Опубликовано

18.06.2022, Красноярск: ЕВГЕНИЙ ЛЕБЕДЕВ

Евгений Лебедев (фортепиано) / SOLO

Сибирский государственный институт искусств имени Дмитрия Хворостовского / Большой концертный зал
18 июня (суббота), начало в 19:00
продолжительность 1,5 часа

Евгений Лебедев — один из самых ярких джазовых музыкантов своего поколения, обладатель премии журнала Billboard и выпускник прославленного колледжа Бёркли (Berklee College of Music) в Бостоне. Победитель международного конкурса джазовых исполнителей в Бельгии, призёр конкурса пианистов в рамках Джаз-фестиваля в Монтрё (Швейцария) и конкурса Made In New York Jazz Competition (США).

Музыкант принимал участие в крупнейших джазовых фестивалях мира, таких как: North Sea Jazz, Jazz Masters (Нидерланды), Jazz a Juan (Франция), Lionel Hampton Jazz Festival, Tanglewood Jazz Festival (США), Jazz Hoeilaart, Brussels Jazz Weekend (Бельгия).

Сотрудничал с джазовыми звездами первой величины: барабанщики Джек ДеДжонетт, Терри-Лин Кэррингтон, Ленни Уайт и Кенвуд Денард, басист Маркус Миллер, трубач Рэнди Бреккер, саксофонисты Давид Санчес, Джо Ловано и Джордж Гарзон, гитарист Дэвид Фьючински и др.

В настоящее время Евгений выступает вместе с басистом Антоном Ревнюком и барабанщиком Игнатом Кравцовым в составе LRK Trio, который вошёл в обойму самых экспортируемых российских джазовых коллективов. Их гастрольные маршруты пролегли по Бельгии, Нидерландам, Польше, Эстонии, Швейцарии, США, Японии, Южной Корее, Норвегии, Португалии, плюс выступления на множестве российских фестивалей и концертных площадок.

Будучи активно концертирующим пианистом, Евгений много времени уделяет сочинению музыки и педагогической деятельности. В арсенале у пианиста два сольных альбома, один из которых посвящён балладам, а второй («Jazz session») привносит новые краски в джазовые стандарты. В обоих альбомах рассыпаны, словно редкими породами камней, авторские пьесы.

В Красноярске Евгений даст сольный концерт, программа которого будет этаким гибридом, включающим в себя джазовые стандарты, авторские пьесы и даже импровизации на темы, предложенные зрителем.

 

Опубликовано

19.05.2021, Дубна, «Прощай, оружие!»: ДРУГОЕ ДЕЛО (Воронеж)

 

Музыка «Другого дела» проста и сложна одновременно, она пронизана эстетским флёром и бунтарским духом, она мелодична и танцевальна – и при этом экспериментальна, изысканна и «независима» в лучшем смысле слова. 


Опубликовано

La Fanfarria del Capitán (Аргентина)

Валериа Велаксес (Valeria Velasquez), скрипка
Херонимо «Капитан» Кассанье (Jeronimo Capitan Cassagne), голос, гитара
Виктория Корнехо (Victoria Cornejo), голос, аккордеон
Хуан Пабло Пелаэс (Juan Pablo Pelaez), труба
Федерико Санчес (Federico Sanchez), голос, бас
специальные гости:
Олег Дробинский, кларнет, гайта
Юрий Капля, флейта

Изрядно нашумевшему коллективу La Fanfarria Del Capitan не раз случалось выступать в России в последнее десятилетие (в том числе под именем Capitan Tifus). Их музыка ближе к танцевально-латиноамериканской.

La Fanfarria del Capitán + «МузЭнерго»: прошлое

    • 10.06.2018 — Сергиев Посад, фестиваль «Дубрава Музыка 2018»
    • 15.06.2018 — Москва, ЦДХ

Архив избранных афиш

Опубликовано

Bersuit Vergarabat (Аргентина)

Карлос Жерман Сбарбати (Carlos German Sbarbati), вокал
Даниэль Суарес (Daniel Suárez), вокал
Хуан Бруно (Juan Bruno), гитара
Виктор Альберто Тито Веренсуэла (Víctor Alberto «Tito» Verenzuela), гитара
Мариано Камполиете (Mariano Campoliete), гитара
Хуан Субира (Juan Subirá), клавишные, вокал
Рене «Пепе» Сеспедес (René «Pepe» Céspedes), бас-гитара
Карлос Мартин (Carlos E. Martín), ударные

Про этот коллектив не надо ничего рассказывать тому, кто ценит южноамериканскую рок-сцену и неровно дышит к текстам на испанском. Уникальный концерт Bersuit Vergarabat в Москве по духу ближе к концерту в Буэнос-Айресе: выступление приурочено к футбольным матчам Чемпионата мира, и посмотреть на свою сборную (а заодно и на своих любимых музыкантов) приедут сотни аргентинских болельщиков.

В 2018-м Bersuit Vergarabat проводит мировое турне в честь своего тридцатилетия. Отличительной чертой коллектива всегда были острые тексты; что до музыки, то это соединение рок-стилистики с латиноамериканскими ритмами (кумбия, танго, мурга, регги, чакарера и кандомбе).

Bersuit Vergarabat широко известны не только в Аргентине, но и во всех странах Латинской Америки, в Испании, США, Великобритании, Германии, Японии. На счету коллектива тринадцать альбомов (свою официальную дискографию они открыли в 1992 году альбомом «Y Punto»). Знаковой стала работа «Libertinism» (1998), показанная в большом туре по странам всего континента; он завершился концертом на открытом воздухе в Буэнос-Айресе, собравшим более 50 тысяч человек. В этот альбом вошла нашумевшая песня «Mr. Cobranza», подвергшаяся цензуре со стороны аргентинского правительства за грубый и прямолинейный текст. Альбом 2000 года «Hijos del Culo» получил двойной национальный платиновый статус. К слову о футболе – на нём был выпущен своеобразный гимн аргентинских болельщиков «Toco y Me Voy». Однако со временем все эти достижения лишь обновлялись и обновлялись: был и шестикратный (!) платиновый статус более поздней работы «La Argentinidad Al Palo», и стадионные концерты на аудиторию в 70 (!) тысяч человек, и многочисленные туры по всему миру.

В 2009-м группу покинул для начала сольной карьеры основной вокалист оригинального состава, Густаво Кордера, однако на росте популярности коллектива это не отобразилось. Продолжая одновременно и развивать тему «песен протеста», и провоцировать аудиторию на танец, Bersuit Vergarabat постоянно трансформируются; они всегда интересны тому, кто незнаком с их музыкой, и всегда гарантируют какие-то сюрпризы преданным фанатам.

[текст 2018 г.]

 

Bersuit Vergarabat + «МузЭнерго»: прошлое

    • 15.06.2018 — Москва, ЦДХ

Архив избранных афиш

Видео с организованных нами выступлений

Опубликовано

José Lencastre NAU Quartet (Португалия)

Жозе Ленкастре (José Lencastre), альт-саксофон
Родригу Пинейру (Rodrigo Pinheiro), фортепиано
Эрнани Фауштину (Hernâni Faustino), контрабас
Жоау Ленкастре (João Lencastre), ударные

Братья Жозе (альт-саксофон) и Жоау (барабаны) Ленкастре собрали квартет, в котором играют один из лучших пианистов европейского джаза Родригу Пинейру и выдающийся контрабасист Эрнани Фауштину — это две трети ведущего португальского новоджазового состава RED Trio, в активе которого записи, например, с Нейтом Вули и Джоном Бутчером.

[текст 2018 г.]

José Lencastre NAU Quartet + «МузЭнерго»: прошлое

  • 19.09.2018 — Дубна, КМЦ «Инициатива»

Архив избранных афиш

Опубликовано

02.04.2020, Владимир, «Grey Whale»: MARC EGEA (Каталония)

 

Марк Эжеа (Marc Egea), колёсная лира, голос, этнические духовые и перкуссионные инструменты

Древний традиционный инструмент каталонского фольклора, колёсная лира, куда шире распространена в мире, чем может показаться неспециалисту. Но Марк Эжеа, один из лучших в мире специалистов по hurdy gurdy (именно так обычно называют колёсную лиру на английском), одинаково свободно чувствует себя и в фольклорном, и в импровизационном поле, а временами обращается и к электронике. Смесь традиционной музыки и джаза, академического музыкального языка и свободы, крайне необычная тембральная картина, оригинальный материал — всё это делает его работу ярким и заметным явлением.

Эжеа — автор собственной школы игры на инструменте («Iniciació a la viola de roda»), который в его руках обретает кажущиеся нереальными возможности. Марк охотно выступает как в составе ансамблей, так и соло, причём пользуется не только процессорной электроникой, но и некоторыми другими фольклорными инструментами. Последнее время он всё чаще использует флабиол — небольшой каталонский духовой инструмент, один из дюжины обязательных голосов традиционного ансамбля под названием «кобла». Марк вообще много и плодотворно работает с национальными духовыми, а в своих сольных альбомах задействует весь спектр от органа до перкуссии и от гитары до трубы. Неудивительно, что и в его исполнительской карьере встречаются весьма полярные проекты — от этно-джазового квартета Kaulakau до муниципального оркестра фанфар Барселоны. Эжеа регулярно сотрудничает с балетными и театральными труппами, создаёт уникальные звуковые инсталляции для музейных выставок, получает заказы на написание музыки к радио- и телепередачам и т.д.

Марк не раз бывал в России. Начав свои приезды с показа этно-джазового квартета Kaulakau, в 2013-м он вернулся с сольной программой и стал одним из ключевых участников первого гастролирующего фестиваля «МузЭнергоТур», проехав с ним от Подмосковья до Красноярского края. Наряду с ещё несколькими музыкантами он заложил основные художественные принципы проекта, предполагающие активное импровизационное сотрудничество «на ходу»; именно на основе этого опыта он принял решение участвовать в следующем туре уже без процессорной электроники, предлагая публике лишь акустическое звучание инструментов и свой голос. Одним из самых поразительных умений Марка оказалась способность вызывать на аудиторию дождь посреди ясного дня, исполняя для этого специальную древнюю каталонскую песню-заклинание.

В настоящее время Эжеа всё дальше уходит от электронного экспериментаторства к корневому фольклору, который, однако, подаёт во всё более радикальной манере — то аранжируя простенькие крестьянские песенки в формат чуть ли не академических ораторий, то находя в скупом акустическом звучании вполне современный танцевальный пульс, то поражая слушателя искренностью зрелого мужчины, максимально открыто поющего о вечных темах — любви, предательстве, дружбе, одиночестве. С недавнего времени с Марком часто выступает его старший сын Кирзе, поющий вторую партию и играющий на теноре (национальном духовом инструменте).

Опубликовано

30.03.2020, Яхрома, «Camberry»: MARC EGEA (Каталония)

 

Марк Эжеа (Marc Egea), колёсная лира, голос, этнические духовые и перкуссионные инструменты

Древний традиционный инструмент каталонского фольклора, колёсная лира, куда шире распространена в мире, чем может показаться неспециалисту. Но Марк Эжеа, один из лучших в мире специалистов по hurdy gurdy (именно так обычно называют колёсную лиру на английском), одинаково свободно чувствует себя и в фольклорном, и в импровизационном поле, а временами обращается и к электронике. Смесь традиционной музыки и джаза, академического музыкального языка и свободы, крайне необычная тембральная картина, оригинальный материал — всё это делает его работу ярким и заметным явлением.

Эжеа — автор собственной школы игры на инструменте («Iniciació a la viola de roda»), который в его руках обретает кажущиеся нереальными возможности. Марк охотно выступает как в составе ансамблей, так и соло, причём пользуется не только процессорной электроникой, но и некоторыми другими фольклорными инструментами. Последнее время он всё чаще использует флабиол — небольшой каталонский духовой инструмент, один из дюжины обязательных голосов традиционного ансамбля под названием «кобла». Марк вообще много и плодотворно работает с национальными духовыми, а в своих сольных альбомах задействует весь спектр от органа до перкуссии и от гитары до трубы. Неудивительно, что и в его исполнительской карьере встречаются весьма полярные проекты — от этно-джазового квартета Kaulakau до муниципального оркестра фанфар Барселоны. Эжеа регулярно сотрудничает с балетными и театральными труппами, создаёт уникальные звуковые инсталляции для музейных выставок, получает заказы на написание музыки к радио- и телепередачам и т.д.

Марк не раз бывал в России. Начав свои приезды с показа этно-джазового квартета Kaulakau, в 2013-м он вернулся с сольной программой и стал одним из ключевых участников первого гастролирующего фестиваля «МузЭнергоТур», проехав с ним от Подмосковья до Красноярского края. Наряду с ещё несколькими музыкантами он заложил основные художественные принципы проекта, предполагающие активное импровизационное сотрудничество «на ходу»; именно на основе этого опыта он принял решение участвовать в следующем туре уже без процессорной электроники, предлагая публике лишь акустическое звучание инструментов и свой голос. Одним из самых поразительных умений Марка оказалась способность вызывать на аудиторию дождь посреди ясного дня, исполняя для этого специальную древнюю каталонскую песню-заклинание.

В настоящее время Эжеа всё дальше уходит от электронного экспериментаторства к корневому фольклору, который, однако, подаёт во всё более радикальной манере — то аранжируя простенькие крестьянские песенки в формат чуть ли не академических ораторий, то находя в скупом акустическом звучании вполне современный танцевальный пульс, то поражая слушателя искренностью зрелого мужчины, максимально открыто поющего о вечных темах — любви, предательстве, дружбе, одиночестве. С недавнего времени с Марком часто выступает его старший сын Кирзе, поющий вторую партию и играющий на теноре (национальном духовом инструменте).

Опубликовано

01.04.2020, Тула, «Типография»: MARC EGEA (Каталония)

 

Марк Эжеа (Marc Egea), колёсная лира, голос, этнические духовые и перкуссионные инструменты

Древний традиционный инструмент каталонского фольклора, колёсная лира, куда шире распространена в мире, чем может показаться неспециалисту. Но Марк Эжеа, один из лучших в мире специалистов по hurdy gurdy (именно так обычно называют колёсную лиру на английском), одинаково свободно чувствует себя и в фольклорном, и в импровизационном поле, а временами обращается и к электронике. Смесь традиционной музыки и джаза, академического музыкального языка и свободы, крайне необычная тембральная картина, оригинальный материал — всё это делает его работу ярким и заметным явлением.

Эжеа — автор собственной школы игры на инструменте («Iniciació a la viola de roda»), который в его руках обретает кажущиеся нереальными возможности. Марк охотно выступает как в составе ансамблей, так и соло, причём пользуется не только процессорной электроникой, но и некоторыми другими фольклорными инструментами. Последнее время он всё чаще использует флабиол — небольшой каталонский духовой инструмент, один из дюжины обязательных голосов традиционного ансамбля под названием «кобла». Марк вообще много и плодотворно работает с национальными духовыми, а в своих сольных альбомах задействует весь спектр от органа до перкуссии и от гитары до трубы. Неудивительно, что и в его исполнительской карьере встречаются весьма полярные проекты — от этно-джазового квартета Kaulakau до муниципального оркестра фанфар Барселоны. Эжеа регулярно сотрудничает с балетными и театральными труппами, создаёт уникальные звуковые инсталляции для музейных выставок, получает заказы на написание музыки к радио- и телепередачам и т.д.

Марк не раз бывал в России. Начав свои приезды с показа этно-джазового квартета Kaulakau, в 2013-м он вернулся с сольной программой и стал одним из ключевых участников первого гастролирующего фестиваля «МузЭнергоТур», проехав с ним от Подмосковья до Красноярского края. Наряду с ещё несколькими музыкантами он заложил основные художественные принципы проекта, предполагающие активное импровизационное сотрудничество «на ходу»; именно на основе этого опыта он принял решение участвовать в следующем туре уже без процессорной электроники, предлагая публике лишь акустическое звучание инструментов и свой голос. Одним из самых поразительных умений Марка оказалась способность вызывать на аудиторию дождь посреди ясного дня, исполняя для этого специальную древнюю каталонскую песню-заклинание.

В настоящее время Эжеа всё дальше уходит от электронного экспериментаторства к корневому фольклору, который, однако, подаёт во всё более радикальной манере — то аранжируя простенькие крестьянские песенки в формат чуть ли не академических ораторий, то находя в скупом акустическом звучании вполне современный танцевальный пульс, то поражая слушателя искренностью зрелого мужчины, максимально открыто поющего о вечных темах — любви, предательстве, дружбе, одиночестве. С недавнего времени с Марком часто выступает его старший сын Кирзе, поющий вторую партию и играющий на теноре (национальном духовом инструменте).

Опубликовано

22.03.2020, Дубна, «Прощай, оружие!»: MARC EGEA (Каталония)

 

Марк Эжеа (Marc Egea), колёсная лира, голос, этнические духовые и перкуссионные инструменты

Древний традиционный инструмент каталонского фольклора, колёсная лира, куда шире распространена в мире, чем может показаться неспециалисту. Но Марк Эжеа, один из лучших в мире специалистов по hurdy gurdy (именно так обычно называют колёсную лиру на английском), одинаково свободно чувствует себя и в фольклорном, и в импровизационном поле, а временами обращается и к электронике. Смесь традиционной музыки и джаза, академического музыкального языка и свободы, крайне необычная тембральная картина, оригинальный материал — всё это делает его работу ярким и заметным явлением.

Эжеа — автор собственной школы игры на инструменте («Iniciació a la viola de roda»), который в его руках обретает кажущиеся нереальными возможности. Марк охотно выступает как в составе ансамблей, так и соло, причём пользуется не только процессорной электроникой, но и некоторыми другими фольклорными инструментами. Последнее время он всё чаще использует флабиол — небольшой каталонский духовой инструмент, один из дюжины обязательных голосов традиционного ансамбля под названием «кобла». Марк вообще много и плодотворно работает с национальными духовыми, а в своих сольных альбомах задействует весь спектр от органа до перкуссии и от гитары до трубы. Неудивительно, что и в его исполнительской карьере встречаются весьма полярные проекты — от этно-джазового квартета Kaulakau до муниципального оркестра фанфар Барселоны. Эжеа регулярно сотрудничает с балетными и театральными труппами, создаёт уникальные звуковые инсталляции для музейных выставок, получает заказы на написание музыки к радио- и телепередачам и т.д.

Марк не раз бывал в России. Начав свои приезды с показа этно-джазового квартета Kaulakau, в 2013-м он вернулся с сольной программой и стал одним из ключевых участников первого гастролирующего фестиваля «МузЭнергоТур», проехав с ним от Подмосковья до Красноярского края. Наряду с ещё несколькими музыкантами он заложил основные художественные принципы проекта, предполагающие активное импровизационное сотрудничество «на ходу»; именно на основе этого опыта он принял решение участвовать в следующем туре уже без процессорной электроники, предлагая публике лишь акустическое звучание инструментов и свой голос. Одним из самых поразительных умений Марка оказалась способность вызывать на аудиторию дождь посреди ясного дня, исполняя для этого специальную древнюю каталонскую песню-заклинание.

В настоящее время Эжеа всё дальше уходит от электронного экспериментаторства к корневому фольклору, который, однако, подаёт во всё более радикальной манере — то аранжируя простенькие крестьянские песенки в формат чуть ли не академических ораторий, то находя в скупом акустическом звучании вполне современный танцевальный пульс, то поражая слушателя искренностью зрелого мужчины, максимально открыто поющего о вечных темах — любви, предательстве, дружбе, одиночестве. С недавнего времени с Марком часто выступает его старший сын Кирзе, поющий вторую партию и играющий на теноре (национальном духовом инструменте).

Опубликовано

21.03.2020, Егорьевск, «Rotor»: MARC EGEA (Каталония)

 

Марк Эжеа (Marc Egea), колёсная лира, голос, этнические духовые и перкуссионные инструменты

Древний традиционный инструмент каталонского фольклора, колёсная лира, куда шире распространена в мире, чем может показаться неспециалисту. Но Марк Эжеа, один из лучших в мире специалистов по hurdy gurdy (именно так обычно называют колёсную лиру на английском), одинаково свободно чувствует себя и в фольклорном, и в импровизационном поле, а временами обращается и к электронике. Смесь традиционной музыки и джаза, академического музыкального языка и свободы, крайне необычная тембральная картина, оригинальный материал — всё это делает его работу ярким и заметным явлением.

Эжеа — автор собственной школы игры на инструменте («Iniciació a la viola de roda»), который в его руках обретает кажущиеся нереальными возможности. Марк охотно выступает как в составе ансамблей, так и соло, причём пользуется не только процессорной электроникой, но и некоторыми другими фольклорными инструментами. Последнее время он всё чаще использует флабиол — небольшой каталонский духовой инструмент, один из дюжины обязательных голосов традиционного ансамбля под названием «кобла». Марк вообще много и плодотворно работает с национальными духовыми, а в своих сольных альбомах задействует весь спектр от органа до перкуссии и от гитары до трубы. Неудивительно, что и в его исполнительской карьере встречаются весьма полярные проекты — от этно-джазового квартета Kaulakau до муниципального оркестра фанфар Барселоны. Эжеа регулярно сотрудничает с балетными и театральными труппами, создаёт уникальные звуковые инсталляции для музейных выставок, получает заказы на написание музыки к радио- и телепередачам и т.д.

Марк не раз бывал в России. Начав свои приезды с показа этно-джазового квартета Kaulakau, в 2013-м он вернулся с сольной программой и стал одним из ключевых участников первого гастролирующего фестиваля «МузЭнергоТур», проехав с ним от Подмосковья до Красноярского края. Наряду с ещё несколькими музыкантами он заложил основные художественные принципы проекта, предполагающие активное импровизационное сотрудничество «на ходу»; именно на основе этого опыта он принял решение участвовать в следующем туре уже без процессорной электроники, предлагая публике лишь акустическое звучание инструментов и свой голос. Одним из самых поразительных умений Марка оказалась способность вызывать на аудиторию дождь посреди ясного дня, исполняя для этого специальную древнюю каталонскую песню-заклинание.

В настоящее время Эжеа всё дальше уходит от электронного экспериментаторства к корневому фольклору, который, однако, подаёт во всё более радикальной манере — то аранжируя простенькие крестьянские песенки в формат чуть ли не академических ораторий, то находя в скупом акустическом звучании вполне современный танцевальный пульс, то поражая слушателя искренностью зрелого мужчины, максимально открыто поющего о вечных темах — любви, предательстве, дружбе, одиночестве. С недавнего времени с Марком часто выступает его старший сын Кирзе, поющий вторую партию и играющий на теноре (национальном духовом инструменте).

Опубликовано

24.03.2020, Москва, «Вермель»: MARC EGEA (Каталония)

 

Марк Эжеа (Marc Egea), колёсная лира, голос, этнические духовые и перкуссионные инструменты

Древний традиционный инструмент каталонского фольклора, колёсная лира, куда шире распространена в мире, чем может показаться неспециалисту. Но Марк Эжеа, один из лучших в мире специалистов по hurdy gurdy (именно так обычно называют колёсную лиру на английском), одинаково свободно чувствует себя и в фольклорном, и в импровизационном поле, а временами обращается и к электронике. Смесь традиционной музыки и джаза, академического музыкального языка и свободы, крайне необычная тембральная картина, оригинальный материал — всё это делает его работу ярким и заметным явлением.

Эжеа — автор собственной школы игры на инструменте («Iniciació a la viola de roda»), который в его руках обретает кажущиеся нереальными возможности. Марк охотно выступает как в составе ансамблей, так и соло, причём пользуется не только процессорной электроникой, но и некоторыми другими фольклорными инструментами. Последнее время он всё чаще использует флабиол — небольшой каталонский духовой инструмент, один из дюжины обязательных голосов традиционного ансамбля под названием «кобла». Марк вообще много и плодотворно работает с национальными духовыми, а в своих сольных альбомах задействует весь спектр от органа до перкуссии и от гитары до трубы. Неудивительно, что и в его исполнительской карьере встречаются весьма полярные проекты — от этно-джазового квартета Kaulakau до муниципального оркестра фанфар Барселоны. Эжеа регулярно сотрудничает с балетными и театральными труппами, создаёт уникальные звуковые инсталляции для музейных выставок, получает заказы на написание музыки к радио- и телепередачам и т.д.

Марк не раз бывал в России. Начав свои приезды с показа этно-джазового квартета Kaulakau, в 2013-м он вернулся с сольной программой и стал одним из ключевых участников первого гастролирующего фестиваля «МузЭнергоТур», проехав с ним от Подмосковья до Красноярского края. Наряду с ещё несколькими музыкантами он заложил основные художественные принципы проекта, предполагающие активное импровизационное сотрудничество «на ходу»; именно на основе этого опыта он принял решение участвовать в следующем туре уже без процессорной электроники, предлагая публике лишь акустическое звучание инструментов и свой голос. Одним из самых поразительных умений Марка оказалась способность вызывать на аудиторию дождь посреди ясного дня, исполняя для этого специальную древнюю каталонскую песню-заклинание.

В настоящее время Эжеа всё дальше уходит от электронного экспериментаторства к корневому фольклору, который, однако, подаёт во всё более радикальной манере — то аранжируя простенькие крестьянские песенки в формат чуть ли не академических ораторий, то находя в скупом акустическом звучании вполне современный танцевальный пульс, то поражая слушателя искренностью зрелого мужчины, максимально открыто поющего о вечных темах — любви, предательстве, дружбе, одиночестве. С недавнего времени с Марком часто выступает его старший сын Кирзе, поющий вторую партию и играющий на теноре (национальном духовом инструменте).

Опубликовано

Fródi (Фарерские острова) • Псков • Клуб «Тир» 04.04.2020

4 апреля в 20:00 клубе «Тир» выступит Фроуи Хансен (вокал, гитара, ударные). Вместе с Башталом Агустинуссеном (гитара) и Матиасом Капнасом (фортепиано) он исполнит песни собственного сочинения с последнего альбома «Hola» (2019), а также лучше композиции с предыдущих пластинок, в которых органично переплетается пронзительная лиричность скандинавских баллад и рок-н-рольный драйв.
 

Опубликовано

09.03.2020, Воронеж, бар «Нигилист»: Erik Leuthäuser (Германия)

 

Эрик Лёйтхойзер (Erik Leuthäuser), вокал, электроника

Там, где «индивидуальная» вокальная музыка превратилась в битбокс, а соединение вокала с электроникой — в однообразную демонстрацию технологических возможностей, молодой вокалист из Берлина Эрик Лёйтхойзер всё ещё использует свой собственный голос. В том значении, которого и ждёшь от артиста: речь не только (и не столько) о характеристиках вокала, но о полноценном авторском видении мира и искусства, о постоянном поиске адекватных новых форм самовыражения, об умении подчинить технологии содержанию, а не наоборот. 

Уроженец Дрездена, Эрик заинтересовался джазом с подачи отца. Начав петь ещё в детском возрасте, подростком он победил в нескольких местных вокальных конкурсах и был приглашён в городской биг-бэнд Дрездена и Молодёжный Джаз-Оркестр земли Саксония. Формальное музыкальное образование он получал последовательно в нескольких заведениях — в Веймаре, а хельсинкской Музыкальной академии имени Сибелиуса, в берлинском Институте Джаза. Закончив образование всего лишь в 2017-м, Лёйтхойзер уже сейчас имеет в своём активе многочисленные гастроли с самыми разными джазовыми и поп-коллективами (старая Еврова, страны бывшего СССР, Турция и даже Эквадор). Ему случалось сопровождать в качестве вокалиста выступления звёзд первой величины — Эрик пел, например, в концертных проектах Куинси Джонса, Джорджа Бенсона, Ди Ди Бриджуотер и Джейкоба Коллиера.

В 2015-м Лёйтхойзер выпустил свою первую работу, диск «In the Land of Oo-Bla-Dee» (MONS Records). Стилистически она была ближе всего к бибопу, а вокальная партия представляла собой вокализ либо исполнялась на немецком. Диск музыканта, ещё не достигшего на тот момент двадцати, был номинирован на крайне престижную премию — Preis Der Deutschen Schallplattenkritik. В мае 2018-го на куда более известном лейбле MPS вышел второй диск Эрика; на спродюсированной американским басистом Грегом Коэном работе с Лёйтхойзером играли ни много ни мало гитарист Курт Розенвинкель и барабанщик Джойи Бэрон.

Молодой артист регулярно брал призы престижных международных конкурсов: он стал первым на Jazz Stage (Рига, 2016), Big Sky (Москва, 2016) и Ella Fitzgerald Vocal Jazz Competition (США, 2018), а также выходил на подиум по результатам Shure Montreux Jazz Voice Competition (Швейцария), Voicingers (Польша), Made in NY Jazz Competition (США). Однако, несмотря на формальную принадлежность к джазу, со временем Лёйтхойзер всё больше отходит от традиционного джаза к его современным экспериментальным формам и даже пробует себя в том, что сам он называет «экспериментальной поп-музыкой». Неудивительно, что меняется и формат его выступлений. Из BuJazzO, национального молодёжного джаз-оркестра Германии, он переходит в вокальный ансамбль Wortart, который специализируется на современной немецкоязычной поэзии. А параллельно с этим — работает в ансамбле Филиппа Румша (группа импровизационно соединяет элементы минимализма, электроники, поп-музыки и классики) и занимается свободной импровизацией в дуэте с латвийской вокалисткой Артой Жекабсоне.

Пресса

  • «… восходящая звезда джазового вокала» («Mannheimer Morgen», Германия)
  • «… совершенно необычный вокальный джазовый альбом, атмосферный, захватывающий, полный воображения и риска. Эрик не похож ни на кого из вокалистов, что мне известны» (James Gavin, США)
  • «… это искусство, полное радости жизни и честное. Его голос прекрасен и свободен, он сам — молод и увлечён, искренен и музыкален» (Sabine Kühlich, Германия)

Опубликовано

07.03.2020, Тула, «Типография»: Erik Leuthäuser (Германия)

 

Эрик Лёйтхойзер (Erik Leuthäuser), вокал, электроника

Там, где «индивидуальная» вокальная музыка превратилась в битбокс, а соединение вокала с электроникой — в однообразную демонстрацию технологических возможностей, молодой вокалист из Берлина Эрик Лёйтхойзер всё ещё использует свой собственный голос. В том значении, которого и ждёшь от артиста: речь не только (и не столько) о характеристиках вокала, но о полноценном авторском видении мира и искусства, о постоянном поиске адекватных новых форм самовыражения, об умении подчинить технологии содержанию, а не наоборот. 

Уроженец Дрездена, Эрик заинтересовался джазом с подачи отца. Начав петь ещё в детском возрасте, подростком он победил в нескольких местных вокальных конкурсах и был приглашён в городской биг-бэнд Дрездена и Молодёжный Джаз-Оркестр земли Саксония. Формальное музыкальное образование он получал последовательно в нескольких заведениях — в Веймаре, а хельсинкской Музыкальной академии имени Сибелиуса, в берлинском Институте Джаза. Закончив образование всего лишь в 2017-м, Лёйтхойзер уже сейчас имеет в своём активе многочисленные гастроли с самыми разными джазовыми и поп-коллективами (старая Еврова, страны бывшего СССР, Турция и даже Эквадор). Ему случалось сопровождать в качестве вокалиста выступления звёзд первой величины — Эрик пел, например, в концертных проектах Куинси Джонса, Джорджа Бенсона, Ди Ди Бриджуотер и Джейкоба Коллиера.

В 2015-м Лёйтхойзер выпустил свою первую работу, диск «In the Land of Oo-Bla-Dee» (MONS Records). Стилистически она была ближе всего к бибопу, а вокальная партия представляла собой вокализ либо исполнялась на немецком. Диск музыканта, ещё не достигшего на тот момент двадцати, был номинирован на крайне престижную премию — Preis Der Deutschen Schallplattenkritik. В мае 2018-го на куда более известном лейбле MPS вышел второй диск Эрика; на спродюсированной американским басистом Грегом Коэном работе с Лёйтхойзером играли ни много ни мало гитарист Курт Розенвинкель и барабанщик Джойи Бэрон.

Молодой артист регулярно брал призы престижных международных конкурсов: он стал первым на Jazz Stage (Рига, 2016), Big Sky (Москва, 2016) и Ella Fitzgerald Vocal Jazz Competition (США, 2018), а также выходил на подиум по результатам Shure Montreux Jazz Voice Competition (Швейцария), Voicingers (Польша), Made in NY Jazz Competition (США). Однако, несмотря на формальную принадлежность к джазу, со временем Лёйтхойзер всё больше отходит от традиционного джаза к его современным экспериментальным формам и даже пробует себя в том, что сам он называет «экспериментальной поп-музыкой». Неудивительно, что меняется и формат его выступлений. Из BuJazzO, национального молодёжного джаз-оркестра Германии, он переходит в вокальный ансамбль Wortart, который специализируется на современной немецкоязычной поэзии. А параллельно с этим — работает в ансамбле Филиппа Румша (группа импровизационно соединяет элементы минимализма, электроники, поп-музыки и классики) и занимается свободной импровизацией в дуэте с латвийской вокалисткой Артой Жекабсоне.

Пресса

  • «… восходящая звезда джазового вокала» («Mannheimer Morgen», Германия)
  • «… совершенно необычный вокальный джазовый альбом, атмосферный, захватывающий, полный воображения и риска. Эрик не похож ни на кого из вокалистов, что мне известны» (James Gavin, США)
  • «… это искусство, полное радости жизни и честное. Его голос прекрасен и свободен, он сам — молод и увлечён, искренен и музыкален» (Sabine Kühlich, Германия)

Опубликовано

06.03.2020, Владимир, «Grey Whale»: Erik Leuthäuser (Германия)

 

Эрик Лёйтхойзер (Erik Leuthäuser), вокал, электроника

Там, где «индивидуальная» вокальная музыка превратилась в битбокс, а соединение вокала с электроникой — в однообразную демонстрацию технологических возможностей, молодой вокалист из Берлина Эрик Лёйтхойзер всё ещё использует свой собственный голос. В том значении, которого и ждёшь от артиста: речь не только (и не столько) о характеристиках вокала, но о полноценном авторском видении мира и искусства, о постоянном поиске адекватных новых форм самовыражения, об умении подчинить технологии содержанию, а не наоборот. 

Уроженец Дрездена, Эрик заинтересовался джазом с подачи отца. Начав петь ещё в детском возрасте, подростком он победил в нескольких местных вокальных конкурсах и был приглашён в городской биг-бэнд Дрездена и Молодёжный Джаз-Оркестр земли Саксония. Формальное музыкальное образование он получал последовательно в нескольких заведениях — в Веймаре, а хельсинкской Музыкальной академии имени Сибелиуса, в берлинском Институте Джаза. Закончив образование всего лишь в 2017-м, Лёйтхойзер уже сейчас имеет в своём активе многочисленные гастроли с самыми разными джазовыми и поп-коллективами (старая Еврова, страны бывшего СССР, Турция и даже Эквадор). Ему случалось сопровождать в качестве вокалиста выступления звёзд первой величины — Эрик пел, например, в концертных проектах Куинси Джонса, Джорджа Бенсона, Ди Ди Бриджуотер и Джейкоба Коллиера.

В 2015-м Лёйтхойзер выпустил свою первую работу, диск «In the Land of Oo-Bla-Dee» (MONS Records). Стилистически она была ближе всего к бибопу, а вокальная партия представляла собой вокализ либо исполнялась на немецком. Диск музыканта, ещё не достигшего на тот момент двадцати, был номинирован на крайне престижную премию — Preis Der Deutschen Schallplattenkritik. В мае 2018-го на куда более известном лейбле MPS вышел второй диск Эрика; на спродюсированной американским басистом Грегом Коэном работе с Лёйтхойзером играли ни много ни мало гитарист Курт Розенвинкель и барабанщик Джойи Бэрон.

Молодой артист регулярно брал призы престижных международных конкурсов: он стал первым на Jazz Stage (Рига, 2016), Big Sky (Москва, 2016) и Ella Fitzgerald Vocal Jazz Competition (США, 2018), а также выходил на подиум по результатам Shure Montreux Jazz Voice Competition (Швейцария), Voicingers (Польша), Made in NY Jazz Competition (США). Однако, несмотря на формальную принадлежность к джазу, со временем Лёйтхойзер всё больше отходит от традиционного джаза к его современным экспериментальным формам и даже пробует себя в том, что сам он называет «экспериментальной поп-музыкой». Неудивительно, что меняется и формат его выступлений. Из BuJazzO, национального молодёжного джаз-оркестра Германии, он переходит в вокальный ансамбль Wortart, который специализируется на современной немецкоязычной поэзии. А параллельно с этим — работает в ансамбле Филиппа Румша (группа импровизационно соединяет элементы минимализма, электроники, поп-музыки и классики) и занимается свободной импровизацией в дуэте с латвийской вокалисткой Артой Жекабсоне.

Пресса

  • «… восходящая звезда джазового вокала» («Mannheimer Morgen», Германия)
  • «… совершенно необычный вокальный джазовый альбом, атмосферный, захватывающий, полный воображения и риска. Эрик не похож ни на кого из вокалистов, что мне известны» (James Gavin, США)
  • «… это искусство, полное радости жизни и честное. Его голос прекрасен и свободен, он сам — молод и увлечён, искренен и музыкален» (Sabine Kühlich, Германия)

Опубликовано

04.03.2020, Москва, ДОМ: Erik Leuthäuser (Германия)

 

Эрик Лёйтхойзер (Erik Leuthäuser), вокал, электроника

Там, где «индивидуальная» вокальная музыка превратилась в битбокс, а соединение вокала с электроникой — в однообразную демонстрацию технологических возможностей, молодой вокалист из Берлина Эрик Лёйтхойзер всё ещё использует свой собственный голос. В том значении, которого и ждёшь от артиста: речь не только (и не столько) о характеристиках вокала, но о полноценном авторском видении мира и искусства, о постоянном поиске адекватных новых форм самовыражения, об умении подчинить технологии содержанию, а не наоборот. 

Уроженец Дрездена, Эрик заинтересовался джазом с подачи отца. Начав петь ещё в детском возрасте, подростком он победил в нескольких местных вокальных конкурсах и был приглашён в городской биг-бэнд Дрездена и Молодёжный Джаз-Оркестр земли Саксония. Формальное музыкальное образование он получал последовательно в нескольких заведениях — в Веймаре, а хельсинкской Музыкальной академии имени Сибелиуса, в берлинском Институте Джаза. Закончив образование всего лишь в 2017-м, Лёйтхойзер уже сейчас имеет в своём активе многочисленные гастроли с самыми разными джазовыми и поп-коллективами (старая Еврова, страны бывшего СССР, Турция и даже Эквадор). Ему случалось сопровождать в качестве вокалиста выступления звёзд первой величины — Эрик пел, например, в концертных проектах Куинси Джонса, Джорджа Бенсона, Ди Ди Бриджуотер и Джейкоба Коллиера.

В 2015-м Лёйтхойзер выпустил свою первую работу, диск «In the Land of Oo-Bla-Dee» (MONS Records). Стилистически она была ближе всего к бибопу, а вокальная партия представляла собой вокализ либо исполнялась на немецком. Диск музыканта, ещё не достигшего на тот момент двадцати, был номинирован на крайне престижную премию — Preis Der Deutschen Schallplattenkritik. В мае 2018-го на куда более известном лейбле MPS вышел второй диск Эрика; на спродюсированной американским басистом Грегом Коэном работе с Лёйтхойзером играли ни много ни мало гитарист Курт Розенвинкель и барабанщик Джойи Бэрон.

Молодой артист регулярно брал призы престижных международных конкурсов: он стал первым на Jazz Stage (Рига, 2016), Big Sky (Москва, 2016) и Ella Fitzgerald Vocal Jazz Competition (США, 2018), а также выходил на подиум по результатам Shure Montreux Jazz Voice Competition (Швейцария), Voicingers (Польша), Made in NY Jazz Competition (США). Однако, несмотря на формальную принадлежность к джазу, со временем Лёйтхойзер всё больше отходит от традиционного джаза к его современным экспериментальным формам и даже пробует себя в том, что сам он называет «экспериментальной поп-музыкой». Неудивительно, что меняется и формат его выступлений. Из BuJazzO, национального молодёжного джаз-оркестра Германии, он переходит в вокальный ансамбль Wortart, который специализируется на современной немецкоязычной поэзии. А параллельно с этим — работает в ансамбле Филиппа Румша (группа импровизационно соединяет элементы минимализма, электроники, поп-музыки и классики) и занимается свободной импровизацией в дуэте с латвийской вокалисткой Артой Жекабсоне.

Пресса

  • «… восходящая звезда джазового вокала» («Mannheimer Morgen», Германия)
  • «… совершенно необычный вокальный джазовый альбом, атмосферный, захватывающий, полный воображения и риска. Эрик не похож ни на кого из вокалистов, что мне известны» (James Gavin, США)
  • «… это искусство, полное радости жизни и честное. Его голос прекрасен и свободен, он сам — молод и увлечён, искренен и музыкален» (Sabine Kühlich, Германия)

Опубликовано

02.03.2020, Яхрома, «Camberry»: Erik Leuthäuser (Германия)

 

Эрик Лёйтхойзер (Erik Leuthäuser), вокал, электроника

Там, где «индивидуальная» вокальная музыка превратилась в битбокс, а соединение вокала с электроникой — в однообразную демонстрацию технологических возможностей, молодой вокалист из Берлина Эрик Лёйтхойзер всё ещё использует свой собственный голос. В том значении, которого и ждёшь от артиста: речь не только (и не столько) о характеристиках вокала, но о полноценном авторском видении мира и искусства, о постоянном поиске адекватных новых форм самовыражения, об умении подчинить технологии содержанию, а не наоборот. 

Уроженец Дрездена, Эрик заинтересовался джазом с подачи отца. Начав петь ещё в детском возрасте, подростком он победил в нескольких местных вокальных конкурсах и был приглашён в городской биг-бэнд Дрездена и Молодёжный Джаз-Оркестр земли Саксония. Формальное музыкальное образование он получал последовательно в нескольких заведениях — в Веймаре, а хельсинкской Музыкальной академии имени Сибелиуса, в берлинском Институте Джаза. Закончив образование всего лишь в 2017-м, Лёйтхойзер уже сейчас имеет в своём активе многочисленные гастроли с самыми разными джазовыми и поп-коллективами (старая Еврова, страны бывшего СССР, Турция и даже Эквадор). Ему случалось сопровождать в качестве вокалиста выступления звёзд первой величины — Эрик пел, например, в концертных проектах Куинси Джонса, Джорджа Бенсона, Ди Ди Бриджуотер и Джейкоба Коллиера.

В 2015-м Лёйтхойзер выпустил свою первую работу, диск «In the Land of Oo-Bla-Dee» (MONS Records). Стилистически она была ближе всего к бибопу, а вокальная партия представляла собой вокализ либо исполнялась на немецком. Диск музыканта, ещё не достигшего на тот момент двадцати, был номинирован на крайне престижную премию — Preis Der Deutschen Schallplattenkritik. В мае 2018-го на куда более известном лейбле MPS вышел второй диск Эрика; на спродюсированной американским басистом Грегом Коэном работе с Лёйтхойзером играли ни много ни мало гитарист Курт Розенвинкель и барабанщик Джойи Бэрон.

Молодой артист регулярно брал призы престижных международных конкурсов: он стал первым на Jazz Stage (Рига, 2016), Big Sky (Москва, 2016) и Ella Fitzgerald Vocal Jazz Competition (США, 2018), а также выходил на подиум по результатам Shure Montreux Jazz Voice Competition (Швейцария), Voicingers (Польша), Made in NY Jazz Competition (США). Однако, несмотря на формальную принадлежность к джазу, со временем Лёйтхойзер всё больше отходит от традиционного джаза к его современным экспериментальным формам и даже пробует себя в том, что сам он называет «экспериментальной поп-музыкой». Неудивительно, что меняется и формат его выступлений. Из BuJazzO, национального молодёжного джаз-оркестра Германии, он переходит в вокальный ансамбль Wortart, который специализируется на современной немецкоязычной поэзии. А параллельно с этим — работает в ансамбле Филиппа Румша (группа импровизационно соединяет элементы минимализма, электроники, поп-музыки и классики) и занимается свободной импровизацией в дуэте с латвийской вокалисткой Артой Жекабсоне.

Пресса

  • «… восходящая звезда джазового вокала» («Mannheimer Morgen», Германия)
  • «… совершенно необычный вокальный джазовый альбом, атмосферный, захватывающий, полный воображения и риска. Эрик не похож ни на кого из вокалистов, что мне известны» (James Gavin, США)
  • «… это искусство, полное радости жизни и честное. Его голос прекрасен и свободен, он сам — молод и увлечён, искренен и музыкален» (Sabine Kühlich, Германия)

Опубликовано

03.03.2020, Дубна, «Архитеатр Media Lounge»: Erik Leuthäuser (Германия)

 

Эрик Лёйтхойзер (Erik Leuthäuser), вокал, электроника

Там, где «индивидуальная» вокальная музыка превратилась в битбокс, а соединение вокала с электроникой — в однообразную демонстрацию технологических возможностей, молодой вокалист из Берлина Эрик Лёйтхойзер всё ещё использует свой собственный голос. В том значении, которого и ждёшь от артиста: речь не только (и не столько) о характеристиках вокала, но о полноценном авторском видении мира и искусства, о постоянном поиске адекватных новых форм самовыражения, об умении подчинить технологии содержанию, а не наоборот. 

Уроженец Дрездена, Эрик заинтересовался джазом с подачи отца. Начав петь ещё в детском возрасте, подростком он победил в нескольких местных вокальных конкурсах и был приглашён в городской биг-бэнд Дрездена и Молодёжный Джаз-Оркестр земли Саксония. Формальное музыкальное образование он получал последовательно в нескольких заведениях — в Веймаре, а хельсинкской Музыкальной академии имени Сибелиуса, в берлинском Институте Джаза. Закончив образование всего лишь в 2017-м, Лёйтхойзер уже сейчас имеет в своём активе многочисленные гастроли с самыми разными джазовыми и поп-коллективами (старая Еврова, страны бывшего СССР, Турция и даже Эквадор). Ему случалось сопровождать в качестве вокалиста выступления звёзд первой величины — Эрик пел, например, в концертных проектах Куинси Джонса, Джорджа Бенсона, Ди Ди Бриджуотер и Джейкоба Коллиера.

В 2015-м Лёйтхойзер выпустил свою первую работу, диск «In the Land of Oo-Bla-Dee» (MONS Records). Стилистически она была ближе всего к бибопу, а вокальная партия представляла собой вокализ либо исполнялась на немецком. Диск музыканта, ещё не достигшего на тот момент двадцати, был номинирован на крайне престижную премию — Preis Der Deutschen Schallplattenkritik. В мае 2018-го на куда более известном лейбле MPS вышел второй диск Эрика; на спродюсированной американским басистом Грегом Коэном работе с Лёйтхойзером играли ни много ни мало гитарист Курт Розенвинкель и барабанщик Джойи Бэрон.

Молодой артист регулярно брал призы престижных международных конкурсов: он стал первым на Jazz Stage (Рига, 2016), Big Sky (Москва, 2016) и Ella Fitzgerald Vocal Jazz Competition (США, 2018), а также выходил на подиум по результатам Shure Montreux Jazz Voice Competition (Швейцария), Voicingers (Польша), Made in NY Jazz Competition (США). Однако, несмотря на формальную принадлежность к джазу, со временем Лёйтхойзер всё больше отходит от традиционного джаза к его современным экспериментальным формам и даже пробует себя в том, что сам он называет «экспериментальной поп-музыкой». Неудивительно, что меняется и формат его выступлений. Из BuJazzO, национального молодёжного джаз-оркестра Германии, он переходит в вокальный ансамбль Wortart, который специализируется на современной немецкоязычной поэзии. А параллельно с этим — работает в ансамбле Филиппа Румша (группа импровизационно соединяет элементы минимализма, электроники, поп-музыки и классики) и занимается свободной импровизацией в дуэте с латвийской вокалисткой Артой Жекабсоне.

Пресса

  • «… восходящая звезда джазового вокала» («Mannheimer Morgen», Германия)
  • «… совершенно необычный вокальный джазовый альбом, атмосферный, захватывающий, полный воображения и риска. Эрик не похож ни на кого из вокалистов, что мне известны» (James Gavin, США)
  • «… это искусство, полное радости жизни и честное. Его голос прекрасен и свободен, он сам — молод и увлечён, искренен и музыкален» (Sabine Kühlich, Германия)

Опубликовано

10.03.2020, Егорьевск, «Ротор»: Erik Leuthäuser (Германия)

 

Эрик Лёйтхойзер (Erik Leuthäuser), вокал, электроника

Там, где «индивидуальная» вокальная музыка превратилась в битбокс, а соединение вокала с электроникой — в однообразную демонстрацию технологических возможностей, молодой вокалист из Берлина Эрик Лёйтхойзер всё ещё использует свой собственный голос. В том значении, которого и ждёшь от артиста: речь не только (и не столько) о характеристиках вокала, но о полноценном авторском видении мира и искусства, о постоянном поиске адекватных новых форм самовыражения, об умении подчинить технологии содержанию, а не наоборот. 

Уроженец Дрездена, Эрик заинтересовался джазом с подачи отца. Начав петь ещё в детском возрасте, подростком он победил в нескольких местных вокальных конкурсах и был приглашён в городской биг-бэнд Дрездена и Молодёжный Джаз-Оркестр земли Саксония. Формальное музыкальное образование он получал последовательно в нескольких заведениях — в Веймаре, а хельсинкской Музыкальной академии имени Сибелиуса, в берлинском Институте Джаза. Закончив образование всего лишь в 2017-м, Лёйтхойзер уже сейчас имеет в своём активе многочисленные гастроли с самыми разными джазовыми и поп-коллективами (старая Еврова, страны бывшего СССР, Турция и даже Эквадор). Ему случалось сопровождать в качестве вокалиста выступления звёзд первой величины — Эрик пел, например, в концертных проектах Куинси Джонса, Джорджа Бенсона, Ди Ди Бриджуотер и Джейкоба Коллиера.

В 2015-м Лёйтхойзер выпустил свою первую работу, диск «In the Land of Oo-Bla-Dee» (MONS Records). Стилистически она была ближе всего к бибопу, а вокальная партия представляла собой вокализ либо исполнялась на немецком. Диск музыканта, ещё не достигшего на тот момент двадцати, был номинирован на крайне престижную премию — Preis Der Deutschen Schallplattenkritik. В мае 2018-го на куда более известном лейбле MPS вышел второй диск Эрика; на спродюсированной американским басистом Грегом Коэном работе с Лёйтхойзером играли ни много ни мало гитарист Курт Розенвинкель и барабанщик Джойи Бэрон.

Молодой артист регулярно брал призы престижных международных конкурсов: он стал первым на Jazz Stage (Рига, 2016), Big Sky (Москва, 2016) и Ella Fitzgerald Vocal Jazz Competition (США, 2018), а также выходил на подиум по результатам Shure Montreux Jazz Voice Competition (Швейцария), Voicingers (Польша), Made in NY Jazz Competition (США). Однако, несмотря на формальную принадлежность к джазу, со временем Лёйтхойзер всё больше отходит от традиционного джаза к его современным экспериментальным формам и даже пробует себя в том, что сам он называет «экспериментальной поп-музыкой». Неудивительно, что меняется и формат его выступлений. Из BuJazzO, национального молодёжного джаз-оркестра Германии, он переходит в вокальный ансамбль Wortart, который специализируется на современной немецкоязычной поэзии. А параллельно с этим — работает в ансамбле Филиппа Румша (группа импровизационно соединяет элементы минимализма, электроники, поп-музыки и классики) и занимается свободной импровизацией в дуэте с латвийской вокалисткой Артой Жекабсоне.

Пресса

  • «… восходящая звезда джазового вокала» («Mannheimer Morgen», Германия)
  • «… совершенно необычный вокальный джазовый альбом, атмосферный, захватывающий, полный воображения и риска. Эрик не похож ни на кого из вокалистов, что мне известны» (James Gavin, США)
  • «… это искусство, полное радости жизни и честное. Его голос прекрасен и свободен, он сам — молод и увлечён, искренен и музыкален» (Sabine Kühlich, Германия)

Опубликовано

30.11.2019, «Grey Whale» (Владимир): NOVA (Швейцария)

Кристиан Дзатта (Christian Zatta), гитара, композиция
Флориан Боллигер (Florian Bolliger), бас-гитара, видеоряд
Флориан Хёсль (Florian Hoesl), ударные

Гитара, бас и барабаны — это слишком просто. Трио NOVA описывает себя иначе: «Межзвёздный странник, электрический монах в облаке космической пыли, пронизанной солнечным светом. Батареи почти пусты, и он думает про себя: «ах, чёрт!».

В оригинальной версии «электрический монах» выражается, впрочем, куда энергичнее. В неловкости перевода его слов на общеупотребительный русский — хороший ключ к пониманию того, какое впечатление Nova производит на слушателя. То, что кажется в подходе этой группы очевидным и даже банальным, внезапно не поддаётся буквальному описанию; то, что кажется прекрасно-вычурным, при ближайшем рассмотрении куда брутальнее; то, что сказано — не получается понимать дословно. И причина этого — в том, что Nova не отрабатывают напыщенную концепцию, а по-настоящему свободно чувствуют себя в музыкальном поле, на которое им довелось зайти; музыкантам комфортно, и это не только чувствуется, но и захватывает.

Лидер группы — молодой гитарист-вундеркинд Кристиан Дзатта, начавший совмещать обычное школьное образование с профессиональной специализацией уже в возрасте одиннадцати лет (в этом году он и перешёл к формальному обучению музыке, и основал свой первый коллектив). Первые годы его деятельности — характерный для подростка поиск себя одновременно в блюзе, рок-музыке, проба себя в качестве вокалиста (пять лет в хоре The Harmonics). Дзатта, которому сегодня едва исполнителось двадцать пять, вообще успел довольно многое в плане профессиональной карьеры в те годы, когда нормальному европейцу ещё положено лишь начинать учиться. Безусловно, основная масса групп с его участием по очевидным причинам соответствовала в этот период в лучшем случае лишь национальному уровню известности. Однако для многих даже такой старт стал причиной отставаний и пауз в образовании, Дзатта же прошёл без задержек все ступени швейцарской музыкальной школы: сегодня у него на счету степень бакалавра искусств по специальности «Джазовая музыка» и магистерская степень как исполнителя и композитора. Преподаватели Дзатты — авторитетные европейские педагоги Франк Мёбус, Калле Калима, Джессе ван Рулер. Несколько месяцев, проведённых в Нью-Йорке, позволили ему повысить своё мастерство в частных занятиях с такими грандами, как Гилад Хексельман и Майк Стерн. Уровень Дзатты как гитариста сегодня уже подтверждён и формально — эндорсерским контрактом с производителем усилителей LaBoga.

Проект Nova, запущенный в 2018-м году, в ноябре того же года выпустил свою первую запись «The Intergalactic Traveler», а в январе 2019-го отправился в первый международный тур, выступив в Австрии и Германии. По задумке музыкантов, каждый концерт Nova — это построение (или, скорее, визуализация для слушателя) некоей новой галактики, в которой непростая смесь джазовой импровизации, рокерской энергии и электронной обработки звука позволяют открыть для себя совершенно новый мир. Термин «визуализация» применительно к музыке не случаен: басист коллектива Флориан Боллигер создаёт специальный видеоряд, настраивающий на определённые образы.

Любопытен тот факт, что в состав трио Дзаттой привлекаются очень разные музыканты. Играющий с ним сегодня многообещающий басист Флориан Боллигер — одногодок самого Кристиана, не менее активный на современной джазовой и рок-сцене Швейцарии, но не такой ответственный в формальных достижениях (над своей магистерской степенью он ещё работает). А вот за барабанами группы побывал не кто иной, как Марк Халбхир — это уже очень серьёзное свидетельство того, что Nova и правда радикально выделяется из числа «молодых» и «подающих надежды» групп. Халбхиру на тот момент было уже за пятьдесят, в его послужном списке работа в коллективах калибра Vienna Art Orchestra, записи и выступления с выдающимися мастерами уровня Кристи Дорана, Хорхе Пардо, Арильда Андерсена — и, что добавляет ситуации настоящего безумия, с петербургским гусляром Максимом Анухиным.

Впрочем, на записи первого альбома Nova работал другой барабанщик, Даниэль Шухтер, а после пары лет работы с мэтром Nova вновь пересмотрела состав: сегодня за ударными — Флориан Хёсль, человек не менее своеобразный. Помимо формального обучения музыке (чем трудно удивить, говоря о профессиональном музыканте), Флориан активно занимается научными изысканиями в околомузыкальной области. Одна из его последних работ, выполненная в соавторстве с люцернским профессором, называется «Моделирование осознанного синкопирования в типичных партиях ударных популярной музыки».

Словом, от концерта Nova можно ожидать чего угодно, но точно не предсказуемого джаз-рока. Электрический монах знает, о чём говорит.

Пресса

  • «… это и правда ведёт вас в межзвёздное путешествие; …если вы цените умело скроенную инструментальную музыку, то этот альбом, который вам нужен. Вы не разочаруетесь» (The Progressive Aspect, США)
  • «… эта музыка — не что-то выученное наизусть, она сохраняет сырой, аналоговый характер, определяющий развитие импровизации» (Rontaler.CH)
  • «… все трое — большие мастера своих инструментов, не ограниченные стилями и направлениями» (Schaffhauser Nachrichten, Швейцария)

Опубликовано

28.11.2019, Тула, «Типография»: NOVA (Швейцария)

Кристиан Дзатта (Christian Zatta), гитара, композиция
Флориан Боллигер (Florian Bolliger), бас-гитара, видеоряд
Флориан Хёсль (Florian Hoesl), ударные

Гитара, бас и барабаны — это слишком просто. Трио NOVA описывает себя иначе: «Межзвёздный странник, электрический монах в облаке космической пыли, пронизанной солнечным светом. Батареи почти пусты, и он думает про себя: «ах, чёрт!».

В оригинальной версии «электрический монах» выражается, впрочем, куда энергичнее. В неловкости перевода его слов на общеупотребительный русский — хороший ключ к пониманию того, какое впечатление Nova производит на слушателя. То, что кажется в подходе этой группы очевидным и даже банальным, внезапно не поддаётся буквальному описанию; то, что кажется прекрасно-вычурным, при ближайшем рассмотрении куда брутальнее; то, что сказано — не получается понимать дословно. И причина этого — в том, что Nova не отрабатывают напыщенную концепцию, а по-настоящему свободно чувствуют себя в музыкальном поле, на которое им довелось зайти; музыкантам комфортно, и это не только чувствуется, но и захватывает.

Лидер группы — молодой гитарист-вундеркинд Кристиан Дзатта, начавший совмещать обычное школьное образование с профессиональной специализацией уже в возрасте одиннадцати лет (в этом году он и перешёл к формальному обучению музыке, и основал свой первый коллектив). Первые годы его деятельности — характерный для подростка поиск себя одновременно в блюзе, рок-музыке, проба себя в качестве вокалиста (пять лет в хоре The Harmonics). Дзатта, которому сегодня едва исполнителось двадцать пять, вообще успел довольно многое в плане профессиональной карьеры в те годы, когда нормальному европейцу ещё положено лишь начинать учиться. Безусловно, основная масса групп с его участием по очевидным причинам соответствовала в этот период в лучшем случае лишь национальному уровню известности. Однако для многих даже такой старт стал причиной отставаний и пауз в образовании, Дзатта же прошёл без задержек все ступени швейцарской музыкальной школы: сегодня у него на счету степень бакалавра искусств по специальности «Джазовая музыка» и магистерская степень как исполнителя и композитора. Преподаватели Дзатты — авторитетные европейские педагоги Франк Мёбус, Калле Калима, Джессе ван Рулер. Несколько месяцев, проведённых в Нью-Йорке, позволили ему повысить своё мастерство в частных занятиях с такими грандами, как Гилад Хексельман и Майк Стерн. Уровень Дзатты как гитариста сегодня уже подтверждён и формально — эндорсерским контрактом с производителем усилителей LaBoga.

Проект Nova, запущенный в 2018-м году, в ноябре того же года выпустил свою первую запись «The Intergalactic Traveler», а в январе 2019-го отправился в первый международный тур, выступив в Австрии и Германии. По задумке музыкантов, каждый концерт Nova — это построение (или, скорее, визуализация для слушателя) некоей новой галактики, в которой непростая смесь джазовой импровизации, рокерской энергии и электронной обработки звука позволяют открыть для себя совершенно новый мир. Термин «визуализация» применительно к музыке не случаен: басист коллектива Флориан Боллигер создаёт специальный видеоряд, настраивающий на определённые образы.

Любопытен тот факт, что в состав трио Дзаттой привлекаются очень разные музыканты. Играющий с ним сегодня многообещающий басист Флориан Боллигер — одногодок самого Кристиана, не менее активный на современной джазовой и рок-сцене Швейцарии, но не такой ответственный в формальных достижениях (над своей магистерской степенью он ещё работает). А вот за барабанами группы побывал не кто иной, как Марк Халбхир — это уже очень серьёзное свидетельство того, что Nova и правда радикально выделяется из числа «молодых» и «подающих надежды» групп. Халбхиру на тот момент было уже за пятьдесят, в его послужном списке работа в коллективах калибра Vienna Art Orchestra, записи и выступления с выдающимися мастерами уровня Кристи Дорана, Хорхе Пардо, Арильда Андерсена — и, что добавляет ситуации настоящего безумия, с петербургским гусляром Максимом Анухиным.

Впрочем, на записи первого альбома Nova работал другой барабанщик, Даниэль Шухтер, а после пары лет работы с мэтром Nova вновь пересмотрела состав: сегодня за ударными — Флориан Хёсль, человек не менее своеобразный. Помимо формального обучения музыке (чем трудно удивить, говоря о профессиональном музыканте), Флориан активно занимается научными изысканиями в околомузыкальной области. Одна из его последних работ, выполненная в соавторстве с люцернским профессором, называется «Моделирование осознанного синкопирования в типичных партиях ударных популярной музыки».

Словом, от концерта Nova можно ожидать чего угодно, но точно не предсказуемого джаз-рока. Электрический монах знает, о чём говорит.

Пресса

  • «… это и правда ведёт вас в межзвёздное путешествие; …если вы цените умело скроенную инструментальную музыку, то этот альбом, который вам нужен. Вы не разочаруетесь» (The Progressive Aspect, США)
  • «… эта музыка — не что-то выученное наизусть, она сохраняет сырой, аналоговый характер, определяющий развитие импровизации» (Rontaler.CH)
  • «… все трое — большие мастера своих инструментов, не ограниченные стилями и направлениями» (Schaffhauser Nachrichten, Швейцария)

Опубликовано

21.11.2019, Екатеринбург, Everjazz: LEO ABRHAMS (Великобритания)

Лео Абрахамс — английский гитарист, композитор, аранжировщик и саунд-продюсер, крайне плодотворно работающий в диаметрально противоположных музыкальных направлениях. Среди тех, с кем он сотрудничал в разное время — артисты радикально полярные: Имоджен Хип (звезда современной инди-эстрады), Дэвид Холмс (известнейший электронщик и диджей), Пол Саймон (тот самый, из легендарного дуэта «Simon & Garfunkel»), а также ряд лидеров, в отношении которых рекомендации и пояснения попросту не нужны — Мэриэн Фейтфул, Ник Кейв, Брайан Ино, Адель, Эд Ширан, Энни Леннокс, Брайан Ферри, Сил… Музыка с его участием звучит в множестве известных фильмов — среди них такие блокбастеры, как франшиза о «друзьях Оушена», «Код 46», «Милые кости», ряд европейских работ. В общем и целом к середине 2019-го года дискография Абрахамса, творческая карьера которого к тому моменту едва насчитывала два десятилетия, включает более 350 работ.

Сольные альбомы Лео как полноценного лидера — это интересная собственная микро-вселенная, в которой сможет сориентироваться только специалист. Абрахамс, как и многие активно творящие представители музыкальной индустрии XXI века, далёк от стремительно устаревающего формального мышления золотой эры звукозаписи. У него есть, разумеется, «классически» изданные альбомы — выходившие на известных и не очень лейблах в виде компакт-дисков и винила. Например, почти фолк-бардовский (хотя и инструментальный) «Honeytrap» 2005-го года; амбиентный «Scene Memory» 2006-го; перемешавший все подвиды современного инди-рока и электроники «The Unrest Cure» 2008-го с множеством приглашённых вокалистов и вокалистов; прекрасный и негромкий «The Grape And The Grain» 2009-го; «DayLight» 2015-го и так далее. Но есть и множество чисто цифровых релизов, некоторые из которых кажутся поначалу чуть ли не издёвкой (например, «Guitar Stuff» 2008-го, на котором звучит исключительно обработанная гитара и которую сам автор иронически характеризует как «обрывки, кусочки, тестирование оборудования и вообще занятие всякой ерундой»). Есть короткие альбомы, по старой классификации подаваемые как EP. Есть созданная только и исключительно Лео музыка для фильмов, которую сложно воспринимать в отрыве от видеоряда. И есть видеоклипы, над которыми он работал едва ли с меньшей отдачей, чем над чистым аудио.

Уникальность Абрахамса именно в том, что при кажущейся всеядности в музыке он ни на секунду не оказывался статистом, нанятым студийным музыкантом. Происходящие с ним в музыке истории по-настоящему хороши и кинематографичны. Например, «прослушивание» у знаменитого Эда Харкурта, когда Абрахамс получил одну из первых своих работ просто положительным ответом на вопрос «нравится ли тебе Том Уэйтс». Или знакомство с поистине легендарным Брайаном Ино, положившее начало многолетней дружбе и сотрудничеству: «…я пробовал гитару в одном магазине в Ноттинг-Хилле, туда зашёл Брайан Ино, ему понравилось, что я не играл «Stairway To Heaven» на максимально возможной громкости, и он пригласил меня сыграть на его альбоме». Абрахамс — человек удивительной музыкальности и открытости, чья вовлечённость в исполняемую музыку навсегда влюбляет в него и слушателей, и коллег, и продюсеров, и (в терминах более прямых) работодателей. В середине 2010-х его востребованность оказалась столь велика, что Лео буквально неделями не выходил из дома, круглосуточно работая в собственной студии над всеми мыслимыми проектами одновременно. А в списке его работ появлялись в итоге то записи с Лондонским филармоническим оркестром, то запись гитары для Бориса Гребенщикова (!). Последнее, впрочем, неслучайно: Абрахамс называет себя русофилом, учит русский (и временами даже использует его на концертах, декламируя непростые эмоциональные тексты). Одна из последних его работ, вновь в сотрудничестве с Брайаном Ино — это работа над одиозным проектом «Дау» Ильи Хржановского, которая сама по себе вызывает беспрецедентный интерес и пока в принципе не планируется к показу на российской территории…

Абрахамс неоднократно бывал в России с разными составами (например, с Roxy Music), а в 2008 году был приглашён «МузЭнерго» впервые в своей истории именно как сольный артист. Показанная им программа альбома «Scene Memory» встретила потрясающий приём у российской публики. Со слов самого Лео, он был настолько вдохновлён слушателями, что уже в аэропорте, в ожидании рейса в Лондон, написал три новых композиции. В 2014-м ему удалось вернуться вновь и принять участие в «МузЭнергоТуре» в дуэте с барабанщиком Крисом Ваталаро. В 2019-м Абрахамс вновь едет в Россию с большим сольным туром, поддержанным Посольством Великобритании в Москве в рамках «Года музыки — 2019». В этом туре Лео будет показывать свою актуальную программу (преимущественно гитарно-электронный амбиент) и, в некоторых городах, приглашать на сцену российских коллег, разделяющих его эстетические взгляды. Нас ожидает серия совершенно уникальный и не повторяющихся по содержанию концертов самой что ни на есть актуальной и осмысленной музыки, создаваемой одним из ключевых персонажей Лондона — этой музыкальной Мекки сегодняшнего дня.

Опубликовано

25.11.2019, Красноярск, КГИИ: LEO ABRAHAMS (Великобритания)

Лео Абрахамс — английский гитарист, композитор, аранжировщик и саунд-продюсер, крайне плодотворно работающий в диаметрально противоположных музыкальных направлениях. Среди тех, с кем он сотрудничал в разное время — артисты радикально полярные: Имоджен Хип (звезда современной инди-эстрады), Дэвид Холмс (известнейший электронщик и диджей), Пол Саймон (тот самый, из легендарного дуэта «Simon & Garfunkel»), а также ряд лидеров, в отношении которых рекомендации и пояснения попросту не нужны — Мэриэн Фейтфул, Ник Кейв, Брайан Ино, Адель, Эд Ширан, Энни Леннокс, Брайан Ферри, Сил… Музыка с его участием звучит в множестве известных фильмов — среди них такие блокбастеры, как франшиза о «друзьях Оушена», «Код 46», «Милые кости», ряд европейских работ. В общем и целом к середине 2019-го года дискография Абрахамса, творческая карьера которого к тому моменту едва насчитывала два десятилетия, включает более 350 работ.

Сольные альбомы Лео как полноценного лидера — это интересная собственная микро-вселенная, в которой сможет сориентироваться только специалист. Абрахамс, как и многие активно творящие представители музыкальной индустрии XXI века, далёк от стремительно устаревающего формального мышления золотой эры звукозаписи. У него есть, разумеется, «классически» изданные альбомы — выходившие на известных и не очень лейблах в виде компакт-дисков и винила. Например, почти фолк-бардовский (хотя и инструментальный) «Honeytrap» 2005-го года; амбиентный «Scene Memory» 2006-го; перемешавший все подвиды современного инди-рока и электроники «The Unrest Cure» 2008-го с множеством приглашённых вокалистов и вокалистов; прекрасный и негромкий «The Grape And The Grain» 2009-го; «DayLight» 2015-го и так далее. Но есть и множество чисто цифровых релизов, некоторые из которых кажутся поначалу чуть ли не издёвкой (например, «Guitar Stuff» 2008-го, на котором звучит исключительно обработанная гитара и которую сам автор иронически характеризует как «обрывки, кусочки, тестирование оборудования и вообще занятие всякой ерундой»). Есть короткие альбомы, по старой классификации подаваемые как EP. Есть созданная только и исключительно Лео музыка для фильмов, которую сложно воспринимать в отрыве от видеоряда. И есть видеоклипы, над которыми он работал едва ли с меньшей отдачей, чем над чистым аудио.

Уникальность Абрахамса именно в том, что при кажущейся всеядности в музыке он ни на секунду не оказывался статистом, нанятым студийным музыкантом. Происходящие с ним в музыке истории по-настоящему хороши и кинематографичны. Например, «прослушивание» у знаменитого Эда Харкурта, когда Абрахамс получил одну из первых своих работ просто положительным ответом на вопрос «нравится ли тебе Том Уэйтс». Или знакомство с поистине легендарным Брайаном Ино, положившее начало многолетней дружбе и сотрудничеству: «…я пробовал гитару в одном магазине в Ноттинг-Хилле, туда зашёл Брайан Ино, ему понравилось, что я не играл «Stairway To Heaven» на максимально возможной громкости, и он пригласил меня сыграть на его альбоме». Абрахамс — человек удивительной музыкальности и открытости, чья вовлечённость в исполняемую музыку навсегда влюбляет в него и слушателей, и коллег, и продюсеров, и (в терминах более прямых) работодателей. В середине 2010-х его востребованность оказалась столь велика, что Лео буквально неделями не выходил из дома, круглосуточно работая в собственной студии над всеми мыслимыми проектами одновременно. А в списке его работ появлялись в итоге то записи с Лондонским филармоническим оркестром, то запись гитары для Бориса Гребенщикова (!). Последнее, впрочем, неслучайно: Абрахамс называет себя русофилом, учит русский (и временами даже использует его на концертах, декламируя непростые эмоциональные тексты). Одна из последних его работ, вновь в сотрудничестве с Брайаном Ино — это работа над одиозным проектом «Дау» Ильи Хржановского, которая сама по себе вызывает беспрецедентный интерес и пока в принципе не планируется к показу на российской территории…

Абрахамс неоднократно бывал в России с разными составами (например, с Roxy Music), а в 2008 году был приглашён «МузЭнерго» впервые в своей истории именно как сольный артист. Показанная им программа альбома «Scene Memory» встретила потрясающий приём у российской публики. Со слов самого Лео, он был настолько вдохновлён слушателями, что уже в аэропорте, в ожидании рейса в Лондон, написал три новых композиции. В 2014-м ему удалось вернуться вновь и принять участие в «МузЭнергоТуре» в дуэте с барабанщиком Крисом Ваталаро. В 2019-м Абрахамс вновь едет в Россию с большим сольным туром, поддержанным Посольством Великобритании в Москве в рамках «Года музыки — 2019». В этом туре Лео будет показывать свою актуальную программу (преимущественно гитарно-электронный амбиент) и, в некоторых городах, приглашать на сцену российских коллег, разделяющих его эстетические взгляды. Нас ожидает серия совершенно уникальный и не повторяющихся по содержанию концертов самой что ни на есть актуальной и осмысленной музыки, создаваемой одним из ключевых персонажей Лондона — этой музыкальной Мекки сегодняшнего дня.

Опубликовано

26.11.2019, Дубна, «АрхиТеатр Media Lounge»: LEO ABRAHAMS (Великобритания)

Лео Абрахамс — английский гитарист, композитор, аранжировщик и саунд-продюсер, крайне плодотворно работающий в диаметрально противоположных музыкальных направлениях. Среди тех, с кем он сотрудничал в разное время — артисты радикально полярные: Имоджен Хип (звезда современной инди-эстрады), Дэвид Холмс (известнейший электронщик и диджей), Пол Саймон (тот самый, из легендарного дуэта «Simon & Garfunkel»), а также ряд лидеров, в отношении которых рекомендации и пояснения попросту не нужны — Мэриэн Фейтфул, Ник Кейв, Брайан Ино, Адель, Эд Ширан, Энни Леннокс, Брайан Ферри, Сил… Музыка с его участием звучит в множестве известных фильмов — среди них такие блокбастеры, как франшиза о «друзьях Оушена», «Код 46», «Милые кости», ряд европейских работ. В общем и целом к середине 2019-го года дискография Абрахамса, творческая карьера которого к тому моменту едва насчитывала два десятилетия, включает более 350 работ.

Сольные альбомы Лео как полноценного лидера — это интересная собственная микро-вселенная, в которой сможет сориентироваться только специалист. Абрахамс, как и многие активно творящие представители музыкальной индустрии XXI века, далёк от стремительно устаревающего формального мышления золотой эры звукозаписи. У него есть, разумеется, «классически» изданные альбомы — выходившие на известных и не очень лейблах в виде компакт-дисков и винила. Например, почти фолк-бардовский (хотя и инструментальный) «Honeytrap» 2005-го года; амбиентный «Scene Memory» 2006-го; перемешавший все подвиды современного инди-рока и электроники «The Unrest Cure» 2008-го с множеством приглашённых вокалистов и вокалистов; прекрасный и негромкий «The Grape And The Grain» 2009-го; «DayLight» 2015-го и так далее. Но есть и множество чисто цифровых релизов, некоторые из которых кажутся поначалу чуть ли не издёвкой (например, «Guitar Stuff» 2008-го, на котором звучит исключительно обработанная гитара и которую сам автор иронически характеризует как «обрывки, кусочки, тестирование оборудования и вообще занятие всякой ерундой»). Есть короткие альбомы, по старой классификации подаваемые как EP. Есть созданная только и исключительно Лео музыка для фильмов, которую сложно воспринимать в отрыве от видеоряда. И есть видеоклипы, над которыми он работал едва ли с меньшей отдачей, чем над чистым аудио.

Уникальность Абрахамса именно в том, что при кажущейся всеядности в музыке он ни на секунду не оказывался статистом, нанятым студийным музыкантом. Происходящие с ним в музыке истории по-настоящему хороши и кинематографичны. Например, «прослушивание» у знаменитого Эда Харкурта, когда Абрахамс получил одну из первых своих работ просто положительным ответом на вопрос «нравится ли тебе Том Уэйтс». Или знакомство с поистине легендарным Брайаном Ино, положившее начало многолетней дружбе и сотрудничеству: «…я пробовал гитару в одном магазине в Ноттинг-Хилле, туда зашёл Брайан Ино, ему понравилось, что я не играл «Stairway To Heaven» на максимально возможной громкости, и он пригласил меня сыграть на его альбоме». Абрахамс — человек удивительной музыкальности и открытости, чья вовлечённость в исполняемую музыку навсегда влюбляет в него и слушателей, и коллег, и продюсеров, и (в терминах более прямых) работодателей. В середине 2010-х его востребованность оказалась столь велика, что Лео буквально неделями не выходил из дома, круглосуточно работая в собственной студии над всеми мыслимыми проектами одновременно. А в списке его работ появлялись в итоге то записи с Лондонским филармоническим оркестром, то запись гитары для Бориса Гребенщикова (!). Последнее, впрочем, неслучайно: Абрахамс называет себя русофилом, учит русский (и временами даже использует его на концертах, декламируя непростые эмоциональные тексты). Одна из последних его работ, вновь в сотрудничестве с Брайаном Ино — это работа над одиозным проектом «Дау» Ильи Хржановского, которая сама по себе вызывает беспрецедентный интерес и пока в принципе не планируется к показу на российской территории…

Абрахамс неоднократно бывал в России с разными составами (например, с Roxy Music), а в 2008 году был приглашён «МузЭнерго» впервые в своей истории именно как сольный артист. Показанная им программа альбома «Scene Memory» встретила потрясающий приём у российской публики. Со слов самого Лео, он был настолько вдохновлён слушателями, что уже в аэропорте, в ожидании рейса в Лондон, написал три новых композиции. В 2014-м ему удалось вернуться вновь и принять участие в «МузЭнергоТуре» в дуэте с барабанщиком Крисом Ваталаро. В 2019-м Абрахамс вновь едет в Россию с большим сольным туром, поддержанным Посольством Великобритании в Москве в рамках «Года музыки — 2019». В этом туре Лео будет показывать свою актуальную программу (преимущественно гитарно-электронный амбиент) и, в некоторых городах, приглашать на сцену российских коллег, разделяющих его эстетические взгляды. Нас ожидает серия совершенно уникальный и не повторяющихся по содержанию концертов самой что ни на есть актуальной и осмысленной музыки, создаваемой одним из ключевых персонажей Лондона — этой музыкальной Мекки сегодняшнего дня.

Опубликовано

12.11.2019, Иркутск, The Rocks: WOODOISM (Швейцария)

Лайнус Амстад (Linus Amstad), альт-саксофон
Флориан Вайсс (Florian Weiss), тромбон, композиция
Валентин фон Фишер (Valentin von Fischer), контрабас
Филипп Лейбундгут (Philipp Leibundgut), ударные

Критикам не удаётся уйти от очевидной отсылки в названии коллектива: для большинства из них Woodoism — это «колдовство, шаманское камлание, экстатический ритуал». Для тех, кто менее склонен к банальностям, Woodoism — это скорее вдохновлённая работа с формой, придание вполне общеупотребительному инструментальному материалу новых смыслов за счёт отточенности его подачи, искренней влюблённости и вживлённости в него.

Лидер молодого швейцарского квартета и автор исполняемой музыки — тромбонист Флориан Вайсс. Ему нет и тридцати, однако на швейцарской сцене он уже успел наделать изрядного шума — как в прямом, так и в переносном смысле. В 2010-м Вайсс закончил среднюю школу, уже выбрав в качестве специализации музыку и получив соответствующий дополнительный сертификат. Затем продолжил образование на джазовом факультете бернского Университета Искусств, получил степень магистра и перебрался в Университет Люцерна для дальнейшего совершенствования (диплом с отличием в 2017-м). На этом возможные ступени формального обучения музыке в Швейцарии попросту закончились, но Вайсс пошёл дальше и три месяца повышал квалификацию в Нью-Йорке. Неудивительно, что при таком рвении его успехи выразились не только в активной концертной деятельности, но и в официальных премиях, наградах и дипломах. Начиная с 2014-го, в жизни Вайсса какой-нибудь большой приз национального значения делается обязателен: попадание в проект «All Stars» швейцарской ассоциации джазового образования (2014), включение в специальный тур «Best of Swiss Jazz Bachelors» как раз с группой Woodoism в 2015-м, именные стипендии фонда Хиршмана (2015) и фонда Фридл Вальд (2016), выступление в качестве представителя люцернского университета на встрече Международной ассоциации джазовых школ в итальянской Сиенне (2017) и, наконец, «золотой дубль» — победа и одновременно приз зрительских симпатий на престижнейшем швейцарском конкурсе ZKB в 2018-м.

Помимо Woodoism, Вайсс как один из лидеров плотно задействован в необычном проекте La Môme (с кларнетистом Филиппом Хиллебрандом и барабанщиком Клеменсом Куратле; это трио посвящено новоджазовому прочтению творчества Эдит Пиаф и посетило Россию в 2018-м году). Что до коллективов с его участием, где лидерские функции на других — их огромное количество: здесь и собственные группы таких авторитетов, как Джулиан Сарториус и Лукас Ниггли, и Джазовый Оркестр Люцерна, и постановки Цюрихского оперного театра. Впрочем, в перечислении таких регалий от него не отстанут и остальные участники группы (а басист Валентин фон Фишер, например, может похвастаться тем, что и сам проехал пол-России в 2015-м году в составе Shady Midnight Orchestra).

Woodoism же был основан в 2014-м и, что любопытно, не претерпел с тех пор изменения состава, что говорит о многом. Основной идеей Вайса было исполнение репертуара, который он сам называл «игривой камерной музыкой в стилистике документального кино». Почему именно документального, а не кино в целом — остаётся только догадываться (впрочем, отчасти само это позиционирование тоже игриво). Квартет без гармонического инструмента взял на себя довольно непростую задачу, учитывая, насколько далека его стилистика от авангарда и свободного джаза, где такой недостаток мог бы быть объяснён вычурной концепцией. Однако выстраиваемые музыкантами аккорды из всего лишь трёх нот (тромбона, саксофона и контрабаса) оказались на практике достаточно искушёнными, а музыка Woodoism, словно бы вынужденная разнообразиться изнутри, по-хорошему цепляет. Как писал кто-то из рецензентов, «квартет бродит по зарослям джаза, но музыканты могут пролить свет даже в самые тёмные места этих зарослей, и они не отпускают руки слушателя; вы следите за группой и можете видеть, как простая с виду мысль молодого лидера превращается в полноценное повествование».

Woodoism гастролировал по Швейцарии уже в 2015-м в рамках программы «Best of Swiss Jazz Bachelors», отбор в которую проводила образовательная ассоциация DKSJ, а вскоре после этого побывал с концертами в Венгрии. Весной 2017-го квартет представил свой первый альбом (названный просто «Woodoism») и провёл обширный тур по Швейцарии и Германии. В начале 2019-го коллектив принял участие в престижном «сетевом» фестивале Suisse Diagonal, в рамках которого несколько наиболее интересных молодых групп выступают с концертами в ключевых джазовых залах страны. А в конце февраля 2019 года «Woodoism» объявили о завершении записи второго альбома, работа над которым велась на легендарной немецкой студии Bauer. Он будет выпущен в свет в сентябре и получит названием «Refugium».


Пресса

  • «… настоящий кайф от первого до последнего звука; самая настоящая развлекательная музыка, склеенная из чрезвычайно умных, забавных и разнообразных композиций» (Steff Rohrbach, «Jazz’n’More», 2017)
  • «… тонкая полифония, взломанная ритм-секцией с большим остроумием и темпераментом» (Peter Rüedi, «Weltwoche»)
  • «… элегантная бравада» (Tom Gsteiger, «Der Bund»)

Опубликовано

24.10.2019, Красноярск, КГИИ: JONAS CAMBIEN TRIO (Норвегия/Бельгия)

Jonas Cambien (Йонас Камбиен), фортепиано
Andre Roligheten (Андре Ролигетен), саксофоны
Andreas Wildhagen (Андреас Вилдхаген), ударные

Для специалистов «скандинавский джаз» — термин, не требующий пояснений: холодность, пронзительность, хрупкость и аскетичная красота. Трио Йонаса Камбиена — тот случай, когда в рецепт добавлено достаточно истинной и естественной оригинальности; если корифеи жанра почивают на лаврах и привыкают с баснословным гонорарам, Камбиен продолжает прогрессировать и остаётся открыт и доступен для самых неожиданных залов.

Первая гастрольная поездка по России новоджазового трио пианиста Йонаса Камбиена состоялась в ноябре 2016 года. В Россию этого лидера давно и активно рекомендовал его преподаватель в музыкальной академии Осло, знаменитый пианист советского происхождения Михаил Альперин, участник нашумевшего Moscow Art Trio, с 1991 года живущий и работающий в Норвегии. В 2011-м году группа Karokh под руководством Камбиена посетила Москву в рамках студенческого обмена и установила творческие связи, позволившие говорить о возвращении уже в профессиональном качестве, с новым авторским коллективом высокого уровня.

Трио Камбиена не только демонстрирует оригинальность творческих идей и силу молодого поколения норвежских джазменов, но и служит свидетельством успеха социальных и политических принципов объединённой Европы. Бельгиец по происхождению и гражданству, Камбиен прошёл обучение музыке в Музыкальной академии Осло и фактически состоялся как импровизатор и профессиональный артист именно в Норвегии. Работая с сильнейшими представителями норвежского джаза и будучи вовлечён в несколько разнотипных проектов, со своим трио он выпускает альбом на одном из наиболее авторитетных в этой области лейблов Clean Feed, базирующемся в Португалии. Появление трио в России, помимо очевидной цели развития своего интернационального присутствия, является для Камбиена доказательством состоятельности идей общекультурной и художественной толерантности, в которых географическое присутствие важно и содержательно характерно, но не в той степени, которая начала бы ограничивать свободу творчества и способы артистического развития.

Дебютный альбом трио описывается критиками как крайне любопытная смесь идей современного джаза и «корневого фольклора несуществующих стран» (да-да, именно так). Надо полагать, что в виду имеется в первую очередь единый для самых разных слушателей культурный фундамент, восходящий к свободному развитию песенной формы и основанный на импровизации – то, что в знаменитом бородатом анекдоте описывается фразой «что вижу, о том и пою». Но Камбиен с товарищами видят, как и положено образованному современному музыканту, довольно много. А поют об этом – вернее, разумеется, играют – мастерски, без эксцентрических излишеств и экспериментирования ради эксперимента.

Первые концерты трио в России, организованные при поддержке Посольства Норвегии в РФ, прошли на престижных сценах Москвы и Петербурга и доказали, что Камбиен как лидер — поистине уникальное явление: он способен органично вовлечь в музыку не только разношёрстную, но и весьма объёмную аудиторию — которую, в отличие от среднестатического «авангардиста», удерживает до конца концерта, а не до конца композиции, когда можно покинуть зал. Трио Камбиена — это, без преувеличения, качественно новый формат в первую очередь для крупных площадок, которым кажутся рискованными эксперименты с новой музыкой: именно в случае с Камбиеном результаты могут превзойти все ожидания.

Опубликовано

07.11.2019, Владимир, Grey Whale. WOODOISM (Швейцария)

Лайнус Амстад (Linus Amstad), альт-саксофон
Флориан Вайсс (Florian Weiss), тромбон, композиция
Валентин фон Фишер (Valentin von Fischer), контрабас
Филипп Лейбундгут (Philipp Leibundgut), ударные

Критикам не удаётся уйти от очевидной отсылки в названии коллектива: для большинства из них Woodoism — это «колдовство, шаманское камлание, экстатический ритуал». Для тех, кто менее склонен к банальностям, Woodoism — это скорее вдохновлённая работа с формой, придание вполне общеупотребительному инструментальному материалу новых смыслов за счёт отточенности его подачи, искренней влюблённости и вживлённости в него.

Лидер молодого швейцарского квартета и автор исполняемой музыки — тромбонист Флориан Вайсс. Ему нет и тридцати, однако на швейцарской сцене он уже успел наделать изрядного шума — как в прямом, так и в переносном смысле. В 2010-м Вайсс закончил среднюю школу, уже выбрав в качестве специализации музыку и получив соответствующий дополнительный сертификат. Затем продолжил образование на джазовом факультете бернского Университета Искусств, получил степень магистра и перебрался в Университет Люцерна для дальнейшего совершенствования (диплом с отличием в 2017-м). На этом возможные ступени формального обучения музыке в Швейцарии попросту закончились, но Вайсс пошёл дальше и три месяца повышал квалификацию в Нью-Йорке. Неудивительно, что при таком рвении его успехи выразились не только в активной концертной деятельности, но и в официальных премиях, наградах и дипломах. Начиная с 2014-го, в жизни Вайсса какой-нибудь большой приз национального значения делается обязателен: попадание в проект «All Stars» швейцарской ассоциации джазового образования (2014), включение в специальный тур «Best of Swiss Jazz Bachelors» как раз с группой Woodoism в 2015-м, именные стипендии фонда Хиршмана (2015) и фонда Фридл Вальд (2016), выступление в качестве представителя люцернского университета на встрече Международной ассоциации джазовых школ в итальянской Сиенне (2017) и, наконец, «золотой дубль» — победа и одновременно приз зрительских симпатий на престижнейшем швейцарском конкурсе ZKB в 2018-м.

Помимо Woodoism, Вайсс как один из лидеров плотно задействован в необычном проекте La Môme (с кларнетистом Филиппом Хиллебрандом и барабанщиком Клеменсом Куратле; это трио посвящено новоджазовому прочтению творчества Эдит Пиаф и посетило Россию в 2018-м году). Что до коллективов с его участием, где лидерские функции на других — их огромное количество: здесь и собственные группы таких авторитетов, как Джулиан Сарториус и Лукас Ниггли, и Джазовый Оркестр Люцерна, и постановки Цюрихского оперного театра. Впрочем, в перечислении таких регалий от него не отстанут и остальные участники группы (а басист Валентин фон Фишер, например, может похвастаться тем, что и сам проехал пол-России в 2015-м году в составе Shady Midnight Orchestra).

Woodoism же был основан в 2014-м и, что любопытно, не претерпел с тех пор изменения состава, что говорит о многом. Основной идеей Вайса было исполнение репертуара, который он сам называл «игривой камерной музыкой в стилистике документального кино». Почему именно документального, а не кино в целом — остаётся только догадываться (впрочем, отчасти само это позиционирование тоже игриво). Квартет без гармонического инструмента взял на себя довольно непростую задачу, учитывая, насколько далека его стилистика от авангарда и свободного джаза, где такой недостаток мог бы быть объяснён вычурной концепцией. Однако выстраиваемые музыкантами аккорды из всего лишь трёх нот (тромбона, саксофона и контрабаса) оказались на практике достаточно искушёнными, а музыка Woodoism, словно бы вынужденная разнообразиться изнутри, по-хорошему цепляет. Как писал кто-то из рецензентов, «квартет бродит по зарослям джаза, но музыканты могут пролить свет даже в самые тёмные места этих зарослей, и они не отпускают руки слушателя; вы следите за группой и можете видеть, как простая с виду мысль молодого лидера превращается в полноценное повествование».

Woodoism гастролировал по Швейцарии уже в 2015-м в рамках программы «Best of Swiss Jazz Bachelors», отбор в которую проводила образовательная ассоциация DKSJ, а вскоре после этого побывал с концертами в Венгрии. Весной 2017-го квартет представил свой первый альбом (названный просто «Woodoism») и провёл обширный тур по Швейцарии и Германии. В начале 2019-го коллектив принял участие в престижном «сетевом» фестивале Suisse Diagonal, в рамках которого несколько наиболее интересных молодых групп выступают с концертами в ключевых джазовых залах страны. А в конце февраля 2019 года «Woodoism» объявили о завершении записи второго альбома, работа над которым велась на легендарной немецкой студии Bauer. Он будет выпущен в свет в сентябре и получит названием «Refugium».

Пресса

  • «… настоящий кайф от первого до последнего звука; самая настоящая развлекательная музыка, склеенная из чрезвычайно умных, забавных и разнообразных композиций» (Steff Rohrbach, «Jazz’n’More», 2017)
  • «… тонкая полифония, взломанная ритм-секцией с большим остроумием и темпераментом» (Peter Rüedi, «Weltwoche»)
  • «… элегантная бравада» (Tom Gsteiger, «Der Bund»)

Опубликовано

15.11.2019, Воронеж, КК «Петровский». LEO ABRAHAMS (Великобритания)

Лео Абрахамс — английский гитарист, композитор, аранжировщик и саунд-продюсер, крайне плодотворно работающий в диаметрально противоположных музыкальных направлениях. Среди тех, с кем он сотрудничал в разное время — артисты радикально полярные: Имоджен Хип (звезда современной инди-эстрады), Дэвид Холмс (известнейший электронщик и диджей), Пол Саймон (тот самый, из легендарного дуэта «Simon & Garfunkel»), а также ряд лидеров, в отношении которых рекомендации и пояснения попросту не нужны — Мэриэн Фейтфул, Ник Кейв, Брайан Ино, Адель, Эд Ширан, Энни Леннокс, Брайан Ферри, Сил… Музыка с его участием звучит в множестве известных фильмов — среди них такие блокбастеры, как франшиза о «друзьях Оушена», «Код 46», «Милые кости», ряд европейских работ. В общем и целом к середине 2019-го года дискография Абрахамса, творческая карьера которого к тому моменту едва насчитывала два десятилетия, включает более 350 работ.

Сольные альбомы Лео как полноценного лидера — это интересная собственная микро-вселенная, в которой сможет сориентироваться только специалист. Абрахамс, как и многие активно творящие представители музыкальной индустрии XXI века, далёк от стремительно устаревающего формального мышления золотой эры звукозаписи. У него есть, разумеется, «классически» изданные альбомы — выходившие на известных и не очень лейблах в виде компакт-дисков и винила. Например, почти фолк-бардовский (хотя и инструментальный) «Honeytrap» 2005-го года; амбиентный «Scene Memory» 2006-го; перемешавший все подвиды современного инди-рока и электроники «The Unrest Cure» 2008-го с множеством приглашённых вокалистов и вокалистов; прекрасный и негромкий «The Grape And The Grain» 2009-го; «DayLight» 2015-го и так далее. Но есть и множество чисто цифровых релизов, некоторые из которых кажутся поначалу чуть ли не издёвкой (например, «Guitar Stuff» 2008-го, на котором звучит исключительно обработанная гитара и которую сам автор иронически характеризует как «обрывки, кусочки, тестирование оборудования и вообще занятие всякой ерундой»). Есть короткие альбомы, по старой классификации подаваемые как EP. Есть созданная только и исключительно Лео музыка для фильмов, которую сложно воспринимать в отрыве от видеоряда. И есть видеоклипы, над которыми он работал едва ли с меньшей отдачей, чем над чистым аудио.

Уникальность Абрахамса именно в том, что при кажущейся всеядности в музыке он ни на секунду не оказывался статистом, нанятым студийным музыкантом. Происходящие с ним в музыке истории по-настоящему хороши и кинематографичны. Например, «прослушивание» у знаменитого Эда Харкурта, когда Абрахамс получил одну из первых своих работ просто положительным ответом на вопрос «нравится ли тебе Том Уэйтс». Или знакомство с поистине легендарным Брайаном Ино, положившее начало многолетней дружбе и сотрудничеству: «…я пробовал гитару в одном магазине в Ноттинг-Хилле, туда зашёл Брайан Ино, ему понравилось, что я не играл «Stairway To Heaven» на максимально возможной громкости, и он пригласил меня сыграть на его альбоме». Абрахамс — человек удивительной музыкальности и открытости, чья вовлечённость в исполняемую музыку навсегда влюбляет в него и слушателей, и коллег, и продюсеров, и (в терминах более прямых) работодателей. В середине 2010-х его востребованность оказалась столь велика, что Лео буквально неделями не выходил из дома, круглосуточно работая в собственной студии над всеми мыслимыми проектами одновременно. А в списке его работ появлялись в итоге то записи с Лондонским филармоническим оркестром, то запись гитары для Бориса Гребенщикова (!). Последнее, впрочем, неслучайно: Абрахамс называет себя русофилом, учит русский (и временами даже использует его на концертах, декламируя непростые эмоциональные тексты). Одна из последних его работ, вновь в сотрудничестве с Брайаном Ино — это работа над одиозным проектом «Дау» Ильи Хржановского, которая сама по себе вызывает беспрецедентный интерес и пока в принципе не планируется к показу на российской территории…

Абрахамс неоднократно бывал в России с разными составами (например, с Roxy Music), а в 2008 году был приглашён «МузЭнерго» впервые в своей истории именно как сольный артист. Показанная им программа альбома «Scene Memory» встретила потрясающий приём у российской публики. Со слов самого Лео, он был настолько вдохновлён слушателями, что уже в аэропорте, в ожидании рейса в Лондон, написал три новых композиции. В 2014-м ему удалось вернуться вновь и принять участие в «МузЭнергоТуре» в дуэте с барабанщиком Крисом Ваталаро. В 2019-м Абрахамс вновь едет в Россию с большим сольным туром, поддержанным Посольством Великобритании в Москве в рамках «Года музыки — 2019». В этом туре Лео будет показывать свою актуальную программу (преимущественно гитарно-электронный амбиент) и, в некоторых городах, приглашать на сцену российских коллег, разделяющих его эстетические взгляды. Нас ожидает серия совершенно уникальный и не повторяющихся по содержанию концертов самой что ни на есть актуальной и осмысленной музыки, создаваемой одним из ключевых персонажей Лондона — этой музыкальной Мекки сегодняшнего дня.

Опубликовано

22.11.2019, КЦ ДОМ, Москва: Leo Abrahams (Великобритания)

Лео Абрахамс — английский гитарист, композитор, аранжировщик и саунд-продюсер, крайне плодотворно работающий в диаметрально противоположных музыкальных направлениях. Среди тех, с кем он сотрудничал в разное время — артисты радикально полярные: Имоджен Хип (звезда современной инди-эстрады), Дэвид Холмс (известнейший электронщик и диджей), Пол Саймон (тот самый, из легендарного дуэта «Simon & Garfunkel»), а также ряд лидеров, в отношении которых рекомендации и пояснения попросту не нужны — Мэриэн Фейтфул, Ник Кейв, Брайан Ино, Адель, Эд Ширан, Энни Леннокс, Брайан Ферри, Сил… Музыка с его участием звучит в множестве известных фильмов — среди них такие блокбастеры, как франшиза о «друзьях Оушена», «Код 46», «Милые кости», ряд европейских работ. В общем и целом к середине 2019-го года дискография Абрахамса, творческая карьера которого к тому моменту едва насчитывала два десятилетия, включает более 350 работ.

Сольные альбомы Лео как полноценного лидера — это интересная собственная микро-вселенная, в которой сможет сориентироваться только специалист. Абрахамс, как и многие активно творящие представители музыкальной индустрии XXI века, далёк от стремительно устаревающего формального мышления золотой эры звукозаписи. У него есть, разумеется, «классически» изданные альбомы — выходившие на известных и не очень лейблах в виде компакт-дисков и винила. Например, почти фолк-бардовский (хотя и инструментальный) «Honeytrap» 2005-го года; амбиентный «Scene Memory» 2006-го; перемешавший все подвиды современного инди-рока и электроники «The Unrest Cure» 2008-го с множеством приглашённых вокалистов и вокалистов; прекрасный и негромкий «The Grape And The Grain» 2009-го; «DayLight» 2015-го и так далее. Но есть и множество чисто цифровых релизов, некоторые из которых кажутся поначалу чуть ли не издёвкой (например, «Guitar Stuff» 2008-го, на котором звучит исключительно обработанная гитара и которую сам автор иронически характеризует как «обрывки, кусочки, тестирование оборудования и вообще занятие всякой ерундой»). Есть короткие альбомы, по старой классификации подаваемые как EP. Есть созданная только и исключительно Лео музыка для фильмов, которую сложно воспринимать в отрыве от видеоряда. И есть видеоклипы, над которыми он работал едва ли с меньшей отдачей, чем над чистым аудио.

Уникальность Абрахамса именно в том, что при кажущейся всеядности в музыке он ни на секунду не оказывался статистом, нанятым студийным музыкантом. Происходящие с ним в музыке истории по-настоящему хороши и кинематографичны. Например, «прослушивание» у знаменитого Эда Харкурта, когда Абрахамс получил одну из первых своих работ просто положительным ответом на вопрос «нравится ли тебе Том Уэйтс». Или знакомство с поистине легендарным Брайаном Ино, положившее начало многолетней дружбе и сотрудничеству: «…я пробовал гитару в одном магазине в Ноттинг-Хилле, туда зашёл Брайан Ино, ему понравилось, что я не играл «Stairway To Heaven» на максимально возможной громкости, и он пригласил меня сыграть на его альбоме». Абрахамс — человек удивительной музыкальности и открытости, чья вовлечённость в исполняемую музыку навсегда влюбляет в него и слушателей, и коллег, и продюсеров, и (в терминах более прямых) работодателей. В середине 2010-х его востребованность оказалась столь велика, что Лео буквально неделями не выходил из дома, круглосуточно работая в собственной студии над всеми мыслимыми проектами одновременно. А в списке его работ появлялись в итоге то записи с Лондонским филармоническим оркестром, то запись гитары для Бориса Гребенщикова (!). Последнее, впрочем, неслучайно: Абрахамс называет себя русофилом, учит русский (и временами даже использует его на концертах, декламируя непростые эмоциональные тексты). Одна из последних его работ, вновь в сотрудничестве с Брайаном Ино — это работа над одиозным проектом «Дау» Ильи Хржановского, которая сама по себе вызывает беспрецедентный интерес и пока в принципе не планируется к показу на российской территории…

Абрахамс неоднократно бывал в России с разными составами (например, с Roxy Music), а в 2008 году был приглашён «МузЭнерго» впервые в своей истории именно как сольный артист. Показанная им программа альбома «Scene Memory» встретила потрясающий приём у российской публики. Со слов самого Лео, он был настолько вдохновлён слушателями, что уже в аэропорте, в ожидании рейса в Лондон, написал три новых композиции. В 2014-м ему удалось вернуться вновь и принять участие в «МузЭнергоТуре» в дуэте с барабанщиком Крисом Ваталаро. В 2019-м Абрахамс вновь едет в Россию с большим сольным туром, поддержанным Посольством Великобритании в Москве в рамках «Года музыки — 2019». В этом туре Лео будет показывать свою актуальную программу (преимущественно гитарно-электронный амбиент) и, в некоторых городах, приглашать на сцену российских коллег, разделяющих его эстетические взгляды. Нас ожидает серия совершенно уникальный и не повторяющихся по содержанию концертов самой что ни на есть актуальной и осмысленной музыки, создаваемой одним из ключевых персонажей Лондона — этой музыкальной Мекки сегодняшнего дня.

Отзывы слушателей

  • … слушаю Абрахамса, запись с 22-го. Сейчас помру. Неужели это у нас было?!…
  • …это неподражаемо! Это so different!
  • … вот как (не без «усиленных» выражений) комментирует запись с 22-го ноября один из ведущих джазовых журналистов СНГ, человек, «измученный нарзаном» и редко ловящий кайф от музыки — просто потому, что приелась она уже. Комментарии идут в реальном времени — в процессе слушания. Не настаиваю на том, что это вот прямо истина в последней инстанции — просто интересно было наблюдать за развитием реакции. К слову, сам этот журналист — нехилый гитарист. «Играть на гитаре с лаптопом — это мука. Там еще примочек внешних куча, педалей одних 8 штук…[…]… Слушай… а этот рыжий классно играет. Нежно. Нет, не рыжий, блондинистый. Неважно. Но он клёво играет, без балды!…[…]…Йо! Оу, фак… он хорош! Как он с педалями работает… тьево!»
  • … «простая игра» — не такая уж простая КАК МИНИМУМ.
  • … интересна реакция малышни: творения Лео старший (5-ти лет) назвал «сказкой про космос».
  • ….оставил неизгладимые впечатления. Это очень здорово, когда на твоих глазах происходит чудо — рождается музыка. Ещё мне нравится смотреть на людей, получающих удовольствие от дела, которым они занимаются… Лео мастерски извлекает звук, используя как традиционные, так и альтернативные приёмы игры на гитаре, и с помощью них добивается выразительности и образности в звучании. С этого дня наверно именно он запомнился сильнее всего. Одна моя подруга после него ушла, объяснив «Чтобы не портить впечатление». Наверно, она права. Что мне понравилось, так это то, что он (не люблю употреблять это слово!) креативный. Его музыка меня вдохновляет.
  • … звонко ясно, что Лео — Мировой Спец.
  • … можно было растаять. Или улететь. Очень необычно и… такое вообще чудо, что он у нас был. Даже как-то нереально видеть человека такого уровня в нашей деревне:)

Опубликовано

21.10.2019, Москва, КЦ ДОМ: Jonas Cambien Trio (Норвегия/Бельгия)


Jonas Cambien (Йонас Камбиен), фортепиано
Andre Roligheten (Андре Ролигетен), саксофоны
Andreas Wildhagen (Андреас Вилдхаген), ударные

Для специалистов «скандинавский джаз» — термин, не требующий пояснений: холодность, пронзительность, хрупкость и аскетичная красота. Трио Йонаса Камбиена — тот случай, когда в рецепт добавлено достаточно истинной и естественной оригинальности; если корифеи жанра почивают на лаврах и привыкают с баснословным гонорарам, Камбиен продолжает прогрессировать и остаётся открыт и доступен для самых неожиданных залов.

Первая гастрольная поездка по России новоджазового трио пианиста Йонаса Камбиена состоялась в ноябре 2016 года. В Россию этого лидера давно и активно рекомендовал его преподаватель в музыкальной академии Осло, знаменитый пианист советского происхождения Михаил Альперин, участник нашумевшего Moscow Art Trio, с 1991 года живущий и работающий в Норвегии. В 2011-м году группа Karokh под руководством Камбиена посетила Москву в рамках студенческого обмена и установила творческие связи, позволившие говорить о возвращении уже в профессиональном качестве, с новым авторским коллективом высокого уровня.

Трио Камбиена не только демонстрирует оригинальность творческих идей и силу молодого поколения норвежских джазменов, но и служит свидетельством успеха социальных и политических принципов объединённой Европы. Бельгиец по происхождению и гражданству, Камбиен прошёл обучение музыке в Музыкальной академии Осло и фактически состоялся как импровизатор и профессиональный артист именно в Норвегии. Работая с сильнейшими представителями норвежского джаза и будучи вовлечён в несколько разнотипных проектов, со своим трио он выпускает альбом на одном из наиболее авторитетных в этой области лейблов Clean Feed, базирующемся в Португалии. Появление трио в России, помимо очевидной цели развития своего интернационального присутствия, является для Камбиена доказательством состоятельности идей общекультурной и художественной толерантности, в которых географическое присутствие важно и содержательно характерно, но не в той степени, которая начала бы ограничивать свободу творчества и способы артистического развития.

Дебютный альбом трио описывается критиками как крайне любопытная смесь идей современного джаза и «корневого фольклора несуществующих стран» (да-да, именно так). Надо полагать, что в виду имеется в первую очередь единый для самых разных слушателей культурный фундамент, восходящий к свободному развитию песенной формы и основанный на импровизации – то, что в знаменитом бородатом анекдоте описывается фразой «что вижу, о том и пою». Но Камбиен с товарищами видят, как и положено образованному современному музыканту, довольно много. А поют об этом – вернее, разумеется, играют – мастерски, без эксцентрических излишеств и экспериментирования ради эксперимента.

Первые концерты трио в России, организованные при поддержке Посольства Норвегии в РФ, прошли на престижных сценах Москвы и Петербурга и доказали, что Камбиен как лидер — поистине уникальное явление: он способен органично вовлечь в музыку не только разношёрстную, но и весьма объёмную аудиторию — которую, в отличие от среднестатического «авангардиста», удерживает до конца концерта, а не до конца композиции, когда можно покинуть зал. Трио Камбиена — это, без преувеличения, качественно новый формат в первую очередь для крупных площадок, которым кажутся рискованными эксперименты с новой музыкой: именно в случае с Камбиеном результаты могут превзойти все ожидания.

Опубликовано

15.10.2019, Казань, ЦСК «Смена». Ronny Graupes SPOOM (Германия/Дания)

Ронни Граупе (Ronny Graupe), гитара
Йонас Вестергард (Jonas Westergaard), бас
Кристиан Лиллингер (Christian Lillinger), ударные
Кристиан Вайднер (Christian Weidner), саксофон

Гитарное трио, прошедшее за восемь лет существования путь от переигровки джазовых стандартов до стопроцентно авторского материала, который потребовал введения в состав нового инструментального голоса: хороший пример того, как немецкая аккуратность и музыкантская самоирония создают новые сущности и перспективы там, где, казалось бы, всё очевидно и малоперспективно. 

Гитарист Ронни Граупе основал Spoom как трио в 2005 году, однозначно ориентируясь на «нормальный» джаз классического толка и подбирая репертуар в Великой Американской Книге Джазовых Стандартов. К этому моменту музыканту было двадцать пять, и у него за плечами были достаточно весомые в Германии молодёжные достижения: во-первых, национальная премия Jugend Jazzt (полученная в шестнадцать), во-вторых, именная стипендия лейпцигского фонда Марион Эрмер для молодых музыкантов (2001). Существовал к тому моменту и другой ансамбль, возглавляемый Граупе — Hyperactive Kid, самим названием которого, по сути, о Ронни уже всё сказано. Формально учиться музыке он  начал в Лейпциге (высшая школа музыки и театра имени Феликса Мендельсона Бартольди), продолжил в знаменитой копенгагенской Консерватории Ритмической Музыки, а между этими двумя образовательными учреждениями умудрился впихнуть работу ни много ни мало в BuJazzO («Бундес-Джаз-Оркестре» — ещё одно название, не требующее ни перевода, ни пояснения), с которым выступал в самых неожиданных точках планеты.

На этом фоне обращение к традиционному джазовому репертуару и хрестоматийному формату кажется скорее временной прихотью, чем нормой. Так и оказалось. Граупе вообще довелось расти в обстановке, требующей нестандартных выходов из странных ситуаций. Его родной город на момент появления музыканта на свет назывался Карл-Маркс-Штадт и до сих пор несколько внезапно числит в своих почётных гражданах, помимо Бисмарка, двух советских граждан — лётчика Николая Каманина и космонавта Валерия Быковского. Со временем город получил исторической название Хемниц, но вся малопонятная иностранным гражданам специфика взросления в социалистической ГДР явно наложила на Граупе отпечаток и определила его сатирический взгляд на мир. Даже на собственном сайте он рассказывает не столько о своей биографии, сколько о том, что Graupe — это единственное число от термина «Graupen», обозначающего… перловую крупу. Собственно, с разными характеристиками перловой крупы и предлагается знакомиться вместо достижений Ронни. А сам Ронни в это время отказывается от мейнстрима в музыке, начинает писать собственную музыку и уверенно уходит прочь от классической джазовой формы (тема, импровизация, тема). Его собственные пьесы выстраиваются теперь по высоким академическим законам, они многочастны, искушённы, для них характерна непростая драматургия и узнаваемая смесь серьёзности и  иронии.

Граупе как импровизатор делается с годами всё более отличен от основной массы «нормальных» джазовых гитаристов — и, как следствие, в 2012-м получает приглашение читать лекции по джазовой гитаре в университете искусств швейцарского Берна.

Spoom записал как трио альбомы «As They Are» (2012, Shoebill Music) и «The White Belt» (2016, Pirouet). После этого усложняющаяся музыка Граупе потребовала введения в состав нового голоса, и к группе присоединился в 2018 году саксофонист Кристиан Вайднер.

Опубликовано

14.11.2019, Тула, «Типография». Leo Abrahams (Великобритания)

Лео Абрахамс — английский гитарист, композитор, аранжировщик и саунд-продюсер, крайне плодотворно работающий в диаметрально противоположных музыкальных направлениях. Среди тех, с кем он сотрудничал в разное время — артисты радикально полярные: Имоджен Хип (звезда современной инди-эстрады), Дэвид Холмс (известнейший электронщик и диджей), Пол Саймон (тот самый, из легендарного дуэта «Simon & Garfunkel»), а также ряд лидеров, в отношении которых рекомендации и пояснения попросту не нужны — Мэриэн Фейтфул, Ник Кейв, Брайан Ино, Адель, Эд Ширан, Энни Леннокс, Брайан Ферри, Сил… Музыка с его участием звучит в множестве известных фильмов — среди них такие блокбастеры, как франшиза о «друзьях Оушена», «Код 46», «Милые кости», ряд европейских работ. В общем и целом к середине 2019-го года дискография Абрахамса, творческая карьера которого к тому моменту едва насчитывала два десятилетия, включает более 350 работ.

Сольные альбомы Лео как полноценного лидера — это интересная собственная микро-вселенная, в которой сможет сориентироваться только специалист. Абрахамс, как и многие активно творящие представители музыкальной индустрии XXI века, далёк от стремительно устаревающего формального мышления золотой эры звукозаписи. У него есть, разумеется, «классически» изданные альбомы — выходившие на известных и не очень лейблах в виде компакт-дисков и винила. Например, почти фолк-бардовский (хотя и инструментальный) «Honeytrap» 2005-го года; амбиентный «Scene Memory» 2006-го; перемешавший все подвиды современного инди-рока и электроники «The Unrest Cure» 2008-го с множеством приглашённых вокалистов и вокалистов; прекрасный и негромкий «The Grape And The Grain» 2009-го; «DayLight» 2015-го и так далее. Но есть и множество чисто цифровых релизов, некоторые из которых кажутся поначалу чуть ли не издёвкой (например, «Guitar Stuff» 2008-го, на котором звучит исключительно обработанная гитара и которую сам автор иронически характеризует как «обрывки, кусочки, тестирование оборудования и вообще занятие всякой ерундой»). Есть короткие альбомы, по старой классификации подаваемые как EP. Есть созданная только и исключительно Лео музыка для фильмов, которую сложно воспринимать в отрыве от видеоряда. И есть видеоклипы, над которыми он работал едва ли с меньшей отдачей, чем над чистым аудио.

Уникальность Абрахамса именно в том, что при кажущейся всеядности в музыке он ни на секунду не оказывался статистом, нанятым студийным музыкантом. Происходящие с ним в музыке истории по-настоящему хороши и кинематографичны. Например, «прослушивание» у знаменитого Эда Харкурта, когда Абрахамс получил одну из первых своих работ просто положительным ответом на вопрос «нравится ли тебе Том Уэйтс». Или знакомство с поистине легендарным Брайаном Ино, положившее начало многолетней дружбе и сотрудничеству: «…я пробовал гитару в одном магазине в Ноттинг-Хилле, туда зашёл Брайан Ино, ему понравилось, что я не играл «Stairway To Heaven» на максимально возможной громкости, и он пригласил меня сыграть на его альбоме». Абрахамс — человек удивительной музыкальности и открытости, чья вовлечённость в исполняемую музыку навсегда влюбляет в него и слушателей, и коллег, и продюсеров, и (в терминах более прямых) работодателей. В середине 2010-х его востребованность оказалась столь велика, что Лео буквально неделями не выходил из дома, круглосуточно работая в собственной студии над всеми мыслимыми проектами одновременно. А в списке его работ появлялись в итоге то записи с Лондонским филармоническим оркестром, то запись гитары для Бориса Гребенщикова (!). Последнее, впрочем, неслучайно: Абрахамс называет себя русофилом, учит русский (и временами даже использует его на концертах, декламируя непростые эмоциональные тексты). Одна из последних его работ, вновь в сотрудничестве с Брайаном Ино — это работа над одиозным проектом «Дау» Ильи Хржановского, которая сама по себе вызывает беспрецедентный интерес и пока в принципе не планируется к показу на российской территории…

Абрахамс неоднократно бывал в России с разными составами (например, с Roxy Music), а в 2008 году был приглашён «МузЭнерго» впервые в своей истории именно как сольный артист. Показанная им программа альбома «Scene Memory» встретила потрясающий приём у российской публики. Со слов самого Лео, он был настолько вдохновлён слушателями, что уже в аэропорте, в ожидании рейса в Лондон, написал три новых композиции. В 2014-м ему удалось вернуться вновь и принять участие в «МузЭнергоТуре» в дуэте с барабанщиком Крисом Ваталаро. В 2019-м Абрахамс вновь едет в Россию с большим сольным туром, поддержанным Посольством Великобритании в Москве в рамках «Года музыки — 2019». В этом туре Лео будет показывать свою актуальную программу (преимущественно гитарно-электронный амбиент) и, в некоторых городах, приглашать на сцену российских коллег, разделяющих его эстетические взгляды. Нас ожидает серия совершенно уникальный и не повторяющихся по содержанию концертов самой что ни на есть актуальной и осмысленной музыки, создаваемой одним из ключевых персонажей Лондона — этой музыкальной Мекки сегодняшнего дня.

Опубликовано

01.11.2019, Егорьевск, «Rotor». Akku Quintet (Швейцария)

Михаэль Гильсенан (Michael Gilsenan), саксофон
Маркус Ишер (Markus Ischer), гитара
Майя Нидеггер (Maja Nydegger), клавишные
Анди Шнеллманн (Andi Schnellmann), бас
Мануэль Паскинелли (Manuel Pasquinelli), ударные
специальный гость Йонас Фер (Jonas Fehr), живой видеоряд

Электрическое гитарное трио с авторской музыкой. Сегодня в джаз-роке и фьюжне не так просто сказать что-то по-настоящему новое, но минимальные требования к музыкантам, работающим в этих жанрах, давно и многократно превышают требования к «обычным» джазменам времён расцвета жанра. Поэтому, когда им действительно есть что сказать — это гарантированный успех.

Согласно рецензии в отечественном журнале «Salon A&V», Akku Quintet — «молодой ансамбль из Берна», который «активно концертирует по небольшим залам, не чураясь заведений общественного питания и клубов. Ни о самом коллективе, ни об его участниках практически ничего не известно. Но по музыке, которую они сочиняют и играют, можно догадаться, что музыкальное образование у них есть. Как минимум, у барышни, которая играет на клавишах.» Рецензент издания считает, что их музыка «эклектична и сочетает в себе элементы минимализма, джаза, временами проскальзывают мотивы клубной электроники (главным образом – в монотонных партиях ударника). Такую музыку сейчас модно использовать в некоммерческом кино, под неё хорошо заниматься домашними делами и медитировать (под трек Fluid). В принципе ничего особенного, но симпатично. Не стал бы называть эту музыку примитивной, но чтобы её исполнять, виртуозом быть не требуется.»

Подобная оценка, безусловно, больше говорит о профессиональном становлении рецензента, чем о коллективе. AKKU основан в 2011 году барабанщиком и композитором Мануэлем Паскинелли, взявшим с этим проектом курс на любопытный сплав минималистичного джаза, привлекательной ритмики и живого видеоряда (который обеспечивается работой в реальном времени датского ви-джея Йонаса Фера). За время своего существования группа выступала в нескольких странах Евросоюза, посетила Великобританию и США. Среди её участников — музыканты пусть и всё ещё молодые (по нынешним меркам таковыми уверенно называют и сорокалетних, хотя большинству играющих в AKKU около тридцати), но весьма заметные на европейской сцене. Достаточно выделить басиста Анди Шнеллманна, который только в России с разными составами побывал уже полдюжины раз.

В 2013-м коллектив выпустил дебютный альбом под говорящим названием «Stages of Sleep» (да, они действительно представили в музыке разные стадии сна в полном соответствии с научными представлениями об этом процессе). Пьеса с этого диска («Deep Sleep 2») была отобрана для распространённого по всему миру сборника «Jazz made in Switzerland 2014/15». В 2015-м выпущена вторая работа («Molecules»), в 2017-м — третья («Aeon»). В российском туре 2019 года коллектив обещает представить четвёртый альбом, выпуск которого запланирован на август.


Цитаты из прессы

  • «…это поток и грув с самого начала до самого конца» (Steve Feigenbaum, Cuneiform Record Label)
  • «…они переопределяют курс прогрессивной фьюжн-музыки. Второй альбом группы, «Molecules» — это однозначный джаз-роковый шедевр XXI века» (Robert Steven Silverstein, mwe3)
  • «… неторопливый и свободный, альбом «Molecules» — это сложно увязанная и ярко рассказанная сюита, в гипнотизирующей структуре которой никогда не теряется потрясающая лирика» (Sid Smith, ProgMagazine)
  • “… прекрасный новый альбом… очень личная и даже интровертная сторона постоянно трансформирующейся швейцарской минималистской сцены. По-настоящему великолепная работа» (Anil Prasad, Innerviews)
  • «… квинтет действует как хорошо смазанный механизм; очень зрело и осмысленно в высказываниях» (Bea Venturini, Swissvibes.org)

Опубликовано

02.10.2019, Железногорск, ДМШ им. Мусоргского. Hely (Швейцария) и Oggy & The Phonics (Швейцария/Франция)


Cразу две джазовые команды в одном концерте. Европейский джаз как он есть, открытый и энергочестный.

первое отделение
Oggy & The Phonics (Швейцария/Франция)

Клеман Мёнье (Clément Meunier), кларнет
Луи Бийетт (Louis Billette), саксофоны
Гаспар Колен (Gaspard Colin), бас-гитара
Натан Ванденбюлке (Nathan Vandenbulcke), ударные
Тео Дюбуль (Théo Duboule), электрогитара

Цель, которую ставит перед собой этот квинтет — не просто отыскать единый базис интеллектуальной и популярной музыки. И даже не просто вычленить общее и подать его слушателю в импровизационном обрамлении. Музыканты хотят удерживать форму подачи столь же разнообразной, сколь разнообразны сами жанры — то есть сохранять в своём творчестве одновременно простоту и фундаментальную серьёзность, мощь и хрупкость, самобытность и отсылки к чему-то неуловимо знакомому.


второе отделение
HELY (Швейцария

Йонас Рутер (Jonas Ruther), ударные
Лукка Фрис (Lucca Fries), фортепиано

Молодые швейцарцы — барабанщик Йонас Рутер и пианист Лука Фрис — работают в своеобразных коллективах, исполняющих музыку в диапазоне от репертуарных программ в память джазовых классиков до бескомпромиссного авангарда. Эта универсальность — скорее свидетельство интереса музыкантов ко всему многообразию стилей, а не доказательство истинной всеядности.

Фрис и Рутер называют свою музыку «транс-джазом», что отсылает слушателя к одному из подвидов танцевальной музыки. Суммирование стилей не сделает джаз привлекательным для танцпола и не сделает транс уместным на консервативном джазовом фестивале. Речь идёт о медитативной, гипнотической ритмичной модели создаваемой музыки, заставляющей слушателя втягиваться в происходящее и адаптировать себя к модели поистине бесконечной смены настроений и идей.

Впечатление, произведённое на россиян, превзошло все ожидания: «Шаманы», «медитация», «космос» — самые распространенные отклики о туре-2018.

Опубликовано

01.10.2019, Красноярск, КГИИ. Hely (Швейцария) + Oggy & The Phonics (Швейцария/Франция)

Cразу две джазовые команды в одном концерте. Европейский джаз как он есть, открытый и энергочестный.

первое отделение
Oggy & The Phonics (Швейцария/Франция)

Клеман Мёнье (Clément Meunier), кларнет
Луи Бийетт (Louis Billette), саксофоны
Гаспар Колен (Gaspard Colin), бас-гитара
Натан Ванденбюлке (Nathan Vandenbulcke), ударные
Тео Дюбуль (Théo Duboule), электрогитара

Цель, которую ставит перед собой этот квинтет — не просто отыскать единый базис интеллектуальной и популярной музыки. И даже не просто вычленить общее и подать его слушателю в импровизационном обрамлении. Музыканты хотят удерживать форму подачи столь же разнообразной, сколь разнообразны сами жанры — то есть сохранять в своём творчестве одновременно простоту и фундаментальную серьёзность, мощь и хрупкость, самобытность и отсылки к чему-то неуловимо знакомому.


второе отделение
HELY (Швейцария

Йонас Рутер (Jonas Ruther), ударные
Лукка Фрис (Lucca Fries), фортепиано

Молодые швейцарцы — барабанщик Йонас Рутер и пианист Лука Фрис — работают в своеобразных коллективах, исполняющих музыку в диапазоне от репертуарных программ в память джазовых классиков до бескомпромиссного авангарда. Эта универсальность — скорее свидетельство интереса музыкантов ко всему многообразию стилей, а не доказательство истинной всеядности.

Фрис и Рутер называют свою музыку «транс-джазом», что отсылает слушателя к одному из подвидов танцевальной музыки. Суммирование стилей не сделает джаз привлекательным для танцпола и не сделает транс уместным на консервативном джазовом фестивале. Речь идёт о медитативной, гипнотической ритмичной модели создаваемой музыки, заставляющей слушателя втягиваться в происходящее и адаптировать себя к модели поистине бесконечной смены настроений и идей.

Впечатление, произведённое на россиян, превзошло все ожидания: «Шаманы», «медитация», «космос» — самые распространенные отклики о туре-2018.

Опубликовано

16.10.2019, «Прощай, оружие!», Дубна. Ronny Graupes Spoom (Германия/Дания)

Ронни Граупе (Ronny Graupe), гитара
Йонас Вестергард (Jonas Westergaard), бас
Кристиан Лиллингер (Christian Lillinger), ударные
Кристиан Вейднер (Christian Weidner), саксофон

Гитарное трио, прошедшее за восемь лет существования путь от переигровки джазовых стандартов до стопроцентно авторского материала, который потребовал введения в состав нового инструментального голоса: хороший пример того, как немецкая аккуратность и музыкантская самоирония создают новые сущности и перспективы там, где, казалось бы, всё очевидно и малоперспективно. 

Гитарист Ронни Граупе основал Spoom как трио в 2005 году, однозначно ориентируясь на «нормальный» джаз классического толка и подбирая репертуар в Великой Американской Книге Джазовых Стандартов. К этому моменту музыканту было двадцать пять, и у него за плечами были достаточно весомые в Германии молодёжные достижения: во-первых, национальная премия Jugend Jazzt (полученная в шестнадцать), во-вторых, именная стипендия лейпцигского фонда Марион Эрмер для молодых музыкантов (2001). Существовал к тому моменту и другой ансамбль, возглавляемый Граупе — Hyperactive Kid, самим названием которого, по сути, о Ронни уже всё сказано. Формально учиться музыке он  начал в Лейпциге (высшая школа музыки и театра имени Феликса Мендельсона Бартольди), продолжил в знаменитой копенгагенской Консерватории Ритмической Музыки, а между этими двумя образовательными учреждениями умудрился впихнуть работу ни много ни мало в BuJazzO («Бундес-Джаз-Оркестре» — ещё одно название, не требующее ни перевода, ни пояснения), с которым выступал в самых неожиданных точках планеты.

На этом фоне обращение к традиционному джазовому репертуару и хрестоматийному формату кажется скорее временной прихотью, чем нормой. Так и оказалось. Граупе вообще довелось расти в обстановке, требующей нестандартных выходов из странных ситуаций. Его родной город на момент появления музыканта на свет назывался Карл-Маркс-Штадт и до сих пор несколько внезапно числит в своих почётных гражданах, помимо Бисмарка, двух советских граждан — лётчика Николая Каманина и космонавта Валерия Быковского. Со временем город получил исторической название Хемниц, но вся малопонятная иностранным гражданам специфика взросления в социалистической ГДР явно наложила на Граупе отпечаток и определила его сатирический взгляд на мир. Даже на собственном сайте он рассказывает не столько о своей биографии, сколько о том, что Graupe — это единственное число от термина «Graupen», обозначающего… перловую крупу. Собственно, с разными характеристиками перловой крупы и предлагается знакомиться вместо достижений Ронни. А сам Ронни в это время отказывается от мейнстрима в музыке, начинает писать собственную музыку и уверенно уходит прочь от классической джазовой формы (тема, импровизация, тема). Его собственные пьесы выстраиваются теперь по высоким академическим законам, они многочастны, искушённы, для них характерна непростая драматургия и узнаваемая смесь серьёзности и  иронии.

Граупе как импровизатор делается с годами всё более отличен от основной массы «нормальных» джазовых гитаристов — и, как следствие, в 2012-м получает приглашение читать лекции по джазовой гитаре в университете искусств швейцарского Берна.

Spoom записал как трио альбомы «As They Are» (2012, Shoebill Music) и «The White Belt» (2016, Pirouet). После этого усложняющаяся музыка Граупе потребовала введения в состав нового голоса, и к группе присоединился в 2018 году саксофонист Кристиан Вейднер.

Опубликовано

25.09.2019, «Прощай, оружие!», Дубна. Oggy & The Phonics (Швейцария/Франция)

Клеман Мёнье (Clément Meunier), кларнет
Луи Бийетт (Louis Billette), саксофоны
Гаспар Колен (Gaspard Colin), бас-гитара
Натан Ванденбюлке (Nathan Vandenbulcke), ударные
Тео Дюбуль (Théo Duboule), электрогитара

Цель, которую ставит перед собой этот квинтет — не просто отыскать единый базис интеллектуальной и популярной музыки. И даже не просто вычленить общее и подать его слушателю в импровизационном обрамлении. Музыканты хотят удерживать форму подачи столь же разнообразной, сколь разнообразны сами жанры — то есть сохранять в своём творчестве одновременно простоту и фундаментальную серьёзность, мощь и хрупкость, самобытность и отсылки к чему-то неуловимо знакомому.

В традиционной классификации Oggy & The Phonics сразу относят к «современному джазу», пусть даже эта формулировка и перестала иметь однозначный смысл ещё в конце XX века. Но, безусловно, изначально джазовая природа ансамбля налицо: каждый из музыкантов характерен в первую очередь импровизационным, «оперативным» мышлением. Авторский материал группы в чём-то даже нарочито упрощён, предоставляя открытые возможности для творческого полёта; и, тем не менее, этот полёт равно далёк и от обманчивой фри-джазовой свободы, и от клише развлекательного мейнстрима. Недаром творческими ориентирами названы весьма одиозные коллективы из далёких музыкальных областей — Kneebody, Jaga Jazzist, Radiohead, Knower.

Квинтет считает своей штаб-квартирой швейцарскую Лозанну, однако формальный лидер группы, швейцарский гитарист Тео Дюбуль, по иронии судьбы основное время живёт и работает в Берлине (где имеет определённый вес его собственный электронный соло-проект Mr Wizzel). В 2016-м Дюбуль дошёл до полуфинала в авторитетном джазовом конкурсе в Монтрё (в классе, соответственно, джазовых гитаристов), а в 2017-м взял два крупных приза именно вместе с Oggy — «Sunset/Sunside» (в Париже) и «Jazzcontrebande» (в Женеве). На счету коллектива три альбома.

Опубликовано

14.10.2019, Москва, КЦ ДОМ: Ronny Graupes SPOOM: Фестиваль Гёте-Института «Джаз осенью: Jazz. Industrial. Kraut», концерт 2

Фестиваль Гёте-Института «Джаз осенью: Jazz. Industrial. Kraut», концерт 2

Ронни Граупе (Ronny Graupe) – гитара
Кристиан Вайднер (Christian Weidner) – саксофон
Йонас Вестергард (Jonas Westergaard) – бас
Кристиан Лиллингер (Christian Lillinger) – ударные

Организатор фестиваля – Гёте-Институт в Москве

Информационные партнеры – Журнал «Джаз.Ру» и Музыкальная энциклопедия «Звуки.ру»

Гитарное трио, прошедшее за восемь лет существования путь от переигровки джазовых стандартов до стопроцентно авторского материала, который потребовал введения в состав нового инструментального голоса: хороший пример того, как немецкая аккуратность и музыкантская самоирония создают новые сущности и перспективы там, где, казалось бы, всё очевидно и малоперспективно.

Гитарист Ронни Граупе основал Spoom как трио в 2005 году, однозначно ориентируясь на «нормальный» джаз классического толка и подбирая репертуар в Великой Американской Книге Джазовых Стандартов. К этому моменту музыканту было двадцать пять, и у него за плечами были достаточно весомые в Германии молодёжные достижения: во-первых, национальная премия Jugend Jazzt (полученная в шестнадцать), во-вторых, именная стипендия лейпцигского фонда Марион Эрмер для молодых музыкантов (2001). Существовал к тому моменту и другой ансамбль, возглавляемый Граупе — Hyperactive Kid, самим названием которого, по сути, о Ронни уже всё сказано. Формально учиться музыке он начал в Лейпциге (высшая школа музыки и театра имени Феликса Мендельсона Бартольди), продолжил в знаменитой копенгагенской Консерватории Ритмической Музыки, а между этими двумя образовательными учреждениями умудрился впихнуть работу ни много ни мало в BuJazzO («Бундес-Джаз-Оркестре» — ещё одно название, не требующее ни перевода, ни пояснения), с которым выступал в самых неожиданных точках планеты.

На этом фоне обращение к традиционному джазовому репертуару и хрестоматийному формату кажется скорее временной прихотью, чем нормой. Так и оказалось. Граупе вообще довелось расти в обстановке, требующей нестандартных выходов из странных ситуаций. Его родной город на момент появления музыканта на свет назывался Карл-Маркс-Штадт и до сих пор несколько внезапно числит в своих почётных гражданах, помимо Бисмарка, двух советских граждан — лётчика Николая Каманина и космонавта Валерия Быковского. Со временем город получил исторической название Хемниц, но вся малопонятная иностранным гражданам специфика взросления в социалистической ГДР явно наложила на Граупе отпечаток и определила его сатирический взгляд на мир. Даже на собственном сайте он рассказывает не столько о своей биографии, сколько о том, что Graupe — это единственное число от термина «Graupen», обозначающего… перловую крупу. Собственно, с разными характеристиками перловой крупы и предлагается знакомиться вместо достижений Ронни. А сам Ронни в это время отказывается от мейнстрима в музыке, начинает писать собственную музыку и уверенно уходит прочь от классической джазовой формы (тема, импровизация, тема). Его собственные пьесы выстраиваются теперь по высоким академическим законам, они многочастны, искушённы, для них характерна непростая драматургия и узнаваемая смесь серьёзности и иронии.

Граупе как импровизатор делается с годами всё более отличен от основной массы «нормальных» джазовых гитаристов — и, как следствие, в 2012-м получает приглашение читать лекции по джазовой гитаре в университете искусств швейцарского Берна.

Spoom записал как трио альбомы «As They Are» (2012, Shoebill Music) и «The White Belt» (2016, Pirouet). После этого усложняющаяся музыка Граупе потребовала введения в состав нового голоса, и к группе присоединился в 2018 году саксофонист Кристиан Вейднер.

Опубликовано

Terrane (США/Россия) + гости во «FLAT»

Деннис Рэй (Dennis Rea), гитара
Дик Валентайн (Dick Valentine)
, саксофон, флейта

Дэниел Зангроуни (Daniel Zongrone), ударные, клавишные
Вадим Дикке, бас
Специальные гости вечера: группа «Немой» (Томск) и участники Strangelet Ensemble (Томск)

Этот международный проект собран для исполнения в прог-роковом и авангардном ключе необычного материала — адаптированной традиционной музыки Центральной Азии и авторских пьес гитариста Денниса Рэя, обращающегося к тому же источнику. 

Рэй заканчивает сейчас запись альбома, на котором будут звучать голоса и инструменты самых неожиданных музыкантов (в частности, тувинца Альберта Кувезина, основателя легендарной Yat-Kha). Terrane — один из ключевых составов, который принимает участие в этом процессе; а сама программа получила остроумное название «Giant Steppes»,  обыгрывающее знаковую джазовую работу Джона Колтрейна «Giant Steps» и одновременно декларирующее свою «географическую» (или, правильнее, этническую?) специфику. Музыканты квартета (фактически выросшего из трио Time-Lapse, выступающего в Штатах без баса) обладают весьма солидным опытом исполнения прог-рока, современного джаза, свободной импровизации, электронной и экспериментальной музыки,- и всё это, разумеется, так или иначе находит отражение в звучании Terrane.

Лидер проекта Деннис Рэй на сцене более 40 лет. Ключевые группы с его участием (многие из них — им же и созданные) — Moraine, LAND, Savant, Earthstar. Рэй выступал с импровизаторами мирового уровня известности — французом композитором Гектором Зазу, голландским барабанщиком Ханом Беннинком, тромбонистом Стюартом Демпстером, «отцом китайского рока» Цуй Цзянем, основателем Hawkwind Ником Тёрнером; в списке есть и множество других больших имён — музыканты-участники таких коллективов, как King Crimson, R.E.M., Pearl Jam, Soundgarden, Santana, Ministry, Sun Ra Arkestra. Ранние годы Рэй провёл в Азии (где регулярно выступал в Китае и Тайване), и по итогам этого периода им написана книга «Live at the Forbidden City: Musical Encounters in China and Taiwan» (Blue Ear Books, 2015). Ему доводилось выходить на сцены в самых разных странах — Мексике, Германии, России. Один из ключевых подопечных знаменитого лейбла звукозаписи MoonJune Records, он принял участие в создании более 40 альбомов. Основные интересы Рэя — это изучение музыкальных традиций разных народов мира и приведение их в единый авангардно-импровизационный или прог-роковый контекст; до начала работы над «Giant Steppes» он отметился, например, прекрасным альбомом «Views From Chicheng Precipice», посвящённым китайской музыке.

Саксофонист и флейтист коллектива Дик Валентайн в разных контекстах обращается также к перкуссии, электронике и голосу. Музыкальное образование он получил под началом прославленного Джо Хендерсона, однако сразу же продемонстрировал потрясающий универсализм и всеядность: помимо современного джаза и внестилевой импровизационной музыки, он заявил о себе в коллективах, исполняющих гамелан (индонезийскую традиционную музыку), мексиканский фольклор, камерные произведения для хора и т.п. Его хорошо знают как «технолога», внедряющего в процесс создания музыки новые инженерные идеи, связанные с использованием электроники. Созданные им композиции исполняют камерные, струнные и духовые ансамбли, включая в том числе филармонический оркестр Сиэтла.

Любопытным образом увлечение электроникой роднит Валентайна с остальными участниками квартета. Так, барабанщик Дэн Зaнгроуни пришёл в электронную музыку из чисто инженерной отрасли; его совместный с Рэем проект Earthstar (созданный в конце 1970-х) оказался, возможно, единственным на тот момент американским составом, который активно работал в области немецкой электронной «космо-музыки» и конкурировал с корифеями жанра в период их расцвета. Зонгроун много пишет для кино, танцевальных трупп, специальных проектов (как следствие, он обладает рядом престижных наград и грантов (NEA, Public Art, Kindermusik и так далее). Как преподаватель он востребован на международном уровне — в частности, в данный момент является резидентом международной музыкальной школы Xi’an Bo-Ai в Китае.

Российский участник квартета Вадим Дикке — бас-гитарист, импровизатор и саунд-продюсер из Томска. Один из основателей пост-индустриальной формации «Секта Феникса», в дальнейшем участник множества проектов, стилистика которых охватывает пост-рок (Sine Seawave), электронику (PSVSV) и джаз-рок (Ángel Ontalva & No Grooves). В настоящее время является руководителем, контрабасистом и дирижёром томского Strangelet Ensemble, специализирующегося на свободной и управляемой коллективной импровизации.

Формирование Time-Lapse именно как международного состава стало возможным по результатам участия Дэнниса Рэя в международном передвижном фестивале «МузЭнергоТур», в рамках которого он посетил несколько сибирских регионов, в том числе Туву и Бурятию, и установил весьма многообещающие контакты с рядом российских музыкантов высшей лиги — в том числе с уже упомянутым Альбертом Кувезиным и группой «Намгар». А более плотное знакомство с Вадимом Дикке, участником того же фестиваля в составе Sine Seawave, уже через год привело к повторному приезду Рэя с прог-роковым проектом «Russian Moraine», в котором к Рэю и Дикке присоединились партнёры из США, Швейцарии и Нидерландов.

Опубликовано

DogOn (Швейцария)

Эрик Хунцикер (Eric Hunziker), гитара
Томас Тавано (Thomas Tavano), бас-гитара
Тобиас Хунцикер (Tobias Hunziker), ударные

Электрическое гитарное трио с авторской музыкой. Сегодня в джаз-роке и фьюжне не так просто сказать что-то по-настоящему новое, но минимальные требования к музыкантам, работающим в этих жанрах, давно и многократно превышают требования к «обычным» джазменам времён расцвета жанра. Поэтому, когда им действительно есть что сказать — это гарантированный успех.

Гитарист Эрик Хунцикер рассматривает свой проект «DogOn» как (ни больше ни меньше) космический корабль, бороздящий просторы джаза, фанка и «открытой музыки». Определение непростое, но всяко не такое безликое в сегодняшних реалиях, как обычный «джаз-рок». Кроме того, именно отсылка к свободному полёту в неограниченном пространстве — хороший ключ к пониманию стилистики коллектива. Хунцикер с товарищами не застаивается ни на одной из привычных джаз-роковых «трасс» — не увлекается виртуозными технически соло, не концентрируется на сложных ломаных размерах, не доказывает без остановки глобальность и универсальность мышления. Его композиции, в отличие от большинства джаз-роковых тем, можно запоминать и напевать; смена настроений в рамках одной пьесы естественна и органична, а не вызвана стремлением всё «профессионально» переусложнить. И в итоге его «корабль» действительно летит, и летит свободно…

Дебютный альбом группы вышел лишь в январе 2017, но это тот случай, когда музыканты зарабатывали себе имя в других коллективах, а не торопились как можно быстрее высказаться сами. Тот же Хунцикер имел отношение к нескольким именитым швейцарским проектам (в числе которых Peter’s Playstation, Lobith и Fearless Five) и вёл собственные группы (стоит упомянуть Neuromodulator и Swiss Indian Orchestra, в последней из которых он играл на индийском ситаре). Эрик учился в джазовых школах Германии и Швейцарии (гитару ему преподавал сам Кристи Доран, а аранжировку — Ларс Линдвал), а во время поездки в Индию брал уроки у авторитетных индийских исполнителей на национальных струнных в Варанаси.

Первый российский тур DogOn в апреле 2017 года стал очередной ступенькой для швейцарского коллектива, уже очень высоко оценённого в клубном сообществе Европы: «11 баллов по шкале от 1 до 10» и «абсолютный взрыв» — вот только некоторые из восторженных отзывов. В 2019-м группа возвращается в Россию, где её оценили и полюбили и специалисты, и слушатели.

И, кстати, два Хунцикера в одном коллективе — это просто совпадение. Эрик и Тобиас — не братья и не родственники. Просто в Швейцарии тоже бывают распространённые фамилии.

[текст 2019 года]

Видео, рекомендованное для рекламы

Фото для полиграфии


DogOn + «МузЭнерго»: прошлое

  • ВТОРОЙ РОССИЙСКИЙ ТУР (2019)
    • 18 апреля — Москва, клуб Алексея Козлова
    • 19 апреля — Дмитров, клуб «Котёл»
    • 20 апреля — Дубна, «Прощай, оружие»
    • 21 апреля — Нижний Новгород, «Никитин»
    • 22 апреля — Казань, RockStar Bar
    • 23 апреля — Набережные Челны, «Акуна Матата»
    • 24 апреля — Ижевск, «Грифон»
    • 25 апреля — Екатеринбург, клуб EverJazz
    • 26 апреля — Санкт-Петербург, JFC
    • 27 апреля — Калининград, «Маэстро»
    • 28 апреля — Архангельск, «Почтовая контора»
  • ПЕРВЫЙ РОССИЙСКИЙ ТУР (2017)
    • 11 апреля — Калининград, Dreadnought
    • 12 апреля — Санкт-Петербург, JFC
    • 13 апреля — Москва, джаз-клуб «Эссе»
    • 14 апреля — Нижний Новгород, «Арсенал»
    • 15 апреля — Воронеж, книжный клуб «Петровский»
    • 17 апреля — Екатеринбург, Ельцин Центр
    • 18 апреля — Челябинск, «Гастроном 16»

Архив избранных афиш

Опубликовано

30.09.2019, Новосибирск, ДК «Энергия». HELY (Швейцария)

Дуэт акустического фортепиано и ударных: кажущаяся простота инструментального решения предъявляет крайне высокие требования и к содержанию музыки, и к техническому мастерству музыкантов.

Молодые швейцарцы — барабанщик Йонас Рутер и пианист Лука Фрис — работают в своеобразных коллективах, исполняющих музыку в диапазоне от репертуарных программ в память джазовых классиков до бескомпромиссного авангарда. Эта универсальность — скорее свидетельство интереса музыкантов ко всему многообразию стилей, а не доказательство истинной всеядности.
Фрис и Рутер называют свою музыку «транс-джазом», что отсылает слушателя к одному из подвидов танцевальной музыки. Суммирование стилей не сделает джаз привлекательным для танцпола и не сделает транс уместным на консервативном джазовом фестивале. Речь идёт о медитативной, гипнотической ритмичной модели создаваемой музыки, заставляющей слушателя втягиваться в происходящее и адаптировать себя к модели поистине бесконечной смены настроений и идей. Кульминация каждой микро-пьесы, из которых складывается концерт Hely — это не тот момент, когда звучат аплодисменты и можно заказывать следующий бокал вина, это кульминация внутри продолжающегося потока сознания, одно из многих равноправных мгновений музыкального эпоса без конца и начала.

Музыку Hely можно рассматривать традиционно, с точки зрения инструментальной и человеческой — как специфически уникальное взаимодействие инструментов, как характерный звук, которым доносится характерное полуимпровизационное содержание. Правильнее смотреть на Hely как на естественную, и потому несистематизированную форму существования, в которой решения музыкантов, рождающиеся у них мелодии, соответствующие их настроению ритмы спонтанны — но ни в коем случае не бесформенны и не бессмысленны, это создание новых и сложных культурных и жизненных сущностей.

Первый российский приезд HELY в 2018-м продолжил мировую экспансию коллектива: швейцарцы активно выступают и у себя на родине, и в соседних европейских странах, посетили с небольшим туром Индию. Чем-то напоминая своих соотечественников Plaistow, они получили горячий приём той российской публики, для которой недостаточно развлекательного джазового формата обычных клубов и не ограничивается лишь радикальным авангардом. Впечатление, произведённое на россиян, превзошло все ожидания: «Шаманы», «медитация», «космос» — самые распространенные отклики о туре-2018.
В сентябре 2019 HELY снова приезжают в Россию с новым альбомом «Borderlands».

Опубликовано

14.07.2019, Дубна, «Прощай, оружие!». Rizal & The Rasendriya (Индонезия)

Ризал Абдул Хади (Rizal Abdul Hadi), rasendriya (авторский комбинированный инструмент), голос, электроника
Реза Акман (Reza Achman), ударные

Проект, в название которого вынесено имя инструмента? Как минимум оригинально. Индонезийский мультиинструменталист Ризал Абдулхади  относится к своему творению с достаточным уважением, чтобы именовать его наравне с самим собой. «Rasendriya» — это имя собственное для уникальной креатуры Ризала, сделанного преимущественно из бамбука «суперкомбайна» из гитары, диджериду и национального индонезийского инструмента celempug, подвида цитры.

Абдулхади заметен на индонезийской сцене с 2008 года, когда началось его победное шествие почти по всем местным фестивалям. Близкий к религиозному Bali Spirit Festival, чисто джазовый JavaJazz, ориентированный на тексты Ubud Writers & Readers — разнообразие форматов немудрено: в своей музыке он, взяв за основу национальные ритмические рисунки, объединяет стилистику рока, блюза, регги, проникновенных баллад и элементы фольклора. Обычно его классифицируют именно как фолк-исполнителя, но это верно лишь в той же степени, в которой в своё время считались фолк-исполнителями, например, Боб Дилан, Джони Митчелл или Джоан Баэз. Как и все перечисленные, Ризал поёт обо всём, что волнует современного человека, не оторванного от общества. Его песни — не только о любви; честный, прямолинейный, полный энергии, он поднимает самые разные темы: экологии, социальной ответственности, демократии, путешествий, славы, самообмана, равнодушия. Ризал поёт примерно поровну на английском и родном языках.

В 2012-м Ризал начал выбираться за пределы Индонезии, дав несколько гастрольных туров по государствам, сколько-то близким к Индонезии — Австралии, Малайзии, Дубае, Корее, Индии. В этих поездках к нему всё чаще стали присоединяться (порой в полуимпровизированном формате) другие музыканты со сходными взглядами на музыкальную эстетику. Один из них, барабанщик Реза Акман, посетит Россию в формате дуэта с Ризалом.

В 2017-м Ризал был приглашён выступать перед тридцаткой мировых лидеров на 12-м Всемирном исламском экономическом форуме, а годом позже уже другие лидеры, помоложе (всемирная организация Global Youth Leaders, «Молодёжные лидеры планеты») назвала его ни много ни мало «Героем 2018-го».

Опубликовано

10.07.2019, Егорьевск, клуб «Ротор». Alain Blesing & Claudie Boucau (Франция)

Семейный дуэт, объединяющий самые невообразимые противоположности. Современный джаз и тотальная импровизация, театрализованная музыка для детей и корневой французский прог-рок, бескомпромиссная акустика флейты и процессорная гитарная электроника, структурированные многочастные композиции для крупного ансамбля на сценах ведущих европейских фестивалей и «открытое» сотворчество с незнакомыми музыкантами в сибирских деревнях.

Безусловный лидер французского дуэта — гитарист Ален Блесин, стилистическая универсальность и авторитет которого поражают воображение. В 70-х он громко заявил о себе в составе лидирующих групп французского прог-рока — Eskaton, Foehn и Arsenal, которые сегодня считаются основными континентальными конкурентами «знаменитой кентерберийской сцены». Впрочем, коллеги-англичане для Блесина всегда были именно коллегами, и уже в XXI веке он запишет великолепный альбом «Songs from the Beginning» с участием легендарных Джона Гривза и Хью Хоппера. В начале 1980-х Блесин открыл для себя традиционный (вернее, современный) джаз. В 1987-м познакомился с турецкой вокалисткой Сэнэм Дийиджи: она ввела его в мир традиционной музыки Средиземноморья, Черноморского региона, Балкан. Именно эти три составляющих (прогрессивный рок, джаз и этническая музыка) стали основными интересами Блесина в его наиболее зрелый период. Работа Алена в качестве лидера началась de facto уже на рубеже веков с появлением трио Three Side Theory. Среди его последних ансамблей — квартет Mad Kluster и международное комбо Over The Hills, посвящённое специфическому прочтению музыки Карлы Блэй и получившее от неё высочайшую оценку. Главная характеристика Блесина как инструменталиста — это абсолютный перфекционизм в работе со звуком; главная характеристика как музыканта в целом — истинная мудрость, рождённая десятилетиями искреннего творчества и сотворчества.

Что касается Клоди Буко, то она относится к тем весьма немногочисленным музыкантам, которые одинаково хорошо владеют сразу тремя типами флейт — сопрано-, альт- и бас-разновидностью, не говоря об увлечении традиционными вариациями этого инструмента (индийской бансури и западноафриканской флейтой народа фульбе). Музыке она обучалась поначалу самостоятельно, затем в джазовых учебных заведениях её родного Дюнкерка. В 2008 году Клоди стала участницей ансамбля Омара Амазига, исполнявшего музыку кабилов — народности, проживающей преимущественно в северной части Алжира. С этим составом она выполнила несколько туров по Франции и северо-западной Африке и начала регулярно проводить уроки музыки для детей и подростков, не имеющих формального музыкального образования. В 2012 Клоди впервые выступила в качестве лидера собственных составов, трио Jazzette (ориентированного на джазовые стандарты) и La Frit (более экспериментального ансамбля, разрабатывавшего идею модернистского использования духовых). Музыка Клоди Буко простирается от традиционно-джазовой до консервативно-фольклорной (африканской и магрибской). Она регулярно выступает соло и умело работает в этом случае с процессорной электроникой.

Дуэт Алена и Клоди — это весьма разноплановая программа, в которой гармонично объединяются авторские пьесы (в диапазоне от основанной на индийской мелодике «Jog» до камерных диссонансных тем), джазовые стандарты разной степени узнаваемости (от поистине бессмертной «Goodbye Pork-Pie Hat» до непростых сочинений Дэйва Холланда его позднего периода) и спонтанная импровизация. Одно из самых ярких доказательств её универсальности и доступности — участие дуэта в «МузЭнергоТуре-2015», российском передвижном фестивале импровизационной музыки, в рамках которого Блесин и Буко проехали от Новосибирской области до Забайкальского края, подчас выходя на сцену перед аудиторией, не имеющей ни малейшего представления о джазовой музыке.

Опубликовано

Fuwa Works. 20 октября 2012

不破大輔 — Дайскэ Фува — бас
辰巳光英 — Мицухидэ Тацуми — труба
立花秀輝 — Хидэки Тачибана — альт-саксофон
佐藤帆 — Хан Сато — тенор-саксофон
山口コーイチ — Коичи Ямагучи — клавишные
磯部潤 — Дзюн Исобэ — ударные

Fuwa Works — альтернативный проект создателя и руководителя знаменитого японского оркестра Shibusa Shirazu Дайскэ Фува. FW существует с 1992 года и первоначально назывался Shibusa Chibisu. Это импровизационный, абстрактный, построенный на спонтанной экспрессии характер выступления, порой строящегося в виде свободной ансамблевой импровизации, а порой основанного на известных джазовых стандартах.

Концерт в Дубне пройдёт в рамках серии «МузЭнерго представляет».

Зал Администрации (Балдина, 2а)
20 октября, суббота, 18:00

Цена билетов 200-400 руб. в предварительной продаже, 250-500 руб. в день концерта.

 

Конкурс!

2 билета на концерт японского новоджазового секстета Fuwa Works, подарочную фестивальную эко-сумку и набор CD участников МузЭнерго разных лет получит тот, чей анонс концерта, опубликованный на его стене вКонтакте или Фейсбуке, наберёт наибольшее количество «лайков» и репостов.

Условия простые:
— рассказать о грядущем концерте у себя на странице своими словами
— дать ссылку на vk.com/fuwaworksdubna.

Что ещё будет в вашем анонсе, — фотожаба на участников ансамбля, трогательная история любви к японским музыкантам, просто афиша нашего концерта или что-то ещё — совершенно неважно. Ждём заявок, присылайте ссылки на свои анонсы на !

Подведение итогов конкурса — 18 октября.