (например, с Roxy Music), а в 2008 году был приглашён «МузЭнерго» впервые в своей истории именно как сольный артист. Показанная им программа альбома «Scene Memory» встретила потрясающий приём у российской публики. Со слов самого Лео, он был настолько вдохновлён слушателями, что уже в аэропорте, в ожидании рейса в Лондон, написал три новых композиции. В 2014-м ему удалось вернуться вновь и принять участие в «МузЭнергоТуре» в дуэте с барабанщиком Крисом Ваталаро. В 2019-м Абрахамс вновь едет в Россию с большим сольным туром, поддержанным Посольством Великобритании в Москве в рамках «Года музыки — 2019». В этом туре Лео будет показывать свою актуальную программу (преимущественно гитарно-электронный амбиент) и, в некоторых городах, приглашать на сцену российских коллег, разделяющих его эстетические взгляды. Нас ожидает серия совершенно уникальный и не повторяющихся по содержанию концертов самой что ни на есть актуальной и осмысленной музыки, создаваемой одним из ключевых персонажей Лондона — этой музыкальной Мекки сегодняшнего дня.

Опубликовано

22.11.2019, КЦ ДОМ, Москва: Leo Abrahams (Великобритания)

Лео Абрахамс — английский гитарист, композитор, аранжировщик и саунд-продюсер, крайне плодотворно работающий в диаметрально противоположных музыкальных направлениях. Среди тех, с кем он сотрудничал в разное время — артисты радикально полярные: Имоджен Хип (звезда современной инди-эстрады), Дэвид Холмс (известнейший электронщик и диджей), Пол Саймон (тот самый, из легендарного дуэта «Simon & Garfunkel»), а также ряд лидеров, в отношении которых рекомендации и пояснения попросту не нужны — Мэриэн Фейтфул, Ник Кейв, Брайан Ино, Адель, Эд Ширан, Энни Леннокс, Брайан Ферри, Сил… Музыка с его участием звучит в множестве известных фильмов — среди них такие блокбастеры, как франшиза о «друзьях Оушена», «Код 46», «Милые кости», ряд европейских работ. В общем и целом к середине 2019-го года дискография Абрахамса, творческая карьера которого к тому моменту едва насчитывала два десятилетия, включает более 350 работ.

Сольные альбомы Лео как полноценного лидера — это интересная собственная микро-вселенная, в которой сможет сориентироваться только специалист. Абрахамс, как и многие активно творящие представители музыкальной индустрии XXI века, далёк от стремительно устаревающего формального мышления золотой эры звукозаписи. У него есть, разумеется, «классически» изданные альбомы — выходившие на известных и не очень лейблах в виде компакт-дисков и винила. Например, почти фолк-бардовский (хотя и инструментальный) «Honeytrap» 2005-го года; амбиентный «Scene Memory» 2006-го; перемешавший все подвиды современного инди-рока и электроники «The Unrest Cure» 2008-го с множеством приглашённых вокалистов и вокалистов; прекрасный и негромкий «The Grape And The Grain» 2009-го; «DayLight» 2015-го и так далее. Но есть и множество чисто цифровых релизов, некоторые из которых кажутся поначалу чуть ли не издёвкой (например, «Guitar Stuff» 2008-го, на котором звучит исключительно обработанная гитара и которую сам автор иронически характеризует как «обрывки, кусочки, тестирование оборудования и вообще занятие всякой ерундой»). Есть короткие альбомы, по старой классификации подаваемые как EP. Есть созданная только и исключительно Лео музыка для фильмов, которую сложно воспринимать в отрыве от видеоряда. И есть видеоклипы, над которыми он работал едва ли с меньшей отдачей, чем над чистым аудио.

Уникальность Абрахамса именно в том, что при кажущейся всеядности в музыке он ни на секунду не оказывался статистом, нанятым студийным музыкантом. Происходящие с ним в музыке истории по-настоящему хороши и кинематографичны. Например, «прослушивание» у знаменитого Эда Харкурта, когда Абрахамс получил одну из первых своих работ просто положительным ответом на вопрос «нравится ли тебе Том Уэйтс». Или знакомство с поистине легендарным Брайаном Ино, положившее начало многолетней дружбе и сотрудничеству: «…я пробовал гитару в одном магазине в Ноттинг-Хилле, туда зашёл Брайан Ино, ему понравилось, что я не играл «Stairway To Heaven» на максимально возможной громкости, и он пригласил меня сыграть на его альбоме». Абрахамс — человек удивительной музыкальности и открытости, чья вовлечённость в исполняемую музыку навсегда влюбляет в него и слушателей, и коллег, и продюсеров, и (в терминах более прямых) работодателей. В середине 2010-х его востребованность оказалась столь велика, что Лео буквально неделями не выходил из дома, круглосуточно работая в собственной студии над всеми мыслимыми проектами одновременно. А в списке его работ появлялись в итоге то записи с Лондонским филармоническим оркестром, то запись гитары для Бориса Гребенщикова (!). Последнее, впрочем, неслучайно: Абрахамс называет себя русофилом, учит русский (и временами даже использует его на концертах, декламируя непростые эмоциональные тексты). Одна из последних его работ, вновь в сотрудничестве с Брайаном Ино — это работа над одиозным проектом «Дау» Ильи Хржановского, которая сама по себе вызывает беспрецедентный интерес и пока в принципе не планируется к показу на российской территории…

Абрахамс неоднократно бывал в России с разными составами (например, с Roxy Music), а в 2008 году был приглашён «МузЭнерго» впервые в своей истории именно как сольный артист. Показанная им программа альбома «Scene Memory» встретила потрясающий приём у российской публики. Со слов самого Лео, он был настолько вдохновлён слушателями, что уже в аэропорте, в ожидании рейса в Лондон, написал три новых композиции. В 2014-м ему удалось вернуться вновь и принять участие в «МузЭнергоТуре» в дуэте с барабанщиком Крисом Ваталаро. В 2019-м Абрахамс вновь едет в Россию с большим сольным туром, поддержанным Посольством Великобритании в Москве в рамках «Года музыки — 2019». В этом туре Лео будет показывать свою актуальную программу (преимущественно гитарно-электронный амбиент) и, в некоторых городах, приглашать на сцену российских коллег, разделяющих его эстетические взгляды. Нас ожидает серия совершенно уникальный и не повторяющихся по содержанию концертов самой что ни на есть актуальной и осмысленной музыки, создаваемой одним из ключевых персонажей Лондона — этой музыкальной Мекки сегодняшнего дня.

Отзывы слушателей

  • … слушаю Абрахамса, запись с 22-го. Сейчас помру. Неужели это у нас было?!…
  • …это неподражаемо! Это so different!
  • … вот как (не без «усиленных» выражений) комментирует запись с 22-го ноября один из ведущих джазовых журналистов СНГ, человек, «измученный нарзаном» и редко ловящий кайф от музыки — просто потому, что приелась она уже. Комментарии идут в реальном времени — в процессе слушания. Не настаиваю на том, что это вот прямо истина в последней инстанции — просто интересно было наблюдать за развитием реакции. К слову, сам этот журналист — нехилый гитарист. «Играть на гитаре с лаптопом — это мука. Там еще примочек внешних куча, педалей одних 8 штук…[…]… Слушай… а этот рыжий классно играет. Нежно. Нет, не рыжий, блондинистый. Неважно. Но он клёво играет, без балды!…[…]…Йо! Оу, фак… он хорош! Как он с педалями работает… тьево!»
  • … «простая игра» — не такая уж простая КАК МИНИМУМ.
  • … интересна реакция малышни: творения Лео старший (5-ти лет) назвал «сказкой про космос».
  • ….оставил неизгладимые впечатления. Это очень здорово, когда на твоих глазах происходит чудо — рождается музыка. Ещё мне нравится смотреть на людей, получающих удовольствие от дела, которым они занимаются… Лео мастерски извлекает звук, используя как традиционные, так и альтернативные приёмы игры на гитаре, и с помощью них добивается выразительности и образности в звучании. С этого дня наверно именно он запомнился сильнее всего. Одна моя подруга после него ушла, объяснив «Чтобы не портить впечатление». Наверно, она права. Что мне понравилось, так это то, что он (не люблю употреблять это слово!) креативный. Его музыка меня вдохновляет.
  • … звонко ясно, что Лео — Мировой Спец.
  • … можно было растаять. Или улететь. Очень необычно и… такое вообще чудо, что он у нас был. Даже как-то нереально видеть человека такого уровня в нашей деревне:)

Опубликовано

21.10.2019, Москва, КЦ ДОМ: Jonas Cambien Trio (Норвегия/Бельгия)


Jonas Cambien (Йонас Камбиен), фортепиано
Andre Roligheten (Андре Ролигетен), саксофоны
Andreas Wildhagen (Андреас Вилдхаген), ударные

Для специалистов «скандинавский джаз» — термин, не требующий пояснений: холодность, пронзительность, хрупкость и аскетичная красота. Трио Йонаса Камбиена — тот случай, когда в рецепт добавлено достаточно истинной и естественной оригинальности; если корифеи жанра почивают на лаврах и привыкают с баснословным гонорарам, Камбиен продолжает прогрессировать и остаётся открыт и доступен для самых неожиданных залов.

Первая гастрольная поездка по России новоджазового трио пианиста Йонаса Камбиена состоялась в ноябре 2016 года. В Россию этого лидера давно и активно рекомендовал его преподаватель в музыкальной академии Осло, знаменитый пианист советского происхождения Михаил Альперин, участник нашумевшего Moscow Art Trio, с 1991 года живущий и работающий в Норвегии. В 2011-м году группа Karokh под руководством Камбиена посетила Москву в рамках студенческого обмена и установила творческие связи, позволившие говорить о возвращении уже в профессиональном качестве, с новым авторским коллективом высокого уровня.

Трио Камбиена не только демонстрирует оригинальность творческих идей и силу молодого поколения норвежских джазменов, но и служит свидетельством успеха социальных и политических принципов объединённой Европы. Бельгиец по происхождению и гражданству, Камбиен прошёл обучение музыке в Музыкальной академии Осло и фактически состоялся как импровизатор и профессиональный артист именно в Норвегии. Работая с сильнейшими представителями норвежского джаза и будучи вовлечён в несколько разнотипных проектов, со своим трио он выпускает альбом на одном из наиболее авторитетных в этой области лейблов Clean Feed, базирующемся в Португалии. Появление трио в России, помимо очевидной цели развития своего интернационального присутствия, является для Камбиена доказательством состоятельности идей общекультурной и художественной толерантности, в которых географическое присутствие важно и содержательно характерно, но не в той степени, которая начала бы ограничивать свободу творчества и способы артистического развития.

Дебютный альбом трио описывается критиками как крайне любопытная смесь идей современного джаза и «корневого фольклора несуществующих стран» (да-да, именно так). Надо полагать, что в виду имеется в первую очередь единый для самых разных слушателей культурный фундамент, восходящий к свободному развитию песенной формы и основанный на импровизации – то, что в знаменитом бородатом анекдоте описывается фразой «что вижу, о том и пою». Но Камбиен с товарищами видят, как и положено образованному современному музыканту, довольно много. А поют об этом – вернее, разумеется, играют – мастерски, без эксцентрических излишеств и экспериментирования ради эксперимента.

Первые концерты трио в России, организованные при поддержке Посольства Норвегии в РФ, прошли на престижных сценах Москвы и Петербурга и доказали, что Камбиен как лидер — поистине уникальное явление: он способен органично вовлечь в музыку не только разношёрстную, но и весьма объёмную аудиторию — которую, в отличие от среднестатического «авангардиста», удерживает до конца концерта, а не до конца композиции, когда можно покинуть зал. Трио Камбиена — это, без преувеличения, качественно новый формат в первую очередь для крупных площадок, которым кажутся рискованными эксперименты с новой музыкой: именно в случае с Камбиеном результаты могут превзойти все ожидания.

Опубликовано

15.10.2019, Казань, ЦСК «Смена». Ronny Graupes SPOOM (Германия/Дания)

Ронни Граупе (Ronny Graupe), гитара
Йонас Вестергард (Jonas Westergaard), бас
Кристиан Лиллингер (Christian Lillinger), ударные
Кристиан Вайднер (Christian Weidner), саксофон

Гитарное трио, прошедшее за восемь лет существования путь от переигровки джазовых стандартов до стопроцентно авторского материала, который потребовал введения в состав нового инструментального голоса: хороший пример того, как немецкая аккуратность и музыкантская самоирония создают новые сущности и перспективы там, где, казалось бы, всё очевидно и малоперспективно. 

Гитарист Ронни Граупе основал Spoom как трио в 2005 году, однозначно ориентируясь на «нормальный» джаз классического толка и подбирая репертуар в Великой Американской Книге Джазовых Стандартов. К этому моменту музыканту было двадцать пять, и у него за плечами были достаточно весомые в Германии молодёжные достижения: во-первых, национальная премия Jugend Jazzt (полученная в шестнадцать), во-вторых, именная стипендия лейпцигского фонда Марион Эрмер для молодых музыкантов (2001). Существовал к тому моменту и другой ансамбль, возглавляемый Граупе — Hyperactive Kid, самим названием которого, по сути, о Ронни уже всё сказано. Формально учиться музыке он  начал в Лейпциге (высшая школа музыки и театра имени Феликса Мендельсона Бартольди), продолжил в знаменитой копенгагенской Консерватории Ритмической Музыки, а между этими двумя образовательными учреждениями умудрился впихнуть работу ни много ни мало в BuJazzO («Бундес-Джаз-Оркестре» — ещё одно название, не требующее ни перевода, ни пояснения), с которым выступал в самых неожиданных точках планеты.

На этом фоне обращение к традиционному джазовому репертуару и хрестоматийному формату кажется скорее временной прихотью, чем нормой. Так и оказалось. Граупе вообще довелось расти в обстановке, требующей нестандартных выходов из странных ситуаций. Его родной город на момент появления музыканта на свет назывался Карл-Маркс-Штадт и до сих пор несколько внезапно числит в своих почётных гражданах, помимо Бисмарка, двух советских граждан — лётчика Николая Каманина и космонавта Валерия Быковского. Со временем город получил исторической название Хемниц, но вся малопонятная иностранным гражданам специфика взросления в социалистической ГДР явно наложила на Граупе отпечаток и определила его сатирический взгляд на мир. Даже на собственном сайте он рассказывает не столько о своей биографии, сколько о том, что Graupe — это единственное число от термина «Graupen», обозначающего… перловую крупу. Собственно, с разными характеристиками перловой крупы и предлагается знакомиться вместо достижений Ронни. А сам Ронни в это время отказывается от мейнстрима в музыке, начинает писать собственную музыку и уверенно уходит прочь от классической джазовой формы (тема, импровизация, тема). Его собственные пьесы выстраиваются теперь по высоким академическим законам, они многочастны, искушённы, для них характерна непростая драматургия и узнаваемая смесь серьёзности и  иронии.

Граупе как импровизатор делается с годами всё более отличен от основной массы «нормальных» джазовых гитаристов — и, как следствие, в 2012-м получает приглашение читать лекции по джазовой гитаре в университете искусств швейцарского Берна.

Spoom записал как трио альбомы «As They Are» (2012, Shoebill Music) и «The White Belt» (2016, Pirouet). После этого усложняющаяся музыка Граупе потребовала введения в состав нового голоса, и к группе присоединился в 2018 году саксофонист Кристиан Вайднер.

Опубликовано

14.11.2019, Тула, «Типография». Leo Abrahams (Великобритания)

Лео Абрахамс — английский гитарист, композитор, аранжировщик и саунд-продюсер, крайне плодотворно работающий в диаметрально противоположных музыкальных направлениях. Среди тех, с кем он сотрудничал в разное время — артисты радикально полярные: Имоджен Хип (звезда современной инди-эстрады), Дэвид Холмс (известнейший электронщик и диджей), Пол Саймон (тот самый, из легендарного дуэта «Simon & Garfunkel»), а также ряд лидеров, в отношении которых рекомендации и пояснения попросту не нужны — Мэриэн Фейтфул, Ник Кейв, Брайан Ино, Адель, Эд Ширан, Энни Леннокс, Брайан Ферри, Сил… Музыка с его участием звучит в множестве известных фильмов — среди них такие блокбастеры, как франшиза о «друзьях Оушена», «Код 46», «Милые кости», ряд европейских работ. В общем и целом к середине 2019-го года дискография Абрахамса, творческая карьера которого к тому моменту едва насчитывала два десятилетия, включает более 350 работ.

Сольные альбомы Лео как полноценного лидера — это интересная собственная микро-вселенная, в которой сможет сориентироваться только специалист. Абрахамс, как и многие активно творящие представители музыкальной индустрии XXI века, далёк от стремительно устаревающего формального мышления золотой эры звукозаписи. У него есть, разумеется, «классически» изданные альбомы — выходившие на известных и не очень лейблах в виде компакт-дисков и винила. Например, почти фолк-бардовский (хотя и инструментальный) «Honeytrap» 2005-го года; амбиентный «Scene Memory» 2006-го; перемешавший все подвиды современного инди-рока и электроники «The Unrest Cure» 2008-го с множеством приглашённых вокалистов и вокалистов; прекрасный и негромкий «The Grape And The Grain» 2009-го; «DayLight» 2015-го и так далее. Но есть и множество чисто цифровых релизов, некоторые из которых кажутся поначалу чуть ли не издёвкой (например, «Guitar Stuff» 2008-го, на котором звучит исключительно обработанная гитара и которую сам автор иронически характеризует как «обрывки, кусочки, тестирование оборудования и вообще занятие всякой ерундой»). Есть короткие альбомы, по старой классификации подаваемые как EP. Есть созданная только и исключительно Лео музыка для фильмов, которую сложно воспринимать в отрыве от видеоряда. И есть видеоклипы, над которыми он работал едва ли с меньшей отдачей, чем над чистым аудио.

Уникальность Абрахамса именно в том, что при кажущейся всеядности в музыке он ни на секунду не оказывался статистом, нанятым студийным музыкантом. Происходящие с ним в музыке истории по-настоящему хороши и кинематографичны. Например, «прослушивание» у знаменитого Эда Харкурта, когда Абрахамс получил одну из первых своих работ просто положительным ответом на вопрос «нравится ли тебе Том Уэйтс». Или знакомство с поистине легендарным Брайаном Ино, положившее начало многолетней дружбе и сотрудничеству: «…я пробовал гитару в одном магазине в Ноттинг-Хилле, туда зашёл Брайан Ино, ему понравилось, что я не играл «Stairway To Heaven» на максимально возможной громкости, и он пригласил меня сыграть на его альбоме». Абрахамс — человек удивительной музыкальности и открытости, чья вовлечённость в исполняемую музыку навсегда влюбляет в него и слушателей, и коллег, и продюсеров, и (в терминах более прямых) работодателей. В середине 2010-х его востребованность оказалась столь велика, что Лео буквально неделями не выходил из дома, круглосуточно работая в собственной студии над всеми мыслимыми проектами одновременно. А в списке его работ появлялись в итоге то записи с Лондонским филармоническим оркестром, то запись гитары для Бориса Гребенщикова (!). Последнее, впрочем, неслучайно: Абрахамс называет себя русофилом, учит русский (и временами даже использует его на концертах, декламируя непростые эмоциональные тексты). Одна из последних его работ, вновь в сотрудничестве с Брайаном Ино — это работа над одиозным проектом «Дау» Ильи Хржановского, которая сама по себе вызывает беспрецедентный интерес и пока в принципе не планируется к показу на российской территории…

Абрахамс неоднократно бывал в России с разными составами (например, с Roxy Music), а в 2008 году был приглашён «МузЭнерго» впервые в своей истории именно как сольный артист. Показанная им программа альбома «Scene Memory» встретила потрясающий приём у российской публики. Со слов самого Лео, он был настолько вдохновлён слушателями, что уже в аэропорте, в ожидании рейса в Лондон, написал три новых композиции. В 2014-м ему удалось вернуться вновь и принять участие в «МузЭнергоТуре» в дуэте с барабанщиком Крисом Ваталаро. В 2019-м Абрахамс вновь едет в Россию с большим сольным туром, поддержанным Посольством Великобритании в Москве в рамках «Года музыки — 2019». В этом туре Лео будет показывать свою актуальную программу (преимущественно гитарно-электронный амбиент) и, в некоторых городах, приглашать на сцену российских коллег, разделяющих его эстетические взгляды. Нас ожидает серия совершенно уникальный и не повторяющихся по содержанию концертов самой что ни на есть актуальной и осмысленной музыки, создаваемой одним из ключевых персонажей Лондона — этой музыкальной Мекки сегодняшнего дня.

Опубликовано

01.11.2019, Егорьевск, «Rotor». Akku Quintet (Швейцария)

Михаэль Гильсенан (Michael Gilsenan), саксофон
Маркус Ишер (Markus Ischer), гитара
Майя Нидеггер (Maja Nydegger), клавишные
Анди Шнеллманн (Andi Schnellmann), бас
Мануэль Паскинелли (Manuel Pasquinelli), ударные
специальный гость Йонас Фер (Jonas Fehr), живой видеоряд

Электрическое гитарное трио с авторской музыкой. Сегодня в джаз-роке и фьюжне не так просто сказать что-то по-настоящему новое, но минимальные требования к музыкантам, работающим в этих жанрах, давно и многократно превышают требования к «обычным» джазменам времён расцвета жанра. Поэтому, когда им действительно есть что сказать — это гарантированный успех.

Согласно рецензии в отечественном журнале «Salon A&V», Akku Quintet — «молодой ансамбль из Берна», который «активно концертирует по небольшим залам, не чураясь заведений общественного питания и клубов. Ни о самом коллективе, ни об его участниках практически ничего не известно. Но по музыке, которую они сочиняют и играют, можно догадаться, что музыкальное образование у них есть. Как минимум, у барышни, которая играет на клавишах.» Рецензент издания считает, что их музыка «эклектична и сочетает в себе элементы минимализма, джаза, временами проскальзывают мотивы клубной электроники (главным образом – в монотонных партиях ударника). Такую музыку сейчас модно использовать в некоммерческом кино, под неё хорошо заниматься домашними делами и медитировать (под трек Fluid). В принципе ничего особенного, но симпатично. Не стал бы называть эту музыку примитивной, но чтобы её исполнять, виртуозом быть не требуется.»

Подобная оценка, безусловно, больше говорит о профессиональном становлении рецензента, чем о коллективе. AKKU основан в 2011 году барабанщиком и композитором Мануэлем Паскинелли, взявшим с этим проектом курс на любопытный сплав минималистичного джаза, привлекательной ритмики и живого видеоряда (который обеспечивается работой в реальном времени датского ви-джея Йонаса Фера). За время своего существования группа выступала в нескольких странах Евросоюза, посетила Великобританию и США. Среди её участников — музыканты пусть и всё ещё молодые (по нынешним меркам таковыми уверенно называют и сорокалетних, хотя большинству играющих в AKKU около тридцати), но весьма заметные на европейской сцене. Достаточно выделить басиста Анди Шнеллманна, который только в России с разными составами побывал уже полдюжины раз.

В 2013-м коллектив выпустил дебютный альбом под говорящим названием «Stages of Sleep» (да, они действительно представили в музыке разные стадии сна в полном соответствии с научными представлениями об этом процессе). Пьеса с этого диска («Deep Sleep 2») была отобрана для распространённого по всему миру сборника «Jazz made in Switzerland 2014/15». В 2015-м выпущена вторая работа («Molecules»), в 2017-м — третья («Aeon»). В российском туре 2019 года коллектив обещает представить четвёртый альбом, выпуск которого запланирован на август.


Цитаты из прессы

  • «…это поток и грув с самого начала до самого конца» (Steve Feigenbaum, Cuneiform Record Label)
  • «…они переопределяют курс прогрессивной фьюжн-музыки. Второй альбом группы, «Molecules» — это однозначный джаз-роковый шедевр XXI века» (Robert Steven Silverstein, mwe3)
  • «… неторопливый и свободный, альбом «Molecules» — это сложно увязанная и ярко рассказанная сюита, в гипнотизирующей структуре которой никогда не теряется потрясающая лирика» (Sid Smith, ProgMagazine)
  • “… прекрасный новый альбом… очень личная и даже интровертная сторона постоянно трансформирующейся швейцарской минималистской сцены. По-настоящему великолепная работа» (Anil Prasad, Innerviews)
  • «… квинтет действует как хорошо смазанный механизм; очень зрело и осмысленно в высказываниях» (Bea Venturini, Swissvibes.org)

Опубликовано

02.10.2019, Железногорск, ДМШ им. Мусоргского. Hely (Швейцария) и Oggy & The Phonics (Швейцария/Франция)


Cразу две джазовые команды в одном концерте. Европейский джаз как он есть, открытый и энергочестный.

первое отделение
Oggy & The Phonics (Швейцария/Франция)

Клеман Мёнье (Clément Meunier), кларнет
Луи Бийетт (Louis Billette), саксофоны
Гаспар Колен (Gaspard Colin), бас-гитара
Натан Ванденбюлке (Nathan Vandenbulcke), ударные
Тео Дюбуль (Théo Duboule), электрогитара

Цель, которую ставит перед собой этот квинтет — не просто отыскать единый базис интеллектуальной и популярной музыки. И даже не просто вычленить общее и подать его слушателю в импровизационном обрамлении. Музыканты хотят удерживать форму подачи столь же разнообразной, сколь разнообразны сами жанры — то есть сохранять в своём творчестве одновременно простоту и фундаментальную серьёзность, мощь и хрупкость, самобытность и отсылки к чему-то неуловимо знакомому.


второе отделение
HELY (Швейцария

Йонас Рутер (Jonas Ruther), ударные
Лукка Фрис (Lucca Fries), фортепиано

Молодые швейцарцы — барабанщик Йонас Рутер и пианист Лука Фрис — работают в своеобразных коллективах, исполняющих музыку в диапазоне от репертуарных программ в память джазовых классиков до бескомпромиссного авангарда. Эта универсальность — скорее свидетельство интереса музыкантов ко всему многообразию стилей, а не доказательство истинной всеядности.

Фрис и Рутер называют свою музыку «транс-джазом», что отсылает слушателя к одному из подвидов танцевальной музыки. Суммирование стилей не сделает джаз привлекательным для танцпола и не сделает транс уместным на консервативном джазовом фестивале. Речь идёт о медитативной, гипнотической ритмичной модели создаваемой музыки, заставляющей слушателя втягиваться в происходящее и адаптировать себя к модели поистине бесконечной смены настроений и идей.

Впечатление, произведённое на россиян, превзошло все ожидания: «Шаманы», «медитация», «космос» — самые распространенные отклики о туре-2018.

Опубликовано

01.10.2019, Красноярск, КГИИ. Hely (Швейцария) + Oggy & The Phonics (Швейцария/Франция)

Cразу две джазовые команды в одном концерте. Европейский джаз как он есть, открытый и энергочестный.

первое отделение
Oggy & The Phonics (Швейцария/Франция)

Клеман Мёнье (Clément Meunier), кларнет
Луи Бийетт (Louis Billette), саксофоны
Гаспар Колен (Gaspard Colin), бас-гитара
Натан Ванденбюлке (Nathan Vandenbulcke), ударные
Тео Дюбуль (Théo Duboule), электрогитара

Цель, которую ставит перед собой этот квинтет — не просто отыскать единый базис интеллектуальной и популярной музыки. И даже не просто вычленить общее и подать его слушателю в импровизационном обрамлении. Музыканты хотят удерживать форму подачи столь же разнообразной, сколь разнообразны сами жанры — то есть сохранять в своём творчестве одновременно простоту и фундаментальную серьёзность, мощь и хрупкость, самобытность и отсылки к чему-то неуловимо знакомому.


второе отделение
HELY (Швейцария

Йонас Рутер (Jonas Ruther), ударные
Лукка Фрис (Lucca Fries), фортепиано

Молодые швейцарцы — барабанщик Йонас Рутер и пианист Лука Фрис — работают в своеобразных коллективах, исполняющих музыку в диапазоне от репертуарных программ в память джазовых классиков до бескомпромиссного авангарда. Эта универсальность — скорее свидетельство интереса музыкантов ко всему многообразию стилей, а не доказательство истинной всеядности.

Фрис и Рутер называют свою музыку «транс-джазом», что отсылает слушателя к одному из подвидов танцевальной музыки. Суммирование стилей не сделает джаз привлекательным для танцпола и не сделает транс уместным на консервативном джазовом фестивале. Речь идёт о медитативной, гипнотической ритмичной модели создаваемой музыки, заставляющей слушателя втягиваться в происходящее и адаптировать себя к модели поистине бесконечной смены настроений и идей.

Впечатление, произведённое на россиян, превзошло все ожидания: «Шаманы», «медитация», «космос» — самые распространенные отклики о туре-2018.

Опубликовано

16.10.2019, «Прощай, оружие!», Дубна. Ronny Graupes Spoom (Германия/Дания)

Ронни Граупе (Ronny Graupe), гитара
Йонас Вестергард (Jonas Westergaard), бас
Кристиан Лиллингер (Christian Lillinger), ударные
Кристиан Вейднер (Christian Weidner), саксофон

Гитарное трио, прошедшее за восемь лет существования путь от переигровки джазовых стандартов до стопроцентно авторского материала, который потребовал введения в состав нового инструментального голоса: хороший пример того, как немецкая аккуратность и музыкантская самоирония создают новые сущности и перспективы там, где, казалось бы, всё очевидно и малоперспективно. 

Гитарист Ронни Граупе основал Spoom как трио в 2005 году, однозначно ориентируясь на «нормальный» джаз классического толка и подбирая репертуар в Великой Американской Книге Джазовых Стандартов. К этому моменту музыканту было двадцать пять, и у него за плечами были достаточно весомые в Германии молодёжные достижения: во-первых, национальная премия Jugend Jazzt (полученная в шестнадцать), во-вторых, именная стипендия лейпцигского фонда Марион Эрмер для молодых музыкантов (2001). Существовал к тому моменту и другой ансамбль, возглавляемый Граупе — Hyperactive Kid, самим названием которого, по сути, о Ронни уже всё сказано. Формально учиться музыке он  начал в Лейпциге (высшая школа музыки и театра имени Феликса Мендельсона Бартольди), продолжил в знаменитой копенгагенской Консерватории Ритмической Музыки, а между этими двумя образовательными учреждениями умудрился впихнуть работу ни много ни мало в BuJazzO («Бундес-Джаз-Оркестре» — ещё одно название, не требующее ни перевода, ни пояснения), с которым выступал в самых неожиданных точках планеты.

На этом фоне обращение к традиционному джазовому репертуару и хрестоматийному формату кажется скорее временной прихотью, чем нормой. Так и оказалось. Граупе вообще довелось расти в обстановке, требующей нестандартных выходов из странных ситуаций. Его родной город на момент появления музыканта на свет назывался Карл-Маркс-Штадт и до сих пор несколько внезапно числит в своих почётных гражданах, помимо Бисмарка, двух советских граждан — лётчика Николая Каманина и космонавта Валерия Быковского. Со временем город получил исторической название Хемниц, но вся малопонятная иностранным гражданам специфика взросления в социалистической ГДР явно наложила на Граупе отпечаток и определила его сатирический взгляд на мир. Даже на собственном сайте он рассказывает не столько о своей биографии, сколько о том, что Graupe — это единственное число от термина «Graupen», обозначающего… перловую крупу. Собственно, с разными характеристиками перловой крупы и предлагается знакомиться вместо достижений Ронни. А сам Ронни в это время отказывается от мейнстрима в музыке, начинает писать собственную музыку и уверенно уходит прочь от классической джазовой формы (тема, импровизация, тема). Его собственные пьесы выстраиваются теперь по высоким академическим законам, они многочастны, искушённы, для них характерна непростая драматургия и узнаваемая смесь серьёзности и  иронии.

Граупе как импровизатор делается с годами всё более отличен от основной массы «нормальных» джазовых гитаристов — и, как следствие, в 2012-м получает приглашение читать лекции по джазовой гитаре в университете искусств швейцарского Берна.

Spoom записал как трио альбомы «As They Are» (2012, Shoebill Music) и «The White Belt» (2016, Pirouet). После этого усложняющаяся музыка Граупе потребовала введения в состав нового голоса, и к группе присоединился в 2018 году саксофонист Кристиан Вейднер.

Опубликовано

25.09.2019, «Прощай, оружие!», Дубна. Oggy & The Phonics (Швейцария/Франция)

Клеман Мёнье (Clément Meunier), кларнет
Луи Бийетт (Louis Billette), саксофоны
Гаспар Колен (Gaspard Colin), бас-гитара
Натан Ванденбюлке (Nathan Vandenbulcke), ударные
Тео Дюбуль (Théo Duboule), электрогитара

Цель, которую ставит перед собой этот квинтет — не просто отыскать единый базис интеллектуальной и популярной музыки. И даже не просто вычленить общее и подать его слушателю в импровизационном обрамлении. Музыканты хотят удерживать форму подачи столь же разнообразной, сколь разнообразны сами жанры — то есть сохранять в своём творчестве одновременно простоту и фундаментальную серьёзность, мощь и хрупкость, самобытность и отсылки к чему-то неуловимо знакомому.

В традиционной классификации Oggy & The Phonics сразу относят к «современному джазу», пусть даже эта формулировка и перестала иметь однозначный смысл ещё в конце XX века. Но, безусловно, изначально джазовая природа ансамбля налицо: каждый из музыкантов характерен в первую очередь импровизационным, «оперативным» мышлением. Авторский материал группы в чём-то даже нарочито упрощён, предоставляя открытые возможности для творческого полёта; и, тем не менее, этот полёт равно далёк и от обманчивой фри-джазовой свободы, и от клише развлекательного мейнстрима. Недаром творческими ориентирами названы весьма одиозные коллективы из далёких музыкальных областей — Kneebody, Jaga Jazzist, Radiohead, Knower.

Квинтет считает своей штаб-квартирой швейцарскую Лозанну, однако формальный лидер группы, швейцарский гитарист Тео Дюбуль, по иронии судьбы основное время живёт и работает в Берлине (где имеет определённый вес его собственный электронный соло-проект Mr Wizzel). В 2016-м Дюбуль дошёл до полуфинала в авторитетном джазовом конкурсе в Монтрё (в классе, соответственно, джазовых гитаристов), а в 2017-м взял два крупных приза именно вместе с Oggy — «Sunset/Sunside» (в Париже) и «Jazzcontrebande» (в Женеве). На счету коллектива три альбома.

Опубликовано

23.10.2019, Набережные Челны, «Акуна Матата». No Square (Швейцария/Германия/Франция)

Андре Хан (André Hahne), бас-гитара
Матье Дюрмарк (Mathieu Durmarque), саксофон
Лионель Фридли (Lionel Friedli), ударные
Михаэль Гауденшильд (Michael Haudenschild), фортепиано

Когда в современной Европе джазовый коллектив называет себя «просто джазовым коллективом», это как минимум необычно. Когда он ставит себе целью «просто играть энергичный живой джаз», это в каком-то смысле даже настораживает. Но когда он с такой концепцией выживает в течение пятнадцати лет — становится понятно, что за нарочитыми упрощениями кроется что-то по-настоящему оригинальное и ценное.

Басист Андре Хан основал No Square летом 1994 года, не ставя перед собой максималистских задач, не декларируя высоких концепций, не предлагая вычурных ансамблевых решений. Классический инструментальный состав (ритм-секция и саксофон), тот самый «энергичный живой джаз». И только само название, намекающее на отказ от традиционных джазовых норм, наводит на определённые мысли. Да, так и есть: в итоге материал No Square, оставаясь однозначно джазовым (и уж точно «живым» и «энергичным»), во многом характеризуется искушённой полиритмией прекрасного барабанщика Лионеля Фридли. А работа барабанщика в ансамбле — это в первую очередь его взаимодействие с басистом, который в данном случае является и лидером, и автором основной массы исполняемого материала.

Хан закончил школу музыки в своей родной Лозанне и консерваторию Монтрё. Уже в четырнадцатилетнем возрасте он начал регулярно выступать (в первую очередь с рок-коллективами), впоследствии играл традиционный джаз, южноамериканскую музыку, много работал (и как исполнитель, и как композитор) в области музыки для кино и театра. С 1992 года начал параллельную преподавательскую деятельность (последние десять лет является профессором консерватории). Сегодня, помимо No Square, он одновременно работает ещё с тремя коллективами — 60 Miles (современный джаз), Lola de Valence (латиноамериканский джаз), Collectif Fa7 (живая музыка для театра). А непосредственно с No Square Андре выпустил уже десять (!) альбомов. Последний, «Bad Bus», вышел в 2018-м на лейбле Brambus Records. По словам лидера коллектива, он суммирует впечатления коллектива от бесконечной гастрольной деятельности, выражает через музыку всё многообразие новых впечатлений, знакомств, радостей и тягот жизни профессионального музыканта. Безусловно, No Square имеют полное право поднимать эту тему: за время своего существования группа посетила такие разные страны, как Куба и Таиланд, Аргентина и Германия, Уругвай и Болгария, Сенегал и Чили, Бразилия и Новая Зеландия, Китай и Израиль, Япония и Польша.

В 2019-м году коллектив добавит к этому списку Россию и представит здесь свой последний альбом. Сегодня музыканты уже не кокетничают, называя себя «простым джазовым ансамблем», хотя Хан по-прежнему очень минималистичен в описании своей музыки: для россиян это предложено анонсировать как «джазовую музыку с простыми мелодиями, которые строятся на очень энергичных и часто неровных ритмических рисунках». Что ж, пусть будет так. Хан вообще любит не договаривать, предпочитая, чтобы слушатель сам разбирался во всех тонкостях его музыки и тщательной подготовке, на которой она строится. О его перфекционизме свидетельствует и выбор участников квартета, при котором их место жительства, судя по всему, просто не учитывается: сам Хан — из франкоязычной Лозанны, однако является гражданином Германии, пианист Михаэль Гауденшильд и барабанщик Лионель Фридли живут в окрестностях немецкоязычного Берна, а саксофонист Матье Дюрмарк вообще во Франции.


Пресса

  • «… годы работы, дружбы и взаимодействия музыкантов явно чувствуются в этой музыке. С их прекрасными соло и жёстким ритмом, No Square отлично смотрятся на швейцарской и вообще европейской сцене» (Douglas Parsons)
  • «… прекрасная запись, сыгранная с истинным огнём и вдохновением; её надо переслушивать ещё и ещё… Отчасти это напоминает мне группу Уэйна Шортера времён Blue Note, но совершенно без ощущения вторичности или консерватизма. Однозначно стоит того, чтобы ознакомиться» (Phillip McNally, Cadenez, США)
  • «… эти музыканты очень достойно прошли первое десятилетие, так последуем же за ними и во второе!» (JazzMann)
  • «… настоятельно рекомендуется!» (Viva La Musica)
  • «… первоклассный, оригинальный, изумительно сыгранный джаз, который выделяется на общем фоне в первую очередь благодаря своей энергичности… Потрясающий альбом действительно выдающейся группы. Пять звезд без колебаний» (Jazz’n’More)

Опубликовано

08.09.2019, Кемерово, Дом Актёра. Terrane (США/Россия)

Деннис Рэй (Dennis Rea), гитара
Дик Валентайн (Dick Valentine), саксофон, флейта
Дэниел Зангроуни (Daniel Zongrone), ударные, клавишные
Вадим Дикке, бас

Этот международный проект собран для исполнения в прог-роковом и авангардном ключе необычного материала — адаптированной традиционной музыки Центральной Азии и авторских пьес гитариста Денниса Рэя, обращающегося к тому же источнику. 

Рэй заканчивает сейчас запись альбома, на котором будут звучать голоса и инструменты самых неожиданных музыкантов (в частности, тувинца Альберта Кувезина, основателя легендарной Yat-Kha). Terrane — один из ключевых составов, который принимает участие в этом процессе; а сама программа получила остроумное название «Giant Steppes»,  обыгрывающее знаковую джазовую работу Джона Колтрейна «Giant Steps» и одновременно декларирующее свою «географическую» (или, правильнее, этническую?) специфику. Музыканты квартета (фактически выросшего из трио Time-Lapse, выступающего в Штатах без баса) обладают весьма солидным опытом исполнения прог-рока, современного джаза, свободной импровизации, электронной и экспериментальной музыки,- и всё это, разумеется, так или иначе находит отражение в звучании Terrane.

Лидер проекта Деннис Рэй на сцене более 40 лет. Ключевые группы с его участием (многие из них — им же и созданные) — Moraine, LAND, Savant, Earthstar. Рэй выступал с импровизаторами мирового уровня известности — французом композитором Гектором Зазу, голландским барабанщиком Ханом Беннинком, тромбонистом Стюартом Демпстером, «отцом китайского рока» Цуй Цзянем, основателем Hawkwind Ником Тёрнером; в списке есть и множество других больших имён — музыканты-участники таких коллективов, как King Crimson, R.E.M., Pearl Jam, Soundgarden, Santana, Ministry, Sun Ra Arkestra. Ранние годы Рэй провёл в Азии (где регулярно выступал в Китае и Тайване), и по итогам этого периода им написана книга «Live at the Forbidden City: Musical Encounters in China and Taiwan» (Blue Ear Books, 2015). Ему доводилось выходить на сцены в самых разных странах — Мексике, Германии, России. Один из ключевых подопечных знаменитого лейбла звукозаписи MoonJune Records, он принял участие в создании более 40 альбомов. Основные интересы Рэя — это изучение музыкальных традиций разных народов мира и приведение их в единый авангардно-импровизационный или прог-роковый контекст; до начала работы над «Giant Steppes» он отметился, например, прекрасным альбомом «Views From Chicheng Precipice», посвящённым китайской музыке.

Саксофонист и флейтист коллектива Дик Валентайн в разных контекстах обращается также к перкуссии, электронике и голосу. Музыкальное образование он получил под началом прославленного Джо Хендерсона, однако сразу же продемонстрировал потрясающий универсализм и всеядность: помимо современного джаза и внестилевой импровизационной музыки, он заявил о себе в коллективах, исполняющих гамелан (индонезийскую традиционную музыку), мексиканский фольклор, камерные произведения для хора и т.п. Его хорошо знают как «технолога», внедряющего в процесс создания музыки новые инженерные идеи, связанные с использованием электроники. Созданные им композиции исполняют камерные, струнные и духовые ансамбли, включая в том числе филармонический оркестр Сиэтла.

Любопытным образом увлечение электроникой роднит Валентайна с остальными участниками квартета. Так, барабанщик Дэн Зaнгроуни пришёл в электронную музыку из чисто инженерной отрасли; его совместный с Рэем проект Earthstar (созданный в конце 1970-х) оказался, возможно, единственным на тот момент американским составом, который активно работал в области немецкой электронной «космо-музыки» и конкурировал с корифеями жанра в период их расцвета. Зонгроун много пишет для кино, танцевальных трупп, специальных проектов (как следствие, он обладает рядом престижных наград и грантов (NEA, Public Art, Kindermusik и так далее). Как преподаватель он востребован на международном уровне — в частности, в данный момент является резидентом международной музыкальной школы Xi’an Bo-Ai в Китае.

Российский участник квартета Вадим Дикке — бас-гитарист, импровизатор и саунд-продюсер из Томска. Один из основателей пост-индустриальной формации «Секта Феникса», в дальнейшем участник множества проектов, стилистика которых охватывает пост-рок (Sine Seawave), электронику (PSVSV) и джаз-рок (Ángel Ontalva & No Grooves). В настоящее время является руководителем, контрабасистом и дирижёром томского Strangelet Ensemble, специализирующегося на свободной и управляемой коллективной импровизации.

Формирование Time-Lapse именно как международного состава стало возможным по результатам участия Дэнниса Рэя в международном передвижном фестивале «МузЭнергоТур», в рамках которого он посетил несколько сибирских регионов, в том числе Туву и Бурятию, и установил весьма многообещающие контакты с рядом российских музыкантов высшей лиги — в том числе с уже упомянутым Альбертом Кувезиным и группой «Намгар». А более плотное знакомство с Вадимом Дикке, участником того же фестиваля в составе Sine Seawave, уже через год привело к повторному приезду Рэя с прог-роковым проектом «Russian Moraine», в котором к Рэю и Дикке присоединились партнёры из США, Швейцарии и Нидерландов.

Опубликовано

Marc Egea (Каталония)

Марк Эжеа (Marc Egea), колёсная лира, голос, этнические духовые и перкуссионные инструменты

Древний традиционный инструмент каталонского фольклора, колёсная лира, куда шире распространена в мире, чем может показаться неспециалисту. Но Марк Эжеа, один из лучших в мире специалистов по hurdy gurdy (именно так обычно называют колёсную лиру на английском), одинаково свободно чувствует себя и в фольклорном, и в импровизационном поле, а временами обращается и к электронике. Смесь традиционной музыки и джаза, академического музыкального языка и свободы, крайне необычная тембральная картина, оригинальный материал — всё это делает его работу ярким и заметным явлением.

Эжеа — автор собственной школы игры на инструменте («Iniciació a la viola de roda»), который в его руках обретает кажущиеся нереальными возможности. Марк охотно выступает как в составе ансамблей, так и соло, причём пользуется не только процессорной электроникой, но и некоторыми другими фольклорными инструментами. Последнее время он всё чаще использует флабиол — небольшой каталонский духовой инструмент, один из дюжины обязательных голосов традиционного ансамбля под названием «кобла». Марк вообще много и плодотворно работает с национальными духовыми, а в своих сольных альбомах задействует весь спектр от органа до перкуссии и от гитары до трубы. Неудивительно, что и в его исполнительской карьере встречаются весьма полярные проекты — от этно-джазового квартета Kaulakau до муниципального оркестра фанфар Барселоны. Эжеа регулярно сотрудничает с балетными и театральными труппами, создаёт уникальные звуковые инсталляции для музейных выставок, получает заказы на написание музыки к радио- и телепередачам и т.д.

Марк не раз бывал в России. Начав свои приезды с показа этно-джазового квартета Kaulakau, в 2013-м он вернулся с сольной программой и стал одним из ключевых участников первого гастролирующего фестиваля «МузЭнергоТур», проехав с ним от Подмосковья до Красноярского края. Наряду с ещё несколькими музыкантами он заложил основные художественные принципы проекта, предполагающие активное импровизационное сотрудничество «на ходу»; именно на основе этого опыта он принял решение участвовать в следующем туре уже без процессорной электроники, предлагая публике лишь акустическое звучание инструментов и свой голос. Одним из самых поразительных умений Марка оказалась способность вызывать на аудиторию дождь посреди ясного дня, исполняя для этого специальную древнюю каталонскую песню-заклинание.

В настоящее время Эжеа всё дальше уходит от электронного экспериментаторства к корневому фольклору, который, однако, подаёт во всё более радикальной манере — то аранжируя простенькие крестьянские песенки в формат чуть ли не академических ораторий, то находя в скупом акустическом звучании вполне современный танцевальный пульс, то поражая слушателя искренностью зрелого мужчины, максимально открыто поющего о вечных темах — любви, предательстве, дружбе, одиночестве. С недавнего времени с Марком часто выступает его старший сын Кирзе, поющий вторую партию и играющий на теноре (национальном духовом инструменте).

Марк Эжеа + «МузЭнерго»: будущее

Параметры возможного тура

  • 1-2 человека в делегации
  • все расходы по визам, международному и внутрироссийскому транспорту, проживанию и питанию оплачиваются со стороны «МузЭнерго»
  • принимающая сторона обеспечивает трансферы по городу (от приезда до отъезда)
  • принимающая сторона обеспечивает несложных технический райдер:
    • для выступления Марка Эжеа соло:
      • стереопару от собственного блока обработки артиста (электроакустический звук колёсной лиры)
      • 1 конденсаторный микрофон на стойке (по возможности — Audio Tecnica AT2031 или аналоги) для акустического звука колёсной лиры
      • 1 микрофон типа SHURE SM58 на стойке для голоса (вокал и конферанс)
      • портальную систему сообразно залу
      • при необходимости — один монитор (возможна работа без монитора в небольших помещениях с хорошей акустикой)
      • сопутствующую коммутацию
      • стул без подлокотников
      • небольшой столик вроде журнального
    • для выступления дуэта Марка и Кирзе Эжеа дополнительно к перечисленному
      • 1 конденсаторный микрофон на стойке для озвучивания теноры (сходный по применимости с микрофоном для диапазона, например, сопрано-саксофона)
      • второй монитор
      • второй стул без подлокотников
  • работает местный звукорежиссёр
  • в быту, на саундчеке и на концерте может потребоваться перевод (английский или испанский языки)
  • программа длительностью 45-90 минут
  • агент: Юрий Льноградский, +7 (916) 511-34-41

Фото для полиграфии

 


Марк Эжеа + «МузЭнерго»: прошлое

Опубликовано

14.10.2019, Москва, КЦ ДОМ: Ronny Graupes SPOOM: Фестиваль Гёте-Института «Джаз осенью: Jazz. Industrial. Kraut», концерт 2

Фестиваль Гёте-Института «Джаз осенью: Jazz. Industrial. Kraut», концерт 2

Ронни Граупе (Ronny Graupe) – гитара
Кристиан Вайднер (Christian Weidner) – саксофон
Йонас Вестергард (Jonas Westergaard) – бас
Кристиан Лиллингер (Christian Lillinger) – ударные

Организатор фестиваля – Гёте-Институт в Москве

Информационные партнеры – Журнал «Джаз.Ру» и Музыкальная энциклопедия «Звуки.ру»

Гитарное трио, прошедшее за восемь лет существования путь от переигровки джазовых стандартов до стопроцентно авторского материала, который потребовал введения в состав нового инструментального голоса: хороший пример того, как немецкая аккуратность и музыкантская самоирония создают новые сущности и перспективы там, где, казалось бы, всё очевидно и малоперспективно.

Гитарист Ронни Граупе основал Spoom как трио в 2005 году, однозначно ориентируясь на «нормальный» джаз классического толка и подбирая репертуар в Великой Американской Книге Джазовых Стандартов. К этому моменту музыканту было двадцать пять, и у него за плечами были достаточно весомые в Германии молодёжные достижения: во-первых, национальная премия Jugend Jazzt (полученная в шестнадцать), во-вторых, именная стипендия лейпцигского фонда Марион Эрмер для молодых музыкантов (2001). Существовал к тому моменту и другой ансамбль, возглавляемый Граупе — Hyperactive Kid, самим названием которого, по сути, о Ронни уже всё сказано. Формально учиться музыке он начал в Лейпциге (высшая школа музыки и театра имени Феликса Мендельсона Бартольди), продолжил в знаменитой копенгагенской Консерватории Ритмической Музыки, а между этими двумя образовательными учреждениями умудрился впихнуть работу ни много ни мало в BuJazzO («Бундес-Джаз-Оркестре» — ещё одно название, не требующее ни перевода, ни пояснения), с которым выступал в самых неожиданных точках планеты.

На этом фоне обращение к традиционному джазовому репертуару и хрестоматийному формату кажется скорее временной прихотью, чем нормой. Так и оказалось. Граупе вообще довелось расти в обстановке, требующей нестандартных выходов из странных ситуаций. Его родной город на момент появления музыканта на свет назывался Карл-Маркс-Штадт и до сих пор несколько внезапно числит в своих почётных гражданах, помимо Бисмарка, двух советских граждан — лётчика Николая Каманина и космонавта Валерия Быковского. Со временем город получил исторической название Хемниц, но вся малопонятная иностранным гражданам специфика взросления в социалистической ГДР явно наложила на Граупе отпечаток и определила его сатирический взгляд на мир. Даже на собственном сайте он рассказывает не столько о своей биографии, сколько о том, что Graupe — это единственное число от термина «Graupen», обозначающего… перловую крупу. Собственно, с разными характеристиками перловой крупы и предлагается знакомиться вместо достижений Ронни. А сам Ронни в это время отказывается от мейнстрима в музыке, начинает писать собственную музыку и уверенно уходит прочь от классической джазовой формы (тема, импровизация, тема). Его собственные пьесы выстраиваются теперь по высоким академическим законам, они многочастны, искушённы, для них характерна непростая драматургия и узнаваемая смесь серьёзности и иронии.

Граупе как импровизатор делается с годами всё более отличен от основной массы «нормальных» джазовых гитаристов — и, как следствие, в 2012-м получает приглашение читать лекции по джазовой гитаре в университете искусств швейцарского Берна.

Spoom записал как трио альбомы «As They Are» (2012, Shoebill Music) и «The White Belt» (2016, Pirouet). После этого усложняющаяся музыка Граупе потребовала введения в состав нового голоса, и к группе присоединился в 2018 году саксофонист Кристиан Вейднер.

Опубликовано

Terrane (США/Россия) + гости во «FLAT»

Деннис Рэй (Dennis Rea), гитара
Дик Валентайн (Dick Valentine)
, саксофон, флейта

Дэниел Зангроуни (Daniel Zongrone), ударные, клавишные
Вадим Дикке, бас
Специальные гости вечера: группа «Немой» (Томск) и участники Strangelet Ensemble (Томск)

Этот международный проект собран для исполнения в прог-роковом и авангардном ключе необычного материала — адаптированной традиционной музыки Центральной Азии и авторских пьес гитариста Денниса Рэя, обращающегося к тому же источнику. 

Рэй заканчивает сейчас запись альбома, на котором будут звучать голоса и инструменты самых неожиданных музыкантов (в частности, тувинца Альберта Кувезина, основателя легендарной Yat-Kha). Terrane — один из ключевых составов, который принимает участие в этом процессе; а сама программа получила остроумное название «Giant Steppes»,  обыгрывающее знаковую джазовую работу Джона Колтрейна «Giant Steps» и одновременно декларирующее свою «географическую» (или, правильнее, этническую?) специфику. Музыканты квартета (фактически выросшего из трио Time-Lapse, выступающего в Штатах без баса) обладают весьма солидным опытом исполнения прог-рока, современного джаза, свободной импровизации, электронной и экспериментальной музыки,- и всё это, разумеется, так или иначе находит отражение в звучании Terrane.

Лидер проекта Деннис Рэй на сцене более 40 лет. Ключевые группы с его участием (многие из них — им же и созданные) — Moraine, LAND, Savant, Earthstar. Рэй выступал с импровизаторами мирового уровня известности — французом композитором Гектором Зазу, голландским барабанщиком Ханом Беннинком, тромбонистом Стюартом Демпстером, «отцом китайского рока» Цуй Цзянем, основателем Hawkwind Ником Тёрнером; в списке есть и множество других больших имён — музыканты-участники таких коллективов, как King Crimson, R.E.M., Pearl Jam, Soundgarden, Santana, Ministry, Sun Ra Arkestra. Ранние годы Рэй провёл в Азии (где регулярно выступал в Китае и Тайване), и по итогам этого периода им написана книга «Live at the Forbidden City: Musical Encounters in China and Taiwan» (Blue Ear Books, 2015). Ему доводилось выходить на сцены в самых разных странах — Мексике, Германии, России. Один из ключевых подопечных знаменитого лейбла звукозаписи MoonJune Records, он принял участие в создании более 40 альбомов. Основные интересы Рэя — это изучение музыкальных традиций разных народов мира и приведение их в единый авангардно-импровизационный или прог-роковый контекст; до начала работы над «Giant Steppes» он отметился, например, прекрасным альбомом «Views From Chicheng Precipice», посвящённым китайской музыке.

Саксофонист и флейтист коллектива Дик Валентайн в разных контекстах обращается также к перкуссии, электронике и голосу. Музыкальное образование он получил под началом прославленного Джо Хендерсона, однако сразу же продемонстрировал потрясающий универсализм и всеядность: помимо современного джаза и внестилевой импровизационной музыки, он заявил о себе в коллективах, исполняющих гамелан (индонезийскую традиционную музыку), мексиканский фольклор, камерные произведения для хора и т.п. Его хорошо знают как «технолога», внедряющего в процесс создания музыки новые инженерные идеи, связанные с использованием электроники. Созданные им композиции исполняют камерные, струнные и духовые ансамбли, включая в том числе филармонический оркестр Сиэтла.

Любопытным образом увлечение электроникой роднит Валентайна с остальными участниками квартета. Так, барабанщик Дэн Зaнгроуни пришёл в электронную музыку из чисто инженерной отрасли; его совместный с Рэем проект Earthstar (созданный в конце 1970-х) оказался, возможно, единственным на тот момент американским составом, который активно работал в области немецкой электронной «космо-музыки» и конкурировал с корифеями жанра в период их расцвета. Зонгроун много пишет для кино, танцевальных трупп, специальных проектов (как следствие, он обладает рядом престижных наград и грантов (NEA, Public Art, Kindermusik и так далее). Как преподаватель он востребован на международном уровне — в частности, в данный момент является резидентом международной музыкальной школы Xi’an Bo-Ai в Китае.

Российский участник квартета Вадим Дикке — бас-гитарист, импровизатор и саунд-продюсер из Томска. Один из основателей пост-индустриальной формации «Секта Феникса», в дальнейшем участник множества проектов, стилистика которых охватывает пост-рок (Sine Seawave), электронику (PSVSV) и джаз-рок (Ángel Ontalva & No Grooves). В настоящее время является руководителем, контрабасистом и дирижёром томского Strangelet Ensemble, специализирующегося на свободной и управляемой коллективной импровизации.

Формирование Time-Lapse именно как международного состава стало возможным по результатам участия Дэнниса Рэя в международном передвижном фестивале «МузЭнергоТур», в рамках которого он посетил несколько сибирских регионов, в том числе Туву и Бурятию, и установил весьма многообещающие контакты с рядом российских музыкантов высшей лиги — в том числе с уже упомянутым Альбертом Кувезиным и группой «Намгар». А более плотное знакомство с Вадимом Дикке, участником того же фестиваля в составе Sine Seawave, уже через год привело к повторному приезду Рэя с прог-роковым проектом «Russian Moraine», в котором к Рэю и Дикке присоединились партнёры из США, Швейцарии и Нидерландов.

Опубликовано

12.09.2019, Абакан, ГЦК «Победа». Terrane (США/Россия) и Альберт Кувезин (Тува)

Деннис Рэй (Dennis Rea), гитара
Дик Валентайн (Dick Valentine)
, саксофон, флейта

Дэниел Зангроуни (Daniel Zongrone), ударные, клавишные
Вадим Дикке, бас
специальный гость: Альберт Кувезин, гитара, вокал

Этот международный проект собран для исполнения в прог-роковом и авангардном ключе необычного материала — адаптированной традиционной музыки Центральной Азии и авторских пьес гитариста Денниса Рэя, обращающегося к тому же источнику. 

Рэй заканчивает сейчас запись альбома, на котором будут звучать голоса и инструменты самых неожиданных музыкантов (в частности, тувинца Альберта Кувезина, основателя легендарной Yat-Kha). Terrane — один из ключевых составов, который принимает участие в этом процессе; а сама программа получила остроумное название «Giant Steppes»,  обыгрывающее знаковую джазовую работу Джона Колтрейна «Giant Steps» и одновременно декларирующее свою «географическую» (или, правильнее, этническую?) специфику. Музыканты квартета (фактически выросшего из трио Time-Lapse, выступающего в Штатах без баса) обладают весьма солидным опытом исполнения прог-рока, современного джаза, свободной импровизации, электронной и экспериментальной музыки,- и всё это, разумеется, так или иначе находит отражение в звучании Terrane.

Лидер проекта Деннис Рэй на сцене более 40 лет. Ключевые группы с его участием (многие из них — им же и созданные) — Moraine, LAND, Savant, Earthstar. Рэй выступал с импровизаторами мирового уровня известности — французом композитором Гектором Зазу, голландским барабанщиком Ханом Беннинком, тромбонистом Стюартом Демпстером, «отцом китайского рока» Цуй Цзянем, основателем Hawkwind Ником Тёрнером; в списке есть и множество других больших имён — музыканты-участники таких коллективов, как King Crimson, R.E.M., Pearl Jam, Soundgarden, Santana, Ministry, Sun Ra Arkestra. Ранние годы Рэй провёл в Азии (где регулярно выступал в Китае и Тайване), и по итогам этого периода им написана книга «Live at the Forbidden City: Musical Encounters in China and Taiwan» (Blue Ear Books, 2015). Ему доводилось выходить на сцены в самых разных странах — Мексике, Германии, России. Один из ключевых подопечных знаменитого лейбла звукозаписи MoonJune Records, он принял участие в создании более 40 альбомов. Основные интересы Рэя — это изучение музыкальных традиций разных народов мира и приведение их в единый авангардно-импровизационный или прог-роковый контекст; до начала работы над «Giant Steppes» он отметился, например, прекрасным альбомом «Views From Chicheng Precipice», посвящённым китайской музыке.

Саксофонист и флейтист коллектива Дик Валентайн в разных контекстах обращается также к перкуссии, электронике и голосу. Музыкальное образование он получил под началом прославленного Джо Хендерсона, однако сразу же продемонстрировал потрясающий универсализм и всеядность: помимо современного джаза и внестилевой импровизационной музыки, он заявил о себе в коллективах, исполняющих гамелан (индонезийскую традиционную музыку), мексиканский фольклор, камерные произведения для хора и т.п. Его хорошо знают как «технолога», внедряющего в процесс создания музыки новые инженерные идеи, связанные с использованием электроники. Созданные им композиции исполняют камерные, струнные и духовые ансамбли, включая в том числе филармонический оркестр Сиэтла.

Любопытным образом увлечение электроникой роднит Валентайна с остальными участниками квартета. Так, барабанщик Дэн Зaнгроуни пришёл в электронную музыку из чисто инженерной отрасли; его совместный с Рэем проект Earthstar (созданный в конце 1970-х) оказался, возможно, единственным на тот момент американским составом, который активно работал в области немецкой электронной «космо-музыки» и конкурировал с корифеями жанра в период их расцвета. Зонгроун много пишет для кино, танцевальных трупп, специальных проектов (как следствие, он обладает рядом престижных наград и грантов (NEA, Public Art, Kindermusik и так далее). Как преподаватель он востребован на международном уровне — в частности, в данный момент является резидентом международной музыкальной школы Xi’an Bo-Ai в Китае.

Российский участник квартета Вадим Дикке — бас-гитарист, импровизатор и саунд-продюсер из Томска. Один из основателей пост-индустриальной формации «Секта Феникса», в дальнейшем участник множества проектов, стилистика которых охватывает пост-рок (Sine Seawave), электронику (PSVSV) и джаз-рок (Ángel Ontalva & No Grooves). В настоящее время является руководителем, контрабасистом и дирижёром томского Strangelet Ensemble, специализирующегося на свободной и управляемой коллективной импровизации.

Формирование Time-Lapse именно как международного состава стало возможным по результатам участия Дэнниса Рэя в международном передвижном фестивале «МузЭнергоТур», в рамках которого он посетил несколько сибирских регионов, в том числе Туву и Бурятию, и установил весьма многообещающие контакты с рядом российских музыкантов высшей лиги — в том числе с уже упомянутым Альбертом Кувезиным и группой «Намгар». А более плотное знакомство с Вадимом Дикке, участником того же фестиваля в составе Sine Seawave, уже через год привело к повторному приезду Рэя с прог-роковым проектом «Russian Moraine», в котором к Рэю и Дикке присоединились партнёры из США, Швейцарии и Нидерландов.

Опубликовано

14.09.2019, Дубна, «Архитеатр Media Lounge». Terrane (США/Россия)

Деннис Рэй (Dennis Rea), гитара
Дик Валентайн (Dick Valentine), саксофон, флейта
Дэниел Зангроуни (Daniel Zongrone), ударные, клавишные
Вадим Дикке, бас

Этот международный проект собран для исполнения в прог-роковом и авангардном ключе необычного материала — адаптированной традиционной музыки Центральной Азии и авторских пьес гитариста Денниса Рэя, обращающегося к тому же источнику. 

Рэй заканчивает сейчас запись альбома, на котором будут звучать голоса и инструменты самых неожиданных музыкантов (в частности, тувинца Альберта Кувезина, основателя легендарной Yat-Kha). Terrane — один из ключевых составов, который принимает участие в этом процессе; а сама программа получила остроумное название «Giant Steppes»,  обыгрывающее знаковую джазовую работу Джона Колтрейна «Giant Steps» и одновременно декларирующее свою «географическую» (или, правильнее, этническую?) специфику. Музыканты квартета (фактически выросшего из трио Time-Lapse, выступающего в Штатах без баса) обладают весьма солидным опытом исполнения прог-рока, современного джаза, свободной импровизации, электронной и экспериментальной музыки,- и всё это, разумеется, так или иначе находит отражение в звучании Terrane.

Лидер проекта Деннис Рэй на сцене более 40 лет. Ключевые группы с его участием (многие из них — им же и созданные) — Moraine, LAND, Savant, Earthstar. Рэй выступал с импровизаторами мирового уровня известности — французом композитором Гектором Зазу, голландским барабанщиком Ханом Беннинком, тромбонистом Стюартом Демпстером, «отцом китайского рока» Цуй Цзянем, основателем Hawkwind Ником Тёрнером; в списке есть и множество других больших имён — музыканты-участники таких коллективов, как King Crimson, R.E.M., Pearl Jam, Soundgarden, Santana, Ministry, Sun Ra Arkestra. Ранние годы Рэй провёл в Азии (где регулярно выступал в Китае и Тайване), и по итогам этого периода им написана книга «Live at the Forbidden City: Musical Encounters in China and Taiwan» (Blue Ear Books, 2015). Ему доводилось выходить на сцены в самых разных странах — Мексике, Германии, России. Один из ключевых подопечных знаменитого лейбла звукозаписи MoonJune Records, он принял участие в создании более 40 альбомов. Основные интересы Рэя — это изучение музыкальных традиций разных народов мира и приведение их в единый авангардно-импровизационный или прог-роковый контекст; до начала работы над «Giant Steppes» он отметился, например, прекрасным альбомом «Views From Chicheng Precipice», посвящённым китайской музыке.

Саксофонист и флейтист коллектива Дик Валентайн в разных контекстах обращается также к перкуссии, электронике и голосу. Музыкальное образование он получил под началом прославленного Джо Хендерсона, однако сразу же продемонстрировал потрясающий универсализм и всеядность: помимо современного джаза и внестилевой импровизационной музыки, он заявил о себе в коллективах, исполняющих гамелан (индонезийскую традиционную музыку), мексиканский фольклор, камерные произведения для хора и т.п. Его хорошо знают как «технолога», внедряющего в процесс создания музыки новые инженерные идеи, связанные с использованием электроники. Созданные им композиции исполняют камерные, струнные и духовые ансамбли, включая в том числе филармонический оркестр Сиэтла.

Любопытным образом увлечение электроникой роднит Валентайна с остальными участниками квартета. Так, барабанщик Дэн Зaнгроуни пришёл в электронную музыку из чисто инженерной отрасли; его совместный с Рэем проект Earthstar (созданный в конце 1970-х) оказался, возможно, единственным на тот момент американским составом, который активно работал в области немецкой электронной «космо-музыки» и конкурировал с корифеями жанра в период их расцвета. Зонгроун много пишет для кино, танцевальных трупп, специальных проектов (как следствие, он обладает рядом престижных наград и грантов (NEA, Public Art, Kindermusik и так далее). Как преподаватель он востребован на международном уровне — в частности, в данный момент является резидентом международной музыкальной школы Xi’an Bo-Ai в Китае.

Российский участник квартета Вадим Дикке — бас-гитарист, импровизатор и саунд-продюсер из Томска. Один из основателей пост-индустриальной формации «Секта Феникса», в дальнейшем участник множества проектов, стилистика которых охватывает пост-рок (Sine Seawave), электронику (PSVSV) и джаз-рок (Ángel Ontalva & No Grooves). В настоящее время является руководителем, контрабасистом и дирижёром томского Strangelet Ensemble, специализирующегося на свободной и управляемой коллективной импровизации.

Формирование Time-Lapse именно как международного состава стало возможным по результатам участия Дэнниса Рэя в международном передвижном фестивале «МузЭнергоТур», в рамках которого он посетил несколько сибирских регионов, в том числе Туву и Бурятию, и установил весьма многообещающие контакты с рядом российских музыкантов высшей лиги — в том числе с уже упомянутым Альбертом Кувезиным и группой «Намгар». А более плотное знакомство с Вадимом Дикке, участником того же фестиваля в составе Sine Seawave, уже через год привело к повторному приезду Рэя с прог-роковым проектом «Russian Moraine», в котором к Рэю и Дикке присоединились партнёры из США, Швейцарии и Нидерландов.

Опубликовано

Wolkenpark (Швейцария)


Криц Флю (Kriz Flew), труба, синтезаторы, электроника
Жан-Пьер Шалле (Jean-Pierre Schaller), электрический бас
Анди Брюггер (Andy Brugger), ударные

Джаз, электроника, технологии, импровизация, танцпол. Вот ключевые слова для описания швейцарского трио, в котором три музыканта далеко не первой молодости делают живую музыку, которая заставляет вставать со стульев и пускаться в пляс и их сверстников, и сегодняшних восемнадцатилетних. Сами себя они характеризуют ещё короче: «urban hybrid sounds», «городские гибридные звуки»

Проект Wolkenpark оформился в 1990-х — как дуэт трубача Крица Флю и электронщика Мехди Хансари. Технологии звукозаписи в тот момент были, разумеется, несравнимы с сегодняшними, и для фиксации звукоряда, который сейчас может быть создан легко и непринуждённо, приходилось пользоваться экзотическими решениями и громоздким инструментарием — плёночными DAT-магнитофонами, компьютером Atari и так далее. Поиск технических решений, которые позволяли бы столь малым составом делать достойную музыку в реальном времени, продолжался до конца первого десятилетия XXI века, и в итоге Флю и Хансари сумели добиться своего. Wolkenpark был в состоянии не просто делать студийные записи, но исполнять свой материал вживую, не используя предварительного программирования. Общий интерес к танцевальной музыке и джазу сделал их материал не только ритмичным, но и импровизационным во всех смыслах,- и содержательно, и технически. А его непривычная для ночных клубов «живость», легко опознаваемая аудиторией на слух, привлекла к ним особое внимание. Дуэт, среди прочего, стал регулярно брать призовые места в конкурсах и премиях, которые мало что говорят ценителю джаза, но весьма авторитетны в среде клубной музыки (Nightclub-City Original Song Contest, HOFA Production & Song Contest и так далее).

В 2018-м Хансари завершил свою сценическую карьеру, сосредоточившись на композиции для кинематографа, и Флю переформатировал Wolkenpark, пригласив в состав двух своих давних партнёров по джазово-авангардному коллективу Tanga Zoo. Сохранив общую стилистику Wolkenpark, он тем самым довольно радикально изменил его звучание и добавил к чистой танцевальности весьма любопытную содержательность. Аудитория стала замечать, что Wolkenpark теперь — это не просто великолепный фон для танцев в хорошей компании; это ещё и музыка, которую можно слушать и анализировать, не поднимаясь на ноги.

В марте 2019 Wolkenpark выполнили свой первый тур обновлённым составом  и получили восторженную прессу и отзывы публики. По их словам, всё так же принципиальным моментом остаётся создание материала вживую (и программирование ударных партий, и многослойное наложение эффектов, и используемые в музыке «звуковые петли» — всё это делается на глазах у аудитории). Как правило, живое выступление строится почти по принципу диджейского сета, когда одна композиция (или расширенная импровизация) плавно перетекает в другую, порой с радикальной сменой ритма и эмоционального посыла.

Критично важна для понимания Wolkenpark именно джазовая суть его участников. Криц Флю, например, помимо этого состава — не только трубач, но и вокалист, в активе у которого — первые места на престижных конкурсах вроде Montreux Jazz Chrysler Award и (это достижение постарше) Young Swiss Jazz Award. Басист Жан-Пьер Шалле работал, помимо множества собственных коллективов, с такими грандами, как Эдди Дэниелс, Боб Минтцер, Пи Ви Эллис, Рэнди Бреккер, Расселл Ферранте, а сейчас преподаёт бас и ансамбль в университете Лозанны. Барабанщик Анди Брюггер — профессор класса ударных инструментов в Цюрихской высшей школе искусств, принимавший участие в бесчисленном множестве концертных туров как фрилансер.

Фото для полиграфии


Wolkenpark + «МузЭнерго»

Первый в истории российский тур коллектива был официально отменён в марте 2020 года из-за всемирной пандемии коронавируса и распоряжения Правительства РФ, запрещающего на период проведения тура въезд иностранных граждан на территорию России.

  • 2 июня 2020, вт: Москва, клуб Игоря Бутмана
  • 3 июня 2020, ср: Сатка (Челябинская область), мероприятия по линии Посольства Швейцарии
  • 4 июня 2020, чт: Челябинск, The Bochka
  • 5 июня 2020, пт: Екатеринбург, «Синара», мероприятия по линии Посольства Швейцарии
  • 6 июня 2020, сб: Екатеринбург, мероприятия по линии Посольства Швейцарии
  • 7 июня 2020, вс: Ижевск, фестиваль «Открытый город»
  • 8 июня 2020, пн: Набережные Челны, Red Pub

Параметры предстоящего тура

  • 3 человека в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются со стороны «МузЭнерго»
  • Принимающая сторона обеспечивает несложный технический райдер:
    • ударную установку в стандартной комплектации (бас-барабан, малый барабан, 1-2 навесных тома, 1 напольный том, 3 стойки под тарелки, стойка малого барабана, стойка хай-хэта, педаль, стул с регулируемой высотой, коврик)
    • качественный басовый комбо
    • 6 дополнительных линий для подключения электроники и духовых (через собственные микрофоны и процессоры)
    • 3 монитора, 3 мониторные линии
    • портальную систему соответственно залу
  • работает местный звукорежиссёр
  • в рекламной кампании должны быть указаны логотипы поддерживающих коллектив организаций (ProHelvetia, Fondation Suisa, Kanton Zurich)

Агент: Юрий Льноградский, +7 (916) 511-37-41, iouri.lnogradski@gmail.com

 

Опубликовано

Mirja Klippel & Alex Jønsson (Финляндия/Дания)

Мирья Клиппель (Mirja Klippel), голос, акустическая гитара
Алекс Йонссон (Alex Jønsson), электрогитара, бэк-вокал, электроника

В 2016-м Мирья Клиппель получила национальную датскую музыкальную премию (DMA) как «Лучший автор песен» в категории «фольклор». В Россию она приезжает в необычном дуэте с гитаристом Алексом Йонссоном, который известен скорее как джазмен, причём джазмен, тяготеющий к непростым современным формам.  

В чём корни этого союза? Да всё в том же: в последовательно уничтожающей формальные границы реальности современной Европы, в возможности для любого ищущего себя творческого человека входить с любые двери с любыми идеями — и находить себе столь же свободных единомышленников.

Мирья Клиппель — финка по происхождению и гражданству, живущая сейчас в датском Копенгагене. Её первое профессиональное музыкальное образование — Академия Сибелиуса в Финляндии. Второе — Академия Музыки и Драмы в Швеции. Третье (!) — знаменитая Консерватория Ритмической музыки в Дании. Она профессионально поёт и играет на нескольких инструментах совершенно разных типов — фортепиано, гитаре и ряде национальных щипковых струнных с нестандартными строями, даже на бубне. Первую сольную работу (EP «Lift Your Lion») Клиппель выпустила в 2016-м — именно эта работа и принесла ей упомянутую премию в Дании (равно как и номинацию на звание «лучшего нового фолк-артиста»). В её песнях узнаваемо сильна скандинавская линия; Клиппель поёт, по большому счёту, о том же, о чём пели её предки на протяжении веков — о любви и войнах, о неразрывным кровном родстве и непримиримой вражде близких родственников, о озёрах, лесах и их обитателях, о странствиях и кочевой жизни.

Партнёром Мирьи по дуэту стал гитарист Алекс Йонссон, чей фальцет очень необычно оттеняет её глубокий и низкий голос. Выпускник расположенной в Орхусе Королевской академии музыки, со своим собственным джазовым трио он был номинирован на национальную датскую музыкальную премию  как «Лучший новый джазовый состав года». Йонссон активно сотрудничает сразу с несколькими скандинавскими звёздами национального масштаба, а в дуэт с Клиппель привносит очень специфическое гитарное обрамление: там, где её собственная гитара — это вполне ожидаемый фолковый аккомпанемент, его инструмент добавляет не только электричества, но и свободной, живой импровизации, характерных для современного джаза угловатых диссонансов, неожиданной и порой парадоксальной глубины.

В активе у самой Клиппель лишь две записи (первый полноценный альбом она выпустила лишь осенью 2018-го), Йонссон уже имеет в дискографии два десятка работ, из которых три — в качестве лидера. Любопытна (и, возможно, даже неслучайна, т.к. Йонссон и Клиппель — партнёры не только на сцене, но и в жизни) перекличка названий из последних альбомов: работа Йонсона 2015-го года называется «Spy on your friends» («Следи за своими друзьями»), на что Клиппель словно бы отвечает своим «Lift Your Lion» в 2016-м (да, это вполне буквальное «Подними своего льва», которое требует пояснений — в одноимённой песне Клиппель обращается к некоему то ли духовному, то ли политическому вождю, который должен заставить свой народ встать с колен — дословно, «поднять своего льва на ноги»). В том же 2016-м Йонссон записывает следующий альбом, в названии которого уходит от повелительного наклонения — «Heart Of Gold» («Сердце из золота»), а в 2018-м Клиппель отвечает своим, в названии которого сохраняет не только форму, но и увязку с благородным металлом: «River of Silver», «Река из серебра».

В первом российском туре у этой интересной во всех смыслах и по-хорошему концептуальной пары была возможность объяснить российской аудитории, что за всем этим кроется. И объяснение получилось настолько убедительным, что уже в ноябре 2020 года дуэт должен был вернуться и добраться аж до Красноярска и Абакана. Но, как и у многих, все планы спутали коронавирусные ограничения, и сейчас идёт работа по переносу тура на сезон 2021-2022.

Отзывы прессы

  • «…впечатляющий дебют» (Music That Needs Attention)
  • «… в River Of Silver есть то, чего не хватает многим альбомам: душа» (Gezeitenstrom)
  • «… если в этом году вы купите только один альбом, это должен быть River of Silver» (Artist In The Spotlight)
  • «… голосу Марьи Клиппель послушны все нюансы… Однозначно, альбом для постоянного переслушивания» (Nordische Musik)
  • «… это просто не может быть рекомендовано в достаточной степени. Это качество, которое редко удаётся услышать, доносимое на высочайшем уровне артистизма и настолько узнаваемым, собственным во всех смыслах голосом, что вы будете побеждены и захвачены с первой же ноты» (Diskant)

Фото для полиграфии

рекомендованные артистом в первую очередь

прочие


Mirja Klippel & Alex Jønsson + «МузЭнерго»: будущее

  • Тур 2021 года в процессе подготовки
    • 19 ноября 2021, пятница — день начала тура
    • 12 декабря 2021, воскресенье — день окончания тура

Mirja Klippel & Alex Jønsson + «МузЭнерго»: прошлое

  • ТУР-2019
  • Тур 2020 года отменён по причине коронавируса
    • до 14 ноября включительно — концерты в Прибалтике (14 ноября — Раквере, Эстония)
    • 15-16 ноября — даты свободны (могут обсуждаться Петербург и Ленинградская область)
    • 17 ноября, вт — Санкт-Петербург, культурный центр «Сердце»
    • 18 ноября, ср — Санкт-Петербург, открытие фестиваля «Недели Северных стран в Петербурге»
    • 20 ноября, пт — Архангельск, «Колесо»
    • 21 ноября, сб — Череповец, бар «Соль»
    • 22 ноября, вс — Киров, книжный клуб «12»
    • 24 ноября, вт — Нижний Новгород, DKRT
    • 25 ноября, ср — Ижевск
    • 28 ноября, сб — Екатеринбург, Ельцин Центр
    • 4 декабря 2020 — Красноярск, Филармония
    • 7 декабря 2020 — Абакан, «Победа»
    • 10 декабря 2020 — Москва, джаз-клуб «Эссе»

Параметры возможного тура

  • 2-3 человека в делегации (в зависимости от города проведения концерта и присутствия в туре менеджера)
  • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются компанией «Отдел культуры»
  • принимающая сторона обеспечивает несложный технический райдер:
    • для основного вокалиста — 1 канал с фантомным питанием и микрофон (предпочтительно конденсаторный Neumann)
    • для акустической гитары — 2 канала с фантомным питанием (один для собственного звукоснимателя, второй для конденсаторного микрофона)
    • для электрогитары — 1 канал, гитарный комбо-усилитель (предпочтительно небольшого размера и мощности), снятие микрофоном
    • для бэк-вокала — 1 канал, 1 вокальный микрофон
    • две микрофонных стойки
    • (по возможности) 2 стойки для акустических гитар и одна для электрической гитары
    • мониторы, коммутация, портальный звук — сообразно специфике зала
  • работает местный звукорежиссёр
  • программа длительностью 60-90 минут
  • в рекламной кампании должны быть указаны логотипы трёх поддерживающих коллектив организаций, в том числе Посольства Дании в РФ, Tempi, «МузЭнерго» (все логотипы доступны для скачивания общим архивом)
  • Агент: Юрий Льноградский, +7 (916) 511-37-41, iouri.lnogradski@gmail.com

Архив избранных афиш

Опубликовано

The Great Harry Hillman (Швейцария/Германия)


Нильс Фишер (Nils Fischer), духовые
Давид Кох (David Koch), гитара
Самуэль Ювилер (Samuel Huwyler), бас
Доминик Маниг (Dominik Mahnig), ударные

Швейцарско-немецкий пост-джазовый квартет, участникам которого около тридцати и который самим своим названием посвящён американскому атлету, взявшему в 1904 году три золотые олимпийские медали в беге, преимущественно с препятствиями. Кажется, пресс-релиз уже готов?

Музыканты «Великого Гарри Хиллмена» играют вместе больше десяти лет, что по современным меркам делает их состав настоящим долгожителем европейской сцены. У них на счету три альбома — «After Livingston» (2013), «Veer Off Course» (2015) и «TILT», выпущенный в 2017-м на престижном лейбле Cuneiform Records. И, разумеется, их пост-джаз — это не взгляд на «нормальный» джаз из сегодняшнего дня. Это то, что сегодня от этого самого «нормального» джаза осталось, после всех случившихся с ним коловращений, болезней и исцелений, после всех попыток объединить его с другими видами музыки и после всех неизбежных жанровых, национальных, концептуальных и бог знает каких ещё инъекций. Как пишут критики — в их музыке достаточно и джаза, и рока, и свободной импровизации, их звучание негромко (но мощно), а их взаимодействие позволяет им взорваться по-настоящему, если таково веление момента, но по большей части они предпочитают гипнотизировать слушателя продуманной сложностью музыкальной конструкции.

Не очень понятно, что и говорить. Ну, на то это и бег с препятствиями.

Все четверо участников «Хиллмена» — музыканты с профессиональным джазовым исполнительским образованием (а саксофонист и кларнетист Нильс Фишер в дополнение к этому имеет ещё и магистерскую степень преподавателя музыки). Имена их преподавателей едва ли так же хорошо известны российскому слушателю, как имена более заметных на мировой сцене американских коллег, однако всё это — высший эшелон европейского джазового образования, педагоги, успешно совмещающие обучение студентов с собственной успешной карьерой в достаточно разноплановых подвидах современного джаза: Курт Розенвинкель, Франк Мёбус, Хейри Канциг, Урс Ляймгрубер, Вольфганг Цвиауэр. Немудрено, что и личные биографии музыкантов демонстрируют весьма разноплановое прошлое и настоящее. Например, Нильс Фишер тяготеет к концептуальным подвидам нынешней импровизационной музыки (и, в частности, в 2015 году проехал пол-России с театрализованным проектом «Shady Midnight Orchestra» швейцарской вокалистки Марены Витчер). Гитарист Давид Кох, выросший в семье академического флейтиста, начинал с исполнения (внезапно) клезмера и ирландского фольклора, а потом пришёл к инди-року через увлечение творчеством Джона Зорна и вообще нью-йоркским «даунтаунским» авангардом рубежа XX и XXI веков. Басист Самуэль Хювилер не менее неожиданно пришёл к своему инструменту через рок-музыку (где начинал как гитарист) и серьёзнейшее увлечение рисованием. И только барабанщик Доминик Маниг определился и со стилем, и с инструментом с самого детства — в его арсенале даже регулярные победы в национальных барабанных шоу.

Весной 2015 года ансамбль получил престижную швейцарскую джазовую премию ZKB, которая открыла для многих коллективов принципиально новые возможности. По сути — это официальное признание того, что коллектив не просто входит в молодую элиту национального джаза, но определяет само понятие этой элиты.

Отзывы прессы

  • … здесь нет бессмысленной демонстрации техники или нарочитых красивых соло; эти парни действуют, как единое целое, как сложный механизм, чтобы донести до слушателя нечто свежее и до странности прекрасное. (Igloo Magazine, США)
  • … коллективное объединение усилий в композиции и исполнении. Демократическая философия. (Karl Ackermann, «All About Jazz»)
  • … если вы из тех ценителей джаза, которым по нраву материал с претензией, выходящий за стандартные джазовые рамки, но не нарочитый и не слишком влюблённый в собственную концептуальность — обратите внимание на этот коллектив. (Audiophile Audition)
  • … хрупкое произведение, рождающееся из многослойных инструментальных высказываний в прекрасной аранжировке: они соединяются, распадаются и вновь соединяются в великолепных гармониях и прогрессивных ритмических рисунках. (Mos Eisley Music, Германия)

The Great Harry Hillman + «МузЭнерго»: будущее

Коллектив из экологических соображений передвигается исключительно наземным транспортом, что исключает транспортные связки с помощью авиаперелётов и требует скрупулёзного выстраивания логистики поездами и автобусами.

  • 1-2 февраля 2021 — концерты в Германии и Польше
  • 3 февраля 2021, ср — Калининград (зал будет объявлен дополнительно)
  • 4 февраля 2021, чт — Каунас
  • 5 февраля 2021, пт — даты обсуждаются
  • 6 февраля 2021, сб — даты обсуждаются
  • 7 февраля 2021, вс — Нижний Новгород, «Арсенал»
  • 8 февраля 2021, пн — даты обсуждаются
  • 9 февраля 2021, вт — Москва, клуб Алексея Козлова
  • 10 февраля 2021, ср — Тула, «Типография»
  • 11 февраля 2021, чт — дата свободна
  • 12 февраля 2021, пт — Брянск (договорённость финализируется)
  • 13 февраля 2021, сб — Смоленск (договорённость финализируется)

Фото для полиграфии


The Great Harry Hillman + «МузЭнерго»: прошлое

Параметры возможного тура

  • 4 человека в делегации
  • транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются компанией «Отдел культуры» (возможно уменьшение по гонорару при предоставлении жилья и питания принимающей стороной по результатам обсуждения)
  • Принимающая сторона обеспечивает техрайдер. Допустимы согласования и упрощения, вплоть до выступлений в небольших залах без дополнительного звукоусиления, кроме комбо. Упрощённый вариант техрайдера:
    • ударные (предпочтительно Gretsch, Slingerland, Ludwig, Rogers): бочка 20×14, навесной том 12×8, напольный том 14×14, малый барабан 14×5, пластики Ambassador Coated, набор стоек (2 стойки под тарелки, 1 под хай-хэт, 1 под малый барабан), педаль, стул с регулируемой высотой, коврик (группа привозит свои тарелки); предпочтительно озвучивание 4 микрофонами (бочка, малый барабан, два оверхэда)
    • бас: качественный и предпочтительно ламповый басовый комбо-усилитель, снятие звука — микрофоном и через DI-box
    • гитара: качественный ламповый гитарный комбо-усилитель, снятие звука — микрофоном; необходима маленькая микрофонная стойка для размещения обработки;
    • духовые: два микрофона для бас-кларнета и сопрано-саксофона (статическое расположение ниже и выше соответственно), дополнительный канал для эффектов
    • мониторы: 4 монитора, 4 мониторные линии
    • прочее: микрофон на конферанс, соответствующий комплект шнуров, электрокоммутации и т.п.
    • портальная система соответственно залу
  • работает местный звукорежиссёр
  • программа длительностью от 60 до 90 минут
  • в рекламной кампании должны быть указаны логотипы поддерживающих тур организаций
  • Юрий Льноградский, +7 (916) 511-37-41, iouri.lnogradski@gmail.com

Архив избранных афиш