Мачей Кочинский (саксофоны) Пётр Талалай (ударные) Владимир Черницын (контрабас)
Мачей Кочински — известный представитель польской саксофонной школы, в регулярно используемом инструментальном арсенале которого — альт-саксофон, тенор-саксофон, сопрано-саксофон, кларнет и EWI (электронный духовой инструмент). И по кларнету, и по саксофону он имеет высшее музыкальное образование (Академии музыки в Познани и Катовице соответственно).
Мачей — участник ряда высококлассных польских коллективов, среди которых «MUTRU», «Breaking News», «Sax Brothers». В качестве сессионного музыканта и сайдмена он работает с многими именитыми представителями польского джаза и (как ни странно) хаус-музыки, входит в настоящее время в число двух крупных оркестров — сборного «Young Band» и управляемого американским трубачом Гэри Гутманом «Swing Orchestra». Кочински преподаёт саксофон и кларнет в Высшей школе музыки (Познань). Однако основным его проектом остаётся квартет «Soundcheck», лидером которого Мачей остаётся с момента основания. С этим составом он регулярно выступает за рубежом на фестивалях и конкурсах.
В Дубне Мачей Кочински выступил в сопровождении российских музыкантов со специально подготовленной к фестивалю программой.
Отзывы слушателей:
… замечательно играл, но больше всего понравился их джем с ребятами из Петрозаводска.
… влюблена в Наджарова и Талалая, приглашайте их при любом случае в Дубну.
… очень впечатлили музыканты, игравшие друг с другом в первый раз. Так великолепно вписаться в коллектив… Хорошая фестивальная традиция намечается.
… Сам Мачей Кочински здорово играл в саксофоны, впечатлил. Уверен, из него очень скоро выйдет «новое слово», ещё будем гордиться, что присутствовали на его репетиции.
… для меня — открытие фестиваля. Я знала, что пани Божена дурного не посоветует, но… не весь польский джаз на моё ухо хорошо ложится. Мачей же — умница редкостная. Буду стараться помогать его коллективу.
… Мачей Кочинский, совершенно блестяще представивший польскую школу.
… если честно, я не очень люблю саксофон. То есть иногда мне нравится, а чаще не нравится. Но произведения Мачея Кочинского попадают под небольшой пласт «НРАВИТСЯ!». Понравились вещи, сделанные с «Подвижниками». И вообще идея того, что разные музыканты могут договориться и сыграть вместе. Понравился «Журавель», народная мелодия, понравился интересный вариант использования саксофона в виде перкуссии, и все, что прозвучало от этого коллектива, показалось мне созвучным и довольно близким.
Молодой блюз-роковый состав обязан своим рождением Российской академии музыки имени Гнесиных: именно здесь, став её студентами, встретились в ноябре 2008 года три молодых музыканта из весьма далёких друг от друга городов.
Первое выступление коллектива Logic Blue Trio состоялось весной 2009 года на студенческом фестивале «ФЕСТОС-2009», давшем путёвку в жизнь не одному студенческому составу. Трио стало на «ФЕСТОСе» лауреатом и вскоре подтвердило свой перспективный статус, попав в число выступающих московского фестиваля «Fuzzion Day»
Сегодня ансамбль время от времени выступает на разных площадках, но в первую очередь занят репетициями и оттачиванием избранного направления: это практически равноправная смесь инструментального джаза, фанка, рок-музыки и электроники. Иногда с коллективом выступает вокалистка Гуля Аскарова, принимавшая участие в третьем фестивале «МузЭнерго».
Первое выступление Logic Blue Trio в рамках «МузЭнерго» состоится в воскресенье 5-го декабря в 18:00 в ДК «Современник» (Кимры).
Лили Друмева, выросшая в семье дипломатических работников, провела детство не в родной Болгарии, а в нескольких европейских странах — Германии, Франции, Чехии, Австрии (именно там, в Вене, в 1992 она впервые начала исполнять кантри). С 1995-го Лили возглавляет свой собственный проект, Lilly Of The West: основатель, композитор, автор текстов, аранжировщик, менеджер и саунд-продюсер всех девяти альбомов группы, выпущенных к сегодняшнему дню, она по праву может гордиться своим детищем. Помимо ансамблевой деятельности, она ведёт и активную журналистскую работу — вплоть до того, что у неё есть собственные регулярные телевизионные и радийные шоу, в которых она рассказывает европейской публике о музыке американской глубинки.
Что касается самого ансамбля, то за кажущейся простотой и незатейливостью кантри Lilly Of The West скрывает высокое мастерство, оценить которое в полной мере способны лишь специалисты по этому жанру. Они, собственно, и оценивают: уже в 1998 году новообразованный состав взял первую премию на фестивале European World of Bluegrass, проведённом в Нидерландах, а через полгода вышел на сцену престижнейшего конвента International Bluegrass Music Awards в Кентукки, разделив её с такими звёздами, как Эллисон Краусс, Ронда Винсент, Рики Скаггс и т. д.
В обширной дискографии группы примечателен третий альбом «Dear & Kind» (2000), на котором Lilly Of The West впервые попробовали объединить классический блюграсс с этническим материалом своей родины. Оригинальность этой работы позволила ансамблю выполнить трёхмесячный тур по Европе, в результате которого Лили осталась в Лондоне работать на BBC (а в 2003-м, вернувшись в Болгарию, использовала накопленный опыт для ведения собственных радиопередач на Retro Radio Network и чуть позже — на Balkan TV и Radio Sofia). Что же до деятельности самого коллектива, то проще назвать те немногочисленные страны, в которых он ещё не выступал, чем описать географию его странствий. Lilly Of The West сегодня по праву считаются одним из ведущих кантри-составом Евразии, объединяющим жанровые стандарты с оригинальными оттенками балканского фольклора.
Лео Абрахамс — английский гитарист, работающий в диаметрально противоположных музыкальных направлениях. Среди тех, с кем он сотрудничал в разное время — Имоджен Хип (звезда современной инди-эстрады), Дэвид Холмс (известнейший электронщик и диджей), Пол Саймон (из легендарного дуэта «Simon & Garfunkel»), а также ряд лидеров, в отношении которых рекомендации и пояснения попросту не нужны, пусть они и принадлежат к полярным областям — Мэриэн Фейтфул, Ник Кейв, Брайан Ино, группа «Roxy Music», Энни Леннокс, Кристина Агилера. Музыка, записанная с его участием, звучит в известных фильмах — среди них «12 друзей Оушена», «Код 46», «Милые кости», ряд европейских работ. Сольные альбомы Абрахамса выходили в 2005-м году («Honeytrap»), 2006-м («Scene Memory»), 2008-м («The Unrest Cure»), 2010-м («The Grape And The Grain»). Если «The Unrest Cure» оказалась своего рода «кабаре» (по определению самого автора) и включила несколько совершенно разных по духу композиций в стилистике современного рока, то «Scene Memory» стала в определённых кругах одной из наиболее нашумевших работ в области звуковых ландшафтов. Именно эта программа с небольшим вкраплением музыки из других работ и была показана на фестивале в Дубне в ноябре 2008 года, когда Лео выступил на 4-м «МузЭнерго» (и, к слову, тем самым дал самый массовый для себя концерт с сольной программой).
На 10-й фестиваль Лео предложил несколько иную программу, более близкую к шумовой импровизационной музыке, в дуэте со своим давним партнёром, шотландским барабанщиком Себастианом (Себом) Рокфордом.
Рокфорд — фигура не менее разноплановая: среди проектов, в которых он является одним из лидеров — известные группы Polar Bear и Acoustic Ladyland, а в качестве приглашённого музыканта ему случалось работать с Дэвидом Бирном, Брайаном Ино, Энди Шеппардом и даже Питом Догерти: что и говорить, стилистический разброс такой же впечатляющий. В 2004 году Рокфорд получил BBC Jazz Awards в номинации «новичок года», а в 2006-м был номинирован уже как «лучший музыкант года». Сегодня Себ — заметная фигура британской, да и мировой рок-сцены, от которого можно с равной вероятностью ожидать появления как в коммерчески беспроигрышной альтернативе высшего эшелона, так и в совершенно безумных объединениях, направленных на тотальную и шумовую импровизацию.
Лео Абрахамс — английский гитарист, композитор, аранжировщик и саунд-продюсер, крайне плодотворно работающий в диаметрально противоположных музыкальных направлениях. Среди тех, с кем он сотрудничал в разное время — артисты радикально полярные: Имоджен Хип (звезда современной инди-эстрады), Дэвид Холмс (известнейший электронщик и диджей), Пол Саймон (тот самый, из легендарного дуэта «Simon & Garfunkel»), а также ряд лидеров, в отношении которых рекомендации и пояснения попросту не нужны — Мэриэн Фейтфул, Ник Кейв, Брайан Ино, Адель, Эд Ширан, Энни Леннокс, Брайан Ферри, Сил… Музыка с его участием звучит в множестве известных фильмов — среди них такие блокбастеры, как франшиза о «друзьях Оушена», «Код 46», «Милые кости», ряд европейских работ. В общем и целом к середине 2019-го года дискография Абрахамса, творческая карьера которого к тому моменту едва насчитывала два десятилетия, включает более 350 работ.
Сольные альбомы Лео как полноценного лидера — это интересная собственная микро-вселенная, в которой сможет сориентироваться только специалист. Абрахамс, как и многие активно творящие представители музыкальной индустрии XXI века, далёк от стремительно устаревающего формального мышления золотой эры звукозаписи. У него есть, разумеется, «классически» изданные альбомы — выходившие на известных и не очень лейблах в виде компакт-дисков и винила. Например, почти фолк-бардовский (хотя и инструментальный) «Honeytrap» 2005-го года; амбиентный «Scene Memory» 2006-го; перемешавший все подвиды современного инди-рока и электроники «The Unrest Cure» 2008-го с множеством приглашённых вокалистов и вокалистов; прекрасный и негромкий «The Grape And The Grain» 2009-го; «DayLight» 2015-го и так далее. Но есть и множество чисто цифровых релизов, некоторые из которых кажутся поначалу чуть ли не издёвкой (например, «Guitar Stuff» 2008-го, на котором звучит исключительно обработанная гитара и которую сам автор иронически характеризует как «обрывки, кусочки, тестирование оборудования и вообще занятие всякой ерундой»). Есть короткие альбомы, по старой классификации подаваемые как EP. Есть созданная только и исключительно Лео музыка для фильмов, которую сложно воспринимать в отрыве от видеоряда. И есть видеоклипы, над которыми он работал едва ли с меньшей отдачей, чем над чистым аудио.
Уникальность Абрахамса именно в том, что при кажущейся всеядности в музыке он ни на секунду не оказывался статистом, нанятым студийным музыкантом. Происходящие с ним в музыке истории по-настоящему хороши и кинематографичны. Например, «прослушивание» у знаменитого Эда Харкурта, когда Абрахамс получил одну из первых своих работ просто положительным ответом на вопрос «нравится ли тебе Том Уэйтс». Или знакомство с поистине легендарным Брайаном Ино, положившее начало многолетней дружбе и сотрудничеству: «…я пробовал гитару в одном магазине в Ноттинг-Хилле, туда зашёл Брайан Ино, ему понравилось, что я не играл «Stairway To Heaven» на максимально возможной громкости, и он пригласил меня сыграть на его альбоме». Абрахамс — человек удивительной музыкальности и открытости, чья вовлечённость в исполняемую музыку навсегда влюбляет в него и слушателей, и коллег, и продюсеров, и (в терминах более прямых) работодателей. В середине 2010-х его востребованность оказалась столь велика, что Лео буквально неделями не выходил из дома, круглосуточно работая в собственной студии над всеми мыслимыми проектами одновременно. А в списке его работ появлялись в итоге то записи с Лондонским филармоническим оркестром, то запись гитары для Бориса Гребенщикова (!). Последнее, впрочем, неслучайно: Абрахамс называет себя русофилом, учит русский (и временами даже использует его на концертах, декламируя непростые эмоциональные тексты). Одна из последних его работ, вновь в сотрудничестве с Брайаном Ино — это работа над одиозным проектом «Дау» Ильи Хржановского, которая сама по себе вызывает беспрецедентный интерес и пока в принципе не планируется к показу на российской территории…
Абрахамс неоднократно бывал в России с разными составами (например, с Roxy Music), а в 2008 году был приглашён «МузЭнерго» впервые в своей истории именно как сольный артист. Показанная им программа альбома «Scene Memory» встретила потрясающий приём у российской публики. Со слов самого Лео, он был настолько вдохновлён слушателями, что уже в аэропорте, в ожидании рейса в Лондон, написал три новых композиции. В 2014-м ему удалось вернуться вновь и принять участие в «МузЭнергоТуре» в дуэте с барабанщиком Крисом Ваталаро. В 2019-м Абрахамс вновь едет в Россию с большим сольным туром, поддержанным Посольством Великобритании в Москве в рамках «Года музыки — 2019». В этом туре Лео будет показывать свою актуальную программу (преимущественно гитарно-электронный амбиент) и, в некоторых городах, приглашать на сцену российских коллег, разделяющих его эстетические взгляды. Нас ожидает серия совершенно уникальный и не повторяющихся по содержанию концертов самой что ни на есть актуальной и осмысленной музыки, создаваемой одним из ключевых персонажей Лондона — этой музыкальной Мекки сегодняшнего дня.
Полиграфические фото
Отзывы слушателей
… слушаю Абрахамса, запись с 22-го. Сейчас помру. Неужели это у нас было?!…
…это неподражаемо! Это so different!
… вот как (не без «усиленных» выражений) комментирует запись с 22-го ноября один из ведущих джазовых журналистов СНГ, человек, «измученный нарзаном» и редко ловящий кайф от музыки — просто потому, что приелась она уже. Комментарии идут в реальном времени — в процессе слушания. Не настаиваю на том, что это вот прямо истина в последней инстанции — просто интересно было наблюдать за развитием реакции. К слову, сам этот журналист — нехилый гитарист. «Играть на гитаре с лаптопом — это мука. Там еще примочек внешних куча, педалей одних 8 штук…[…]… Слушай… а этот рыжий классно играет. Нежно. Нет, не рыжий, блондинистый. Неважно. Но он клёво играет, без балды!…[…]…Йо! Оу, фак… он хорош! Как он с педалями работает… тьево!»
… «простая игра» — не такая уж простая КАК МИНИМУМ.
… интересна реакция малышни: творения Лео старший (5-ти лет) назвал «сказкой про космос».
….оставил неизгладимые впечатления. Это очень здорово, когда на твоих глазах происходит чудо — рождается музыка. Ещё мне нравится смотреть на людей, получающих удовольствие от дела, которым они занимаются… Лео мастерски извлекает звук, используя как традиционные, так и альтернативные приёмы игры на гитаре, и с помощью них добивается выразительности и образности в звучании. С этого дня наверно именно он запомнился сильнее всего. Одна моя подруга после него ушла, объяснив «Чтобы не портить впечатление». Наверно, она права. Что мне понравилось, так это то, что он (не люблю употреблять это слово!) креативный. Его музыка меня вдохновляет.
… звонко ясно, что Лео — Мировой Спец.
… можно было растаять. Или улететь. Очень необычно и… такое вообще чудо, что он у нас был. Даже как-то нереально видеть человека такого уровня в нашей деревне:)
«Latira» — это три молодых музыканта, поставивших перед собой задачу распространить бретонскую музыку по всему миру.
Коллектив основан, причём довольно парадоксальным образом, в Нью-Йорке всего лишь в апреле 2010 года. Именно там встретились французы Николя Раден (в течение двух лет живший и выступавший в Мексике) и Морган Лаббе с Франсуа Тиже (чей дуэт в течение года изучал традиционную франко-канадскую музыку в Квебеке). К тому моменту у каждого из них уже имелись заметные достижения в области бретонского фольклора: Моргана, например, получила приз Interceltic в номинации «аккордеон» на фестивале в Лориене, Николя управлял известным военно-фольклорным ансамблем базы Ланн-Бийе, а Франсуа несколько раз назывался «чемпионом Бретани» на разнообразных музыкальных состязаниях.
Совместная работа позволила трио показать свою музыку крайне широко — от Австралии до Мексики, от США до ОАЭ. В их материале появились определённые нотки иных музыкальных культур, но главная идея остаётся той же: дать новое дыхание традиционной бретонской музыке, которую можно слушать и под которую можно танцевать.
Рождённая в среде туарегских ритмов в сердце мятежной зоны, стране Нигер, группа Koudédé сегодня в каком-то смысле олицетворяет Африку и вводит публику, в том числе и европейскую, в гипнотическое состояние: это тот самодостаточный «корневой» фолк в современном исполнении, которому не требуются ни стилистические определения, ни введение слушателя в культурный контекст.
В основе музыки группы Koudédé — традиционная трехдольная ритмическая структура, в которой гармонично переплетаются ритмы «tende», туарегского барабана, и «tehardent», трехструнных гитар. Тексты песен основаны на поэзии туарегов, в которой путешествующий рассказывает о том, что видит вокруг себя. Песни сформированы в виде повторяющихся припевов, где народные поговорки переплетаются с притчами и складываются в строфы. Песни Koudédé на языке «тамашек» рассказывают о жизни молодых кочевников, о караванах верблюдов, о великой силе терпения, о разбросанных по пустыне лагерях туарегов и трудностях любви. Иногда в них звучит гнев против трусости и лени, против беспощадных и нелепых войн, раздирающих их родину.
Ключевой музыкант группы — туарег Кудеде, родом из района Агадеш, северной части Нигера, одной из беднейших стран с мире. Кудеде родился и вырос в местечке под названием Арлит, у подножья горного массива в песках Сахары и пыли урановых шахт. Свою первую гитару он создал из жестяной консервной банки и именно на этом эрзац-инструменте оттачивал технику звукоизвлечения и работал с простыми ритмическими фигурами, пока не смог приобрести ей сколько-то приличную замену. В ранние годы он аккомпанировал, например, таким музыкантам, как Абдалла Умбадугу, имеющим локальную известность по группам Takrist’n’Akal и Desert Rebel from Niger.
После нескольких лет, проведенных в Алжире и Ливии, Кудеде вернулся на родину в столицу туарегов, город Агадеш, и начал кочевать по региону Сахеля, следуя за фестивалями, «коммунами» туарегов и семейными праздниками. Внимание публики Кудеде впервые привлек на фестивале Cure Salée, где его специфическое чувство ритма и способность вводить людей в безостановочный танец по настоящему поразила видавшую виды публику.
Сегодняшняя музыка возглавляемой им группы — словно крик души из далеких, засушливых земель Западной Африки, обуреваемой в наши дни политическими распрями и военными конфликтами. Простые человеческие эмоции и стремление к миру находят отражение в экстатичной, вводящей в транс манере исполнения на электрогитарах, повторяющихся припевах-мантрах и пульсирующих барабанных ритмах, понятных далёкой от африканских реалий аудитории. Недаром стремительно набирающий известность коллектив уже оставил заметное впечатление в многих странах Европы — Норвегии и Швеции, Дании и Нидерландах, Германии и Швейцарии, Франции и Италии, Великобритании и Бельгии.
Kaulakau — из тех проектов, пристальное внимание к которым приковано уже благодаря просто их инструментальному составу; если же учесть, что это не эксперимент на уровне студенческой инициативы, а осознанное решение взрослых и уважаемых музыкантов, имеющих академические заслуги и ведущих серьёзную преподавательскую работу — делается ясно, что за внешней броскостью есть и интереснешнее содержание.
В рамках квартета сведены воедино два привычных инструмента джазовой музыки (контрабас и ударные) и два древних традиционных инструмента испанского фольклора (колёсная лира и тенора, вид этнических духовых). Так же, как и инструменты, различны сами музыканты: они пришли к музыке Kaulakau из джаза, классики, фламенко. При этом все четверо — музыканты импровизирующие, давно и навсегда перешагнувшие рамки привычного профессионального исполнительства на уровне заученных клише.
Смесь традиционной испанской музыки и джаза, классического языка и современной свободы, крайне необычная тембральная картина, оригинальный материал — всё это делает испанский квартет явлением, которое невозможно игнорировать на современной сцене.
Среди участников квартета — два действующих профессора музыки (Молинари и Канада), автор собственной школы игры на инструменте (Эхэа), участник сразу нескольких государственных и муниципальных оркестров национальной музыки (Молина). На счету каждого из музыкантов — как минимум несколько дисков, записанных либо в качестве лидера, либо с именитыми представителями испанской сцены — опять-таки как джазовой, так и фольклорной. Словом, Kaulakau — это в полном смысле слова сплав всего того, что актуально сейчас в музыке Испании, которая всегда была богата национальными влияниями самых разных наций и всегда открыта новому.
Фестиваль «МузЭнерго», культурный фонд ProHelvetia и Посольство Швейцарии в Российской Федерации представляют первый концертный тур оркестра Kaspar Ewalds Exorbitantes Kabinett в России
6 ноября, воскресенье
Дубна (Московская обл.)
Зал Администрации (ул. Академика Балдина, 2а), 18:00
Мини-фестиваль современной европейской музыки: Kaspar Ewalds Exorbitantes Kabinett (Швейцария/Германия/Лихтенштейн) + Diatribes (Швейцария/Великобритания).
Билеты реализуются отдельно на выступление KEEK (200-500 руб.) и на выступление Diatribes (100-300 руб.). Заказ: +7-916-511-37-41, касса: салон «Luxе Prazdnik» (БУМ, БВ)
7 ноября, понедельник
Протвино (Московская обл.)
ДК «Протон» (ул. Ленина, 8), 19:00
Цена билетов: 200-300 руб. Заказ билетов: +7-916-485-50-58
8 ноября, вторник
Иваново
Ивановская государственная филармония (ул. Красной Армии, 8/2), 19:00
Цена билетов до 300 до 700 руб. Кассы филармонии: (4932) 30-07-81
9 ноября, среда
Москва
Культурный центр ДОМ (Б. Овчинниковский пер., 24, стр.4, м. «Новокузнецкая»), 20:00
Цена билетов 500 руб. (студентам — 400 руб.)
10 ноября, четверг
Пермь
Пермская краевая филармония, Органный Зал (ул. Ленина, 51б), 19:00
Цена билетов 400-500 руб.
11 ноября, пятница
Нижний Тагил (Свердловская обл.)
Нижнетагильская филармония (Городской Дворец Молодёжи, ул. Пархоменко, 37) , 18:30
Цена билетов 500-1000 руб. (для студентов — 250 руб). Кассы и доставка (по ссылке)
12 ноября, суббота
Уфа
Уфимский джаз-клуб (ул. 50 лет СССР, 8), 21:00
Цена билета: 1500 руб.
KEEK основан композитором Каспаром Эвальдом, постоянно живущим в Базеле, в 2001 году. Ключевая идея коллектива — исполнение авторской музыки Эвальда, лежащей между классическим джазовым биг-бэндовым репертуаром, киномузыкой, современным минимализмом и порой даже drum’n’bass. Именно благодаря нацеленности ансамбля на серьёзную внутреннюю дисциплину и весьма разнообразный материал в его состав вошли первоклассные музыканты как из джазовой, так и из классической среды, которых объединяет интерес к расширению границ современных музыкальных жанров.
Сам Эвальд ещё задолго до KEEК работал с крупными ансамблями. Например, его первый джаз-роковый биг-бэнд носил знаковое для России название KGB, что расшифровывалось с немецкого просто как «Большой ансамбль Каспара». В 1990-86 годах Эвальд изучал композицию и теорию музыки в музыкальной академии Базеля с академическими преподавателями, занимался в Джазовой Школе Базеля, посещал семинары по киномузыке знаменитого Эннио Морриконе. Уже в 1997 году Каспар получил специальный композиторский грант от фонда Кристофа Дельца, что позволило ему написать партитуру «Brambilla» (сам он характеризует форму этой работы как «музыкальный театр»).
Музыкальное образование Эвальд продолжил в Берлине (в области музыкальной электроники) и в Амстердаме. С 2000-го года он преподаёт в музыкальном колледже Цюриха и часто пишет музыку по грантовым программам (то есть создаёт целевые произведения), однако главным своим делом считает работу с KEEK.
Говоря о KEEK, сам Эвальд отмечает, что его интересует в первую очередь полиритмия и «ломаные» сольные партии. Парадоксальна уже даже пара композиторов, наиболее на него повлиявших: это Игорь Стравинский и… Джеймс Браун.
Последний диск коллектива, «Ritter», был удостоен высшей оценки (5 звёзд) в журнале «Джаз. Ру».
Крайне необычный по любым меркам дуэт вокалиста и тромбониста — на удивление естественный шаг для этих польских музыкантов, которые редко останавливались перед какими бы то ни было экспериментами. Правда, вокалист Йоргос Сколиас — поляк, что называется, натурализованный (его родители — греческие политические эмигранты); однако именно с польской музыкальной сценой связано всё его творческое становление. В 1970-х годах он был активным участником молодёжной сцены Вроцлава, в основном интересуясь блюзом и рок-музыкой, а профессиональную карьеру начал в 1982-м, войдя в состав нашумевшей джаз-рок-группы KRZAK. В дальнейшем, не считая десятков польских рок- и фьюжн-коллективов (имена которых мало что скажут российскому слушателю, несмотря на их заметный авторитет на родине), Сколиас сотрудничал с множеством лидеров с поистине мировым уровнем известности: среди них не только легендарные поляки вроде Збигнева Намысловского и Томаша Станько, но и представители других европейских стран (например, норвежец Терье Рипдаль).
Тромбонист Бронислав (Бронек) Дужы — фигура если и менее разноплановая, то никак не менее яркая. В современном польском джазе (а это одна из немногих национальных джазовых школ, имеющих отличительное собственное звучание) он сделал достаточно, чтобы его называли среди интереснейших джазменов этого государства. Критики отмечают, что для его инструмента характерна ритмическая пульсация и приёмы фольклорной музыки, в общем случае не особенно популярные среди тромбонистов классического толка.
Дуэт Сколиаса и Дужы — опыт, крайне любопытный как музыкально, так и технически. С точки зрения репертуара в нём может встретиться и авторское прочтение польского фольклора, и композиции Джими Хендрикса. С точки зрения аранжировки — использование тромбона как ритмического инструмента, применение древних африканских и индийских вокальных техник. Словом, это может звучать как угодно — но не предсказуемо.
История этого молодого коллектива началась в 2005 году, когда в вильнюсской консерватории встретились будущие гитарист, басист и барабанщик коллектива (саксофонист присоединился к «InSearch» двумя годами позже). Литовская джазовая школа, имеющая свой легко отличимый почерк — не самый простой фундаментдля творческих поисков, однако молодым музыкантам удалось найти свой путь. Уже само название(«вПоиске») свидетельствует о том, что ограничиваться привычными методами квартет не собирался с самого начала. Больше того, литовцы даже не пытались как-то формализовать стилистику своего творчества: по их словам, «InSearch» — это энтузиазм и свобода экспериментирования с самыми разнообразными идеями и направлениями, включая nu jazz, фьюжн, альтернативные жанры, рок и drum’n’bass.
Среди достижений квартета — неоднократное участие и лауреатство на разнообразных фестивалях и конкурсах, которыми так богата околоджазовая Прибалтика: среди них «Alfred jazz», «HomoLudens», «Jazz Fountain», «Young Jazz Power» и так далее. Группа была приглашена также в интереснейший проект — онлайн-фестиваль NEU/NOW, к которому было приковано внимание всей Европы, так как в 2009 году Вильнюс носил титус «Еврпейской культурной столицы».
Indro Hardjodikoro — бас Fajar Adi Nugroho — бас Andy Setiawan — клавишные Yesaya W. Sumantri — ударные
Индро Харджодикоро — самый авторитетный бас-гитарист Индонезии, часто выступающий с сольными шоу и сотрудничающий с большим количеством эстрадных, джазовых и рок-коллективов своей страны. В разное время гастролировал, записывался, играл и давал мастер-классы с такими мировыми знаменитостями, как Эрик Мариентал, Стив Торнтон, Майкл Колина, Виктор Вутн, Фрэнк Гамбале, Блюи. Является главой кафедры бас-гитары при Институте Музыки Индонезии. На фестивале Индро представит один из своих проектов — квартет, в состав которого входит два бас-гитариста.
Европейские джазмены нередко обращаются к африканской и азиатской музыке, пытаясь интегрировать её в современные идеи Старого Света. Imperial Tiger Orchestra, бескомпромиссный швейцарско-французский секстет, идёт более прямолинейным, честным и перспективным путём: играет чужую, казалось бы, музыку с полной самоотдачей, пытаясь нащупать новые пути внутри неё самой. В их исполнении то, что у иного конформиста оказалось бы просто острой приправой ко вполне обычному современному европейскому джазу, обретает столь характерные для африканской музыки шестидесятых и семидесятых напор, энергетику и безоглядную серьёзность. Перкуссия тут не для того, чтобы раскрасить общий саунд: без её мощного и тяжеловесного бита эта музыка просто не существовала бы. Духовая пачка, резкая и прямолинейная, столь же функциональна — она приковывает внимание по-африкански жёстко и крепко, не стесняясь своей угловатости и громкости. Ну, а неожиданное появление в составе традиционного тайского инструмента phin — это и есть тот самый микс, ради которого всё затевалось: странный, не знающий границ и условностей, абсолютно открытый и абсолютно современный.
По ряду причин внутреннего порядка I.T.O. работает в основном с афро-битом, который закладывался в Эфиопии (их второй альбом назван просто и без затей, в честь столицы этой страны). В последние годы переосмысление эфиопской музыки на мировой арене — тенденция достаточно заметная, и к чести европейского коллектива надо сказать, что они были одним из первых, кто занялся этим направлением не ради реконструкции, а ради собственно содержания. В их репертуаре — ставшие современной классикой шлягеры (то, что в Эфиопии семидесятых выглядело как эстрадный хит, в Европе запросто могло сойти за весьма и весьма нестандартное искусство высокого полёта), традиционные композиции из глубины веков, авторский материал. Сам же их стиль характеризуется довольно смелым экспериментаторством — мелодии переосмысляются, гармонии усложняются, ритм и размер трансформируются. То, что в оригинале могло быть любовной балладой (пусть и на эфиопский лад!), запросто может превратиться в мрачный и гипнотизирующий опус авангардно-клубного характера; впрочем, I.T.O. вообще умеет завораживать слушателя так, что порой начинаешь оглядываться — не закончились ли шутки и не окружают ли тебя серьёзные люди с тамтамами и копьями…
Коллектив выпустил уже несколько альбомов, неоднократно концертировал в Африке, сотрудничал с известными современными африканскими музыкантами. Его современный материал некоторые связывают с «корневыми» работами великого Чарлза Мингуса, хотя, безусловно, I.T.O. куда ближе к современной этнически-ориентированной музыке.
Первые гастроли Imperial Tiger Orchestra в России организованы с подачи фестиваля «МузЭнерго». Группа выступит 14-го июля в Москве (клуб «Союз композиторов»), 15-го июля в Воронеже, 16-го в Дубне на фестивале и 17-го в Протвино.
Ido Bukelman (гитара) Assaf Hakimi (контрабас) Udi Shlomo (ударные)
myspace. com/idobukelman
Лидер этого коллектива — молодой израильский гитарист и композитор Идо Букельман, в 2003 году закончивший престижную Римоновскую школу джаза и современной музыки. Он сотрудничает сразу с несколькими коллективами Израиля, среди которых имеющие устойчивую международную известность квинтет Тала Гура, квартет Rats и некоторые другие. Кроме этого, Букельман часто привлекается для региональных туров иностранных звёзд (уже в молодом возрасте он был включён, например, в гастрольную труппу легендарного перкуссиониста Айрто Морейры).
В собственном трио Букельман, что естественно, в полной мере реализует авторские композиторские и художественные идеи (следует особо отметить, что он хорошо известен не только в музыкальном, но и в поэтическом сообществе Израиля). Свою музыку он описывает как «встречу Орнетта Коулмана и Pink Floyd», и мало кому из критиков удаётся найти столь же удачное определение. Условный «Коулман» в творчестве Идо — это знание и понимание национальных корней его музыки, её традиций, её неотделимости от прочего культурного наследия и в то же время — стремление не реконструировать прошлое, а трансформировать его в настоящее. Условные «Pink Floyd» — это точное соответствие техническим и концептуальным веяниям своего времени, способность приблизиться к молодой аудитории, оформить не самую очевидную философскую идею в привлекательные формы популярной на данный момент музыки.
В музыке трио Идо Букельмана находят, тем не менее, и явные отголоски стилистики ECM и современной европейской сцены. Словом, его творчество — это современный джаз в лучшем смысле этого слова, основанный на конкретной индивидуальности и впитывающий всё лучшее от происходящего в мире музыки.
Не так давно закончена запись дебютного альбома трио, названного «City Tail», о котором критики отзываются как о «изобретательном и вдохновляющем джазе, полном одновременно и творческой мысли, и самоанализ».
Приезд коллектива в Россию организован при поддержке Посольства Государства Израиль в Российской Федерации
Отзывы слушателей:
… у них был симпатичный гитарист.
… мне вообще больше всех понравились израильтяне.
… качество звука и исполнения были на высоте.
… именно этот коллектив стал украшением этого дня, если говорить о качестве и красоте музыки.
… израильтянам — респект. Можно недопонять музыку, но уровень очевиден.
… трио из Израиля всй-таки след оставило.
… неплохо.
… а мне израильтяне понравились!
… коллектив, внёсший разногласия в наше алкотрио (Таня, Соня и я)…….ну….пачиму вам не нравится??…ЛёмишДуо нравится, а эти ребята — нет? ….уже достали выражения на тему «я тоже так могу»………так флаг же в руки……
… было интересно. Музыка в основном модная, активная, громкая, уверенная в себе. Все крепкие очень музыканты, со своими фишечками.
… одна вещица просто НЕОБЫЧАЙНО понравилась и пронзила. Чудная просто вещь, никому не навязывается, не орет, не вопит, не усыпляет, зовет куда-то в хороший интересный мир, пахнет традициями и опытом. Прелесть.
… особено порадовали звуком Ido Bukelman Trio. Фройлян Аза, «май диар фрэнд», сказала «Они съели мой мозг». Понимаю почему: иногда их пробивало на какой-то индастриал-нойз.
… саксофонист был чудесен, контрабасист будет сниться еще месяц… как минимум! С подругой долго спорили, на кого он больше похож — на Джонни Деппа или Сальвадора Дали. Усики и горячий взгляд — всё это произвело на мою изголодавшуюся психику и фантазию неизгладимое впечатление! Я бы многое отдала, чтобы стать его музыкальным инструментом хотя бы на пару ночей, чтобы он поиграл на мне так же, как на нём: страстно, с закрытыми глазами, узнавая все самые чуткие и нужные струны на ощупь! Мне кажется, у него должны быть очень сильные и шершавые от струн пальцы. Вообще-то, планировалось, что этот пост будет посвящён тому, как замечательна живая музыка и как я люблю джаз!
… играли авангард. Я грустно комплексовал весь сет по поводу своей музыкальной необразованности и того, что сколько не пыжусь — врубиться в музыку не получается. Мозг кипел. Пробовал закрывать глаза и визуализировать звуки. Получался город в час пик и ощущение тревоги на лицах. Чтобы отвлечься, с какого-то момента начал приставать к соседям с комментариями и вообще вёл себя ужасно. Это от комплексов.
… играют хорошо, собаки — очень чувствующий барабанщик, в частности.
… хорошие.
… очень сложные навороты.
… как Хакими обнимал свой контрабас! И соло его были такими страстными!
… для меня самого, повторюсь, трио Букельмана остаётся пока что одним из лучших коллективов в истории фестиваля. Да и вообще одним из немногих коллективов, на концерт которых я бы сходил за деньги.
Проект собран в 2007 году по инициативе гитариста Филиппа Гордиани как посвящение одному из основателей легендарной рок-группы Pink Floyd и её первому вокалисту и гитаристу Сиду Барретту. В само название трио заложена отсылка к одной из его композиций, «Interstellar Overdrive»: эта пьеса, выпущенная в 1967 году, стала настоящей революцией в рок-музыке, поскольку до тех пор никто не решался издавать десятиминутные инструментальные медитации весьма свободного характера.
По мнению самих музыкантов, Барретт недооценён как композитор: среди слушателей он более известен своим эксцентричным поведением, личными проблемами и загубленной карьерой, чем написанными мелодиями, а в массовом сознании ассоциируется именно с Pink Floyd, но не с сольным творчеством. В то же время работы Барретта — это редкий пример абсолютной оригинальности в музыке тех лет, совмещение нерегулярных размеров текста с непредсказуемыми изменениями гармонии, проведение простых и очевидных мелодий по крайне непростой основе.
Французское трио уже самим своим нестандартным составом, в котором нет баса, претендует на разработку композиций Барретта далеко за пределами традиционного «трибьюта». Музыкантам важны и применение мышления «психоделического рокера» к языку пост-рока и авангардного джаза, и поиск собственного места в музыке, находящейся далеко от корней современного мейнстрима.
Барабанщик Бруно Токанн, самый опытный из музыкантов трио, за свою более чем тридцатилетнюю карьеру переиграл с множеством музыкантов Старого и Нового Света, работающих в области современной музыки. Известны его работы со всемирно признанными мастерами (такими, как Луи Склави, Стив Поттс, Дэйв Баррелл), а также с рядом авторитетных музыкантов из бывшего СССР (петербургским контрабасистом Владимиром Волковым и одесским пианистом Юрием Кузнецовым). Токанн — один из заметных «функционеров» современной музыки, чья деятельность выходит далеко за рамки собственно музицирования: он — известный пропагандист, издатель и организатор.
Более молодые партнёры Токанна по трио, соответственно, менее известны, однако давно и устойчиво работают с ключевыми музыкантами, определяющими лицо современной европейской музыки авангардного толка.
cтраница проекта: www.imuzzic.net
сайт Бруно Токанна: brunotocanne.com
сайт Филиппа Гордиани: p. gordiani.free.fr
сайт Реми Гаудилла: remigaudillat.musicblog.fr
Александр Битюцких (ударные), Ярослав Борисов (клавишные), Геннадий Чухлов (кларнет, 1-й фестиваль, 12-й фестиваль) Марк Гайдар (контрабас, 5-й и 7-й фестивали)
www.happy55.ru
Проект «Happy55» (известный в своих ранних инкарнациях также как просто «55») — детище молодых воронежских музыкантов — клавишника Ярослава Борисова и барабанщика Александра Битюцких. Коллектив, существующий в разных инструментальных составах с 2003 года, всегда работал исключительно с авторской музыкой, аранжированной в малораспространённой в России стилистике современных джем-бэндов. Эта музыка ведёт своё происхождение от принципов свободной ансамблевой импровизации и одновременно… эйсид-джаза, как ни парадоксально это звучит. Результат — современная, умная, необычная ритмически и гармонически музыка, в которой найдёт своё место и ценитель джазовой традиции, и завсегдатай ночного клуба. «Happy55» — один из самых интересных коллективов современной России, исполняющих импровизационный авторский материал.
В Дубне «Happy55» выступил на первом фестивале в виде неожиданного трио клавишных, кларнета и ударных и стал, без сомнения, одним из главных героев фестиваля. Стопроцентно попав в идеологию фестиваля, в дальнейшем коллектив не ра приглашался на новые площадки: в марте 2009-го выступил на 5-м фестивале в Москве, а в ноябре — на 7-м в Кимрах.
Отзывы слушателей:
… сложная музыка. Но интересная. Понравилось, хотя и непросто воспринимать.
… сильные музыканты.
… переживали вместе с музыкой…. просто прекрасно.
… интересный вариант. Пианист отменный.
… чудо.
… Воронеж!!! Вот это ДА!!! Вот это дали!!! Не ожидал!!!
«Ghost Trains» — британская акустическая группа, исполняющая музыку на стыке рока и фолка. Две акустических гитары, два голоса и перкуссия — исчерпывающая характеристика для того, чтобы представить себе звучание современного инди-состава, способного и на балладу, и на почти хард-роковый «забой».
Этот молодой британский коллектив стремительно растёт в мировой табели о рангах. Сформированный в конце лета 2009 года дуэт (тогда ещё без перкуссиониста Грегори Вуда) сразу приступил к записи дебютного альбома в собственной домашней студии в Стаффордшире; готовые треки немедленно выкладывались в интернет, где «тёмная лирика» Эллиса, необычные узнаваемые гармонические ходы Волфенхарта и характерный для группы меланхоличный мелодизм быстро нашли своих поклонников. К марту 2010 года, когда альбом «Where Lovers Die» был готов именно как альбом (то есть закончен, напечатан и зарегистрирован), группу уже следовало называть весьма известной. Более десяти тысяч скачиваний в интернете в первые месяцы, полная распродажа физических дисков и множество приглашений на фестивали и сольные выступления в Великобритании — лучшие доказательства того, что группа заняла свою нишу по праву.
Универсальность акустического звучания трио делает его явлением, не привязанным к сегодняшнему дню. Это позволяет погружаться в музыку «Ghost Trains» самым разным категориям слушателей — от подростков-«готов» (очарованных в первую очередь спецификой текстов) до мужчин за семьдесят, которые именно в стилистике проекта видят музыку своей молодости, близкую чуть ли не к ранним «Beatles» и «Eagles». Ну, а пресса как никогда солидарна: BBC говорит о «захватывающих дыхание, чудесных песнях», британский «Acoustic Magazine» — о «самой замечательной группе, что появилась за много лет», американский «LA Weekly» и вовсе категоричен — «это гипнотизирует».
«Ghost Trains» за свою весьма короткую историю успели обзавестись множеством солидных и забавных достижений. Например, Дженевьева Тюдор, ведущая знаменитого «Folk Show» на BBC, после их выступления сказала: «жду того дня, когда смогу хвастаться, что они у меня выступали». Летом <nobr>2010-го</nobr> года трио умудрилось дать более 20 выступлений за шесть недель (это при том, что формально музыканты ещё продолжают днём работаnm по основным, немузыкальным специальностям). А фан-клубы у британцев появились не только на родине и в Европе, но даже… в Иране.
У коллектива выпущен профессиональный видео-клип на пьесу «Miss Emily» (один из главных «боевиков» первого альбома), а в январе 2011 года ими презентован второй диск, «Sniffing Round L. A.». В 2011 году «Ghost Trains» планируют посетить с концертами США, Германию и Россию, где к исповедуемому ими стилю всегда было особое отношение.
Артур Гимаев (труба) Олег Янгуров (бас-гитара) Павел Скорняков (саксофон) Руслан Янбаев (клавишные) Рустем Каримов (перкуссия) Сергей Косых (ударные)
Руководитель группы Олег Янгуров — из числа тех профессиональных музыкантов, которым первоначально был предназначен совсем другой путь. Окончив Уфимский Государственный Авиационный Университет, он почти сразу же после получения диплома инженера-исследователя присоединился к джаз-ансамблю «Орлан» саксофониста Олега Киреева, с которым проработал семь лет. За эти годы коллектив дал огромное количество выступлений в России, Польше, Финляндии, Германии, Нидерландах, записал пластинку на фирме «Мелодия» («Башкирские легенды») и превратился в один из ведущих джазовых составов страны.
В 1994 году Олег Янгуров выбрал своё путь развития — уехал из России и долгое время работал в Бангкоке, Гонконге, Токио, где прошёл многолетнюю профессиональную школу, играя и записываясь с музыкантами из США, Канады, Франции, Норвегии, Швейцарии, Австралии и Японии.
Вернувшись в 2003 году в Уфу, он создал ансамбль «Funky House Band», который в нынешнем составе существует с 2005 года. Репертуар группы включает в себя композиции Олега Янгурова, Артура Гимаева, Павла Скорнякова и произведения других авторов, в том числе джазовые стандарты. С «Funky House Band» джемовали весьма разноплановые гастролёры, проезжавшие через Уфу — итальянский эстрадный певец Тото Кутуньо, американский джаз-ансамбль «Check Six», фьюжн-гитарист с мировым именем Хайрам Буллок.
Группа участвовала в крупных джазовых фестивалях в Уфе, Самаре, Набережных Челнах. В настоящее время «Funky House Band» — резидент развлекательного комплекса «Огни Уфы» и регулярный участник мероприятий Уфимского Джаз-Клуба, одного из лучших профильных заведений страны.
Александр Булатов (бас-гитара) Антон Ильенков (гитара) Игнат Кравцов (ударные)
Екатеринбургское джаз-роковое трио впервые попробовало свои силы в самостоятельном творчестве в 2005 году. Тогда, на студии поэта и шансонье Александра Новикова (все участники вошли в состав музыкальной команды артиста), они совершенно спонтанно познакомили друг друга со своими идеями в области музыкальной импровизации. В самом начале творческого пути было сложно определить стиль, в котором играли участники Free-Spoken Band: джаз, фанк, джаз-рок, эйсид-джаз, фри-джаз — вот лишь немногие музыкальные направления, которые, смешиваясь друг с другом, превращались в твердый сплав, отличающий настоящий стиль группы.
Настоящее рождение Free-Spoken Band произошло на площадке Уфимского джаз-клуба 16 июня 2008 года. Искушенной публике была представлена выпестованная на репетициях полноценная концертная программа, в которой авторская музыка, основанная на эмоциях, экспрессии и отрыве от реального ощущения времени, обрела смысл и глубину. Смелые эксперименты в подаче музыкального материала, необычная интерпретация, амбициозное и харизматичное проявление эмоций участников группы — всё это позволило говорить о том, что на Урале появился молодой коллектив с отчётливо авторским почерком.
Презентация дебютного альбома «Black & White» прошла в Екатеринбурге 2 октября 2008 года, став заметным событием в музыкальной и культурной жизни города. А в мае 2009 коллектив показал новую концертную программу «Travelling» («Путешествие»). Музыка Free-Spoken Band сегодня — это многогранное органическое сочетание и переплетение классического джаза, арт-рока, фри-джаза, этнической музыки, основанной на фундаменте сложных размеров и риффов. Уровень качества этого материала подтверждён специальным призом2-гомеждународного конкурса молодых исполнителей «Усадьба. Джаз» в Москве, которым и стало командирование коллектива на «МузЭнерго».
«Free-Spoken Band» впервые выступили в Дубне 18-го июля 2009 года на 6-м фестивале, а на 7-м приняли участие в первой фестивальной инкарнации в Кимрах.
… мой любимый виолончель, да ещё три, но… опыт-опыт-опыт и рассчитанные ходы в построении звукового ряда — не все же самопальным «хиндемитом» народ шугать.
… такое… от виолончелей было ожидать сложно. Даже невозможно! И опять же я стыковала картинки того, что происходит на сцене, и город Дубна. Вот такая музыка, офигительно-прекрасная, сложная, интересная, особенная. Моему восторгу и восхищению не было предела. Хотелось задержать дыхание и остановить время.
Юрий «derCircus» Марков (дабмастер, программирование, эффекты, гитара, мелодика, перкуссия) Александр Акилин (гитара) Алексей Минеев (тенор-саксофон, флейта) Ян Тылтин (барабаны, перкуссия)
Проект Dub Division образовался весной 2006 года. Основатели проекта — музыканты одной из первых регги-групп страны, её творческий костяк. Идея проекта — исполнение музыки в стиле dub и reggae с использованием современных выразительных средств — сэмплеров, секвенсоров, многочисленных электронных эффектов и т. д.
Современное видение культуры и неординарный подход к работе на концертах и в студии отличает Dub Division от других подобных проектов. Проект открыт для сотворчества, так что в концертах Dub Division могут принимать участие совершенно неожиданные музыканты (и не только) различных стилей и направлений. Dub Division приняли участие во многих фестивалях, в том числе за границей; в Дубне группа выступала на фестивалях «Сами для себя» и «Юность Фест». На «МузЭнерго» коллектив играет в рамках программы регги-сцены.
Дарио Элиа — итальянский музыкант-экспериментатор, в число творческих интересов которого входят не только сочинение и исполнение музыки, но и фотография, литература, разработка и реализация художественных проектов самого разного плана. В импровизационной музыке он известен с начала 90-х годов. За время карьеры разработан авторский модальный подход к композиции, узнаваемый стиль импровизации. Любопытно, что при этом Элиа с одинаковым успехом работает в двух форматах — квартета и соло.
Квартет обычно представляет то, что сам музыкант называет песенной формой. Здесь играют большую роль постмодернистские тексты, работа ритм-секции, а авангардистская сущность музыки сглаживается сравнительно привычными приёмами аранжировки и исполнения. Немаловажно и то, что Элиа свободно пользуется самыми разными языками для создания текстов — по его словам, это естественное отображение сегодняшнего состояния музыки в масштабах мира. В сольной же ипостаси Элиа почти всегда — экспериментатор, строитель звуковых ландшафтов, не утруждающий себя классификацией своей музыки и свободно обходящийся и без слов, и без гармонии, и без мелодии — или же с такой же осознанной свободой выбора вновь обращающийся к ним. Часто в такого рода выступлениях итальянцу помогают приглашённые гости, способные мыслить в сходном ключе.
Одной из последних значимых работ такого плана стала звуковая инсталляция «Sol installation», выполненная с помощью импровизирующих музыкантов из Японии, Аргентины, Кореи и Турции.
В 2009 году вышел альбом Элиа, названный «Vie Impervie».
Raffaele Cataldo (США), David Geiger (Германия), Florian Metzger (Германия), Jan Pavelka (Чехия), Christine De Pierro (США), Trin (Эстония)
«Cyclown Circus» — первый коллектив в истории «МузЭнерго», состав которого нельзя спрогнозировать сколько-то точно. Сама суть этого необычного проекта исключает какую бы то ни было определённость: дело в том, что «велосипедный цирк» (именно так можно перевести изящную игру слов, заложенную в название) и вправду является велосипедным цирком — без всяких кавычек. Это бродячая труппа циркачей, объединённых любовью к музыке, велосипедам, путешествиям и гражданским свободам. Принимая в своё сообщество чуть ли не всех желающих (лишь бы умели крутить педали, играть музыку и показывать фокусы), «велоклоуны» уже больше семи лет безостановочно ездят по миру, прокатившись от Техаса до Таиланда через Данию, Мексику, Грузию и Монголию. В дороге они пропагандируют свой экологичный и экономичный способ передвижения (один из их туров даже назывался «Велосипеды против нефтяных войн»), на привалах устраивают представления и мастер-классы. В труппе за разное время побывали датчане, чилийцы и болгары, которые умудрялись находить общий язык. Одно время вместе с «Cyclown Circus» ездил даже сорокакилограммовый лабрадор по кличке Кинг Фатто — правда, возить с собой на велосипеде контрабас оказалось всё-таки легче. В программе выступлений «велоклоунов» — акробатические номера на канате и трапеции, жонглирование и глотание огня, кукольный театр, клоунада и живые концерты с какофонией без мелодии и ритма, которую они пытаются выдать за джаз (хотя есть подозрение, что это и есть джаз в той самой изначальное его форме, которую уже подзабыли профессиональные музыканты). В Россию эта безумная труппа, строго говоря, не собиралась, но когда узнала о необычном вело-джазовом формате «МузЭнерго» — решила заглянуть на огонёк (лишняя пара тысяч километров, если вдуматься — и вправду не крюк). С составом, правда, вплоть до самого фестиваля не было никаких гарантий: по словам главаря труппы Рафаэля Катальдо (в официальной переписке — Раффа), «наверное, поедут эти — хотя есть ещё один в Великобритании, один в Эстонии и один в Латвии, которым мне пока лень звонить».
Отзывы прессы:
«Звуки. Ру», Москва, 14.08.2008: … В их программе, представленной прямо на траве и без звукоусиления, нашлось место и юмористическим песенкам с элементами уличного театра, и жонглированию, и даже хождению по натянутому меж двухэтажных велосипедов канату с одновременной игрой на трубе.
«Время Новостей», Москва, № 145 от 12.08.2008: … Дальше вело-клоунский цирк — так, наверное, можно перевести название «Cyclown Circus», включающее музыкантов-велосипедистов из США, Германии и Чехии. Не то чтобы они играли, сидя на своих высоченных велосипедах (две сваренные рамы, эдакий вертикальный тандем), нет. Едут, слезают (с риском сломать шею стоящим рядом) и играют что-то такое уличное-развлекательное. Отличная «открывашка» для фестиваля.
Отзывы слушателей:
… очень забавные и добрые ребята.
… В Дубне музыканты появились следующим составом: банджо, туба, гитара, барабан, труба, скрипка. Харизматичная девочка, игравшая на трубе, вообще заслуживает отдельного упоминания. Она жонглировала обручами, ходила по канату, и продолжала при этом играть на трубе! Выглядело это просто потрясающе. Пусть музыканты и не демонстрировали какой-то виртуозной игры, но звучали они слитно и задорно, а смотрелись ярко и весело.
… цыгане, конечно, немного своеобразны, но не более… Не их надо было смотреть.
… просто офигительно.
… самые настоящие бродячие артисты. Американцы, немцы, эстонка и чех. Сожрали каждый по 2 литра борща, приготовленного моей мамой.
… безумные джазовые циркачи. Кстати, я видел, как они приехали на своих двухэтажных велосипедах, но было бы любопытно посмотреть на круг почёта по поляне, ибо эти монстры (велосипеды) впечатляют.
… такие забавные и сумасшедшие люди!!! музыка у них специфическая, конечно, плюс в акустическом варианте, но они берут именно энергетикой и своим безумством=))) да ещё половина из них даже на английском не очень говорит=))
… лично меня очень порадовала девушка-американка из «Велоклоунов»! Столько позитивной энергии, столько природного шарма!
… всех сделали разогревщики — я просто плакал.
… нормальный хороший отвязный уличный цирк — по музыке, как они сами и говорили, ничего особенного из себя не представляющий. Музыка там — вполне себе второстепенная часть шоу как такового; ну, а шоу — быть может, по меркам мировых цирков и не запредельное, но для России с её, гм, недостатком такого рода бродячих артистов — просто откровение, иначе не скажешь. Молодцы ребятки.
… честно говоря, не думала, что настоящие «Бременские музыканты», бродячие артисты натюрель, существуют. А вот пожалуйста. Хорошие дружелюбные люди, немного необычные благодаря гипертрофированному чувству свободы, но в целом — интересные. Понятно, конечно, что они и не претендуют на то, чтобы удивлять своим мастерством почтенную публику: они просто создают настроение.
… что всегда меня радовало в «буржуях», так это отсутствие какой-либо закомплексованности.
… весело.
… снос крыши, полный расколбас и улёт. Просто нет слов, чтобы описать, насколько приятно было смотреть на их выступление. А девушка Кристина — настоящая «зажигалка» и центр притяжения всеобщего внимания. Самое позитивное выступление феста.
Григорий Немировский (духовые, клавишные, синтезаторы) Джон Карлсон (клавишные, синтеразаторы, танец)
Интернациональный дуэт под специфическим для российского уха названием «СarmeN» (ничего общего с поп-группой девяностых, конечно же) — проект двух крайне необычных музыкальных индивидуальностей.
С именем украинского музыканта Григория Немировского обычно соседствуют определения «виртуозный, экстраординарный, эксцентричный». Если человек играет более чем на двух инструментах (а особенно если является специалистом по средневековым духовым инструментам), если он делает это творчески, нешаблонно, в народе за ним обязательно закрепится слава авангардного мультиинструменталиста. В Украине Немировского называли «экспортным музыкальным продуктом». Правда, экспорт получился несколько кардинальным: в <nobr>2004-м</nobr> году музыкант уехал в Германию на постоянное жительство.
Американец Джон Роберт Карлсон — такой же гражданин мира. Оказавшись в Германии, он постепенно изменил почти всем свои изначальным «музыкальным установкам»: от современного джаза двинулся в сторону современной академической музыки и авангарда, от ударных инструментов — к клавишным и синтезаторам, от традиционного концертного формата — к работе с театральными труппами. Неудивительно, что ради такого типично европейского музыкального существования и ему пришлось остаться в Германии уже в качестве постоянного резидента.
Совместная программа Немировского и Карлсона — классический пример современного импровизационного искусства, широко востребованного на клубной и фестивальной сцене Европы. В ходе исполнения каждой конкретной композиции музыканты неоднократно меняют как инструменты, так и стили (стилистическое разнообразие простирается от авангарда до клубного nu-jazz) — и, тем не менее, их эклектичность определена не бесконечным поиском себя, а естественным состоянием человека на современной музыкальной сцене.
Отзывы слушателей:
… с точки зрения рекламы фестиваля это выступление — большой плюс.
… хедлайнеры — вне конкурса. Это было действительно удивительно.
… зажёг американец Карлсон.
… Карлсон убрал ВСЕХ!!! Гениальный фрик. Мазохистский балет. Он показал ШОУ.
… результат их сотрудничества нарушал всевозможные нормы исполнительства.
… Очень понравилось. Пожалуй, самый запоминающийся номер концерта.
… дуэт, разбудивший всех уставших, но стоявших до конца слушателей.
Сергей Бутолин (тромбон), Павел Елисеев (труба), Дмитрий «Джем» Курбатов (губная гармоника, вокал), Станислав Мельник (гитара), Сергей Осетров (ударные), Михаил Павельев (гитара), Ильфат Садыков (тенор-саксофон), Алексей Титенко (бас-гитара)
www.camapajam.ru
Фанковый коллектив из восьми инструментов, существовавший к моменту приглашения на фестиваль более трёх лет. В биографии — выступления на российских фестивалях (среди которых, например, собирающие многотысячные аудитории «Мамакабо», «Пустые холмы», фестиваль им. Валерия Грушина), клубные гастроли, регулярные концерты в родном городе. Четверо участников группы принимали участие в зарубежных турах как джаз-роковый квартет «New A», история которого началась ещё в 2002 году, а в настоящее время практически все музыканты коллектива работают сразу в нескольких составах, исполняющих джазовую музыку, рок, рэгги и блюз. В репертуаре «Камапы Джем» — авторские произведения и фанковые обработки джазовых стандартов. Выступление в Дубне стало для группы началом небольшого концертного тура, в ходе которого были даны также несколько концертов в престижных московских джазовых клубах.
Вокалист-инноватор Борис Саволделли, ударение в имени которого ставится на «о» — музыкант потрясающей универсальности, оптимизма и искренности. Работу в Миланском Политехникуме над новыми устройствами обработки звука он сочетает, например, с изучением Сергея Есенина в оригинале. А концерты его — это действительно Большое Шоу: Саволделли органично смешивает научно-фантастические технологии и «чистые» возможности человеческого голоса, блещет чисто итальянским обаянием и демонстрирует немыслимые сценические костюмы, варьирует репертуар от «Битлз» до джазовых стандартов, от Джими Хендрикса до авангардных импровизаций, от русских романсов до Стинга.
Разноплановость Саволделли поражает воображение. В зависимости от того, какую композицию из его программы доведётся услышать критику, Борис может быть назван джазменом, авангардистом, рокером, электронщиком, шоуменом, исполнителем латиноамериканской, этнической и даже неоклассической музыки. Впрочем, уже на стадии ученичества он оказался далеко за пределами традиционных схем. Успешный бизнес-консультант с хорошей работой в структурах Евросоюза, Саволделли всерьёз пошёл в музыку уже в возрасте за тридцать. Элизабет Сабин, одна из первых его профессиональных педагогов, ставила в своё время вокальную технику сладкоголосому поп-певцу Майклу Болтону и рокеру-бунтарю Акселю Роузу; позже Борисом занимался один из поистине легендарных джазовых мастеров, американец Марк Мёрфи; параллельно Саволделли посещал специальные семинары, посвящённые фольклорным вокальным традициям народов Азии и Африки.
Борис, который много и продуктивно работает с самыми разнообразными ансамблями, любит и умеет выступать соло, используя внушительный арсенал средств для обработки звука в реальном времени. Именно сольное шоу — его основной конёк. Работа Саволделли резко отличается от работы современного джазового развлекателя и, несмотря на внешнюю броскость, не имеет ничего общего с ресторанно-аниматорским ремеслом. Сам артист разделяет своё творчество на «светлую» и «тёмную» стороны: первая – это исполнение, в ходе которого технические приёмы и аппаратура делают из одного голоса полноценный сбалансированный оркестр, приятный слуху самой обширной аудитории, вторая – исполнение, в котором голос может стать не менее резким и авангардным инструментом, чем саксофон Джона Зорна (к слову, давнего приятеля и коллеги Бориса). Удивительно при этом то, что живые выступления Саволделли крайне редко демонстрируют лишь одну сторону его творческой личности: как правило, он начинает с простого и понятного и легко уводит слушателя за собой в глубины тотальной импровизации, вновь возвращается к почти эстрадной манере, вновь рискует с нововведениями и так далее. Оставаясь лучезарным и искренним хулиганом на сцене, итальянец никогда не «отпускает» аудиторию, не превращает свои эксперименты и поиски в процесс, доступный лишь элите. Лучшее доказательство успешности такого подхода — с выступлений Саволделли никто и никогда не уходит: в его поистине безумной концертной практике бывали, например, выступления на мероприятиях в Восьмому марта, подаренные местным женщинам администрацией небольших отечественных городков с населением порядка десяти тысяч человек. «Авангардиста» провожали стоячей овацией…
У Саволделли прекрасная и разноплановая дискография. В 2007 году он выпустил свою первую сольную работу «Insanology», где лишь в паре треков ему помог великолепный авангардный гитарист Марк Рибо. Большой успех этому диску предсказал уже на стадии записи всё тот же Марк Мёрфи: он был настолько впечатлён демо-треком, что подарил Борису для альбома одну из своих ранее не изданных композиций. «Insanology» был назван несколькими авторитетными изданиями одним из главных вокальных событий года, а самого Саволделли в рейтинге вокалистов-мужчин, чьи работы вышли в том же году, пресса поставила на третье место после Тони Беннетта и Эла Джарро. В 2011-м был выпущен второй альбом, «Biocosmopolitan», где аналогичным образом в нескольких треках на помощь приходили звёзды: басист Джимми Хаслип и трубач Паоло Фрезу, например). Абсолютным контрастом к этим работам полным безудержного сатирического обаяния и неповторимого «электронного безумия», стали «тёмные» авангардные работы — «Protoplasmic» (2009), выпущенный вдвоём с известнейшим деятелем новой музыки Эллиоттом Шарпом, и «Electric Bat Conspiracy» (2014) в дуэте с Гаррисоном Фивеллом. Отдельным блоком в этой дискографии стоит участие в нашумевшем проекте «Esenin Jazz»: познакомившись во время одного из российских туров с рязанским музыкантом, композитором и продюсером Геннадием Филиным, Саволделли по-настоящему влюбился в его проект создания джазовой программы на тексты Сергея Есенина. Исполняя песни на русском, итальянском и английском, он принял участие в записи уже двух дисков серии (наряду с такими именитыми музыкантами, как Игорь Бутман, Билл Эванс, Валерий Пономарёв, Стэффорд Хантер и т.д.) и продолжает выступать с этом проектом в России на самых разных площадках. Самая же свежая на сегодня работа Бориса — «The Great Jazz Gig in the Sky» (2016) в составе трио Savoldelli — Casarano — Bardoscia, великолепная авангардно-джазовая перепевка одного из самых известных альбомов в истории музыки, «The Dark Side Of The Moon» группы Pink Floyd.
Разносторонность записанных Борисом работ показывает, что он не встал на позиции нонкомформиста от музыки, оставаясь желанным гостем в любом окружении, от традиционного джазового фестиваля до радикального авангардного клуба. Это же подтверждает и его история выступлений в России: первый его приезд состоялся в марте 2009 года, когда музыкант был приглашён на известный фестиваль импровизационной музыки «МузЭнерго». Блестящий приём, оказанный артисту публикой Москвы, Дубны и Калининграда, результировался в следующих отзывах слушателей: «аудиокиллер высшей категории», «безумно позитивный», «потрясающий голос». К Саволделли стали проявлять интересы самые разные организаторы, и с тех пор в России он побывал не меньше десяти раз, добравшись до совершенно экзотических мест. В его концертом графике соседствуют небольшой поселковый Дом культуры в Краснодарском крае и Пермская краевая филармония, лучшие джазовые клубы Москвы и Новокузнецка, элитный ресторан Ханты-Мансийска и культовый арт-бар в Калининграде, Дворец Молодёжи в Нижнем Тагиле и Морской культурный центр Новороссийска. Особые отношения с Россией — возможно, следствие выбора имени: Саволделли назвала Борисом мама, любившая русскую литературу, но искренне считавшая, что в имени Пастернака ударение ставится на первый слог.
Отзывы слушателей
… Борис — настоящий! Аудиокиллер высшей категории!!!
… если не привезёте ещё раз Бориса, вы станете моим кровным врагом.
… на уши поставил аудитории всех концертов в рамках феста.
… когда Саволделли выступал, не переставала глупо улыбаться. Безумно позитивный мужик))))
… закачанные в телефон треки с диска итальянца сопровождают теперь повсюду!
… просто нет слов. Потрясающий голос, ловкое манипулирование аппаратурой с многократным его наложением и как результат — нечто заводящее зал с пол-оборота.
… потрясающий.
Boris Savoldelli + «МузЭнерго»: предстоящее
Параметры возможного тура
1-2 человека в делегации
транспорт, жильё, питание, визы оплачиваются со стороны «МузЭнерго»
простейший технический райдер (коммутация микрофона и стойка, электричество, стул, стол, два монитора, портальный звук)
работает местный звукорежиссёр
программа длительностью от 30 до 90 минут
Агент: Юрий Льноградский, +7-916-511-37-41
Фото для полиграфии
Boris Savoldelli + «МузЭнерго»: прошлое
ЛЕТНИЙ ТУР — 2016
3 июля 2016 — Дубна, «Лимонад» (остальные концерты тура с группой Feelin’s вне нашей ответственности)
ТУР-2017
14 декабря — Самара, РЦ «Гудок» (при участии местного трио)
Александр Фирсов (гитара) Вадим Тряпицын (бас) Александр Харев (ударные)
www.blindvandal.ru
Образованная в Архангельске ещё в 1996 году группа «Blind Vandal» примечательна для фестиваля «МузЭнерго» сразу в нескольких отношениях. Во-первых (и это, безусловно, самое важное), она открывает в истории фестиваля принципиально новое для него стилистическое направление — инструментального гитарного рока, далёкого от заигрываний с джазовой тематикой и являющегося именно роком в чистом виде, без неуместных приставок. Во-вторых, «Blind Vandal» относится к числу тех коллективов, которым по силам взять на себя сольный концерт в рамках фестиваля и при этом показать программу достаточно разнообразную, чтобы считать её именно фестивальной. И, наконец, в-третьих, появление «Blind Vandal» на фестивале — это первый опыт инициативы «снизу», когда приезжающий коллектив скорее затребован группой её поклонников, чем выбран оргкомитетом в результате селекции.
В послужном списке трио — концерты и фестивали во многих городах страны: среди них Москва, Санкт-Петербург, Челябинск, Ярославль, Уфа, Нижний Новгород, Вологда, Киров, Череповец, Иваново, Ижевск, Пермь. «Вандалы» — обладатели двух Гран-При российских рок-фестивалей («Апт-Платформа-2001» в Магнитогорске и «Трамплайн-2003» в Чебоксарах). Группа концертировала в Норвегии, Польше, дважды выезжала с гастролями в Нидерланды и США. О них писали все достойные упоминания в контексте прогрессивного рока журналы — в том числе «Rolling Stone», «InRock», «Fuzz», «Hatross».
О музыке, которую исполняет трио, лучше всего говорят профессиональные рецензенты: «…я был в шоке, услышав эту группу в первый раз. Разум отказывался признавать действительность. Неужели у нас в России появилась настоящая гитарная музыка без каких-либо компромиссов? Жесткая и рок-н-ролльная, искренняя? Музыка по-взрослому? Драйв, фантазия и редкостное ощущение энергии, идущее от гитарных партий Александра Фирсова… Гитарная музыка в России есть!»
Группой записаны три альбома: «Blind Vandal» (2000), «Magic Crystal» (2004), «Crazy Robo» (2007).
Отзывы слушателей:
… это настоящие архангельские мужики. Держись, Дубна! Такого ещё НЕ БЫЛО!!! Есть чем раскачать молодых и старых…
… жена с сыном вернулись восхищённые и впечатлённые. Спасибо за доставленное удовольствие. Респект и уважуха чувакам из оргкомитета за брызги адреналина и взрыв в черепе.
… больше всех понравились архангельцы.
… фантастика!!! Группа, которая может пробудить неутолимую жажду к своей музыке.
… было необычно сидеть, когда они там на сцене такое играли.
Assaf Kehati (Ассаф Кехати) — гитара Guy Levi (Гай Леви) — контрабас Udi Shlomo (Udi Shlomo) — ударные
Большая джазовая карьера гитариста Ассафа Кехати началась, когда в 2007 году он перебрался со своей родины, Израиля, в американский Бостон, знаменитый на весь мир своим музыкальным колледжем Беркли. В Израиле Кехати уже успел пройти курс обучения в одном из международных подразделений Беркли — престижной Римоновской школе джаза и современной музыки. А впервые он взял в руки музыкальный инструмент ещё в раннем детстве, с подачи своей бабушки, профессиональной пианистки. К десяти годам Ассаф играл на фортепиано и гитаре, позже освоил скрипку.
Уже через несколько месяцев после начала занятий джазом Кехати начал регулярно брать призы разнообразных конкурсов и фестивалей студенческого уровня: например, почти сразу после начала работы в импровизационной музыке он занял третье место на национальном конкурсе «The Jazz Player». Несколько позже студент был включён в известный «почётный» ансамбль Римоновской школы, носящий название «Hot Jazz», среди музыкантов которого одно время был известнейший гитарист Фрэнк Гамбале. Кехати работал с множеством заметных молодых музыкантов Израиля — Алоном Фарбером, Шаи Ченом, Хаггаи Амиром,- принимал участие в Тель-Авивском и Иерусалимском джаз-фестивалях, выступал в популярных клубах.
В Бостон Ассаф перебрался после получения гранта на продолжение образования, но грант этот был выдан не Беркли, а другим, не менее известным и не менее престижным учебным заведением города — Консерваторией Новой Англии. На молодого музыканта обратили внимание известные преподаватели, среди которых был известный барабанщик Билли Харт, впоследствии даже вступивший в трио своего нового студента. Кехати активно выступает в Бостоне и его окрестностях, понемногу гастролирует по США, давал отдельные концерты в Канаде.
Его музыку характеризуют как смешение характерно южного взгляда на мелодию со стилистикой легендарной компании звукозаписи ECM — то есть с вдумчивым, неторопливым, подчас авангардным подходом к исполнению. По словам самого Ассафа, он находит вдохновение в простых жизненных ценностях и часто способен выстроить многоплановую композицию, просто наблюдая за жизнью своего квартала из окна. Среди композиторов, оказавших на него наибольшее влияние, Кехати называет Берлиоза, Пэта Мэтини, Стинга и Джорджа Гершвина.
На «МузЭнерго» трио Ассафа Кехати приезжает с подачи барабанщика Уди Шломо, уже бывавшего в России в рамках фестивальных программ в составе трио Идо Букельмана.
Оргкомитет фестиваля благодарит Посольство государства Израиль в Российской Федерации и лично госпожу Илану Штейн за оказанное содействие в организации приезда коллектива.
Гульнара Аскарова (вокал), Антон Давидянц (бас-гитара), Егор Дергачёв (клавишные), Эдуард Петрухин (ударные), Юрий Топчий (гитара)
Гульнара Аскарова, давшая своё имя своеобразной «сборной» молодой фанковой и джазовой сцены, родом из Уфы. Её дорога к джазу вообще и к джазовому вокалу в частности довольно необычна: вплоть до восьмого класса специальной музыкальной школы Гульнара специализировалась на виолончели, изучала классическую музыку, ездила по конкурсам, получала премии, но… не интересовалась пением и о джазе не знала практически ничего. Затем возник интерес к вокалу — настолько сильный, что удалось поступить в московское Государственное музыкальное училище эстрадно-джазового искусства. Тамошние сокурсники, естественно, немедленно обратили внимание Гульнары на классику мейнстрима, фанка, соула, и в семнадцатилетнем возрасте она впервые стала петь джаз. Её сильный голос и хорошее чувство английского языка, столь редкое у российских вокалисток, стали причиной быстрого появления сборных проектов, где Гульнаре аккомпанировали не ищущие практики студенты-сокурсники, но по-настоящему авторитетные «молодые львы» московской сцены. В 2007 году эти проекты превратились в постоянную группу, названную «Askarova Groove Band». В июне 2008 года группа вошла в число финалистов крупнейшего в России конкурса молодых джазовых исполнителей в рамках фестиваля «Усадьба. Джаз». Выступление было оценено авторитетным жюри под председательством Народного артиста России Анатолия Кролла настолько высоко, что помимо традиционных дипломов и званий Аскарова получила право выступить на главной площадке фестиваля перед десятью тысячами человек наравне со звёздами современной джазовой музыки.
Отзывы прессы:
«Время Новостей», Москва, № 145 от 12.08.2008… Молодые люди с соответствующими идеалами: соул, фанк. Хорошая программа, бодрые песни, авторские и «каверы» из репертуара группы Incognito. Аскарова хорошо поет.
«Площадь мира», Дубна, № 55 от 13.08.2008… Яркая вокалистка… в этой части концерта на траве танцевал народ в возрастном диапазоне от 5 до 65. Это радовало и веселило остальных…. харизматичная талантливая Гульнара Аскарова…
«Звуки. Ру», Москва, 14.08.2008… пульсирующий грувом соул-фанк.
Отзывы слушателей:
… интересна также была команда Askarova Grove Band….
… Askarova Grove Band!!! — в мемориз — лучшие!! их ударник — госпаде он просто бог ритма!!! особенно обрадовало когда в одном из трэков он начал брейкс отстукивать=)) талантище!!!
… от выступления этой группы остались несколько смешанные впечатления, ожидал другой музыки) Но так или иначе сыграно всё было хорошо и класс музыкантов чувствовался. А настойчивый призыв вокалистки к танцам слушался забавно.
… тоже понравилось.
… образец того, как надо «качать» аудиторию музыкой. Я бы Гульнаре однозначно попенял за чересчур активное общение со зрителями, но это на самом деле, возможно, куда более уместный на открытом воздухе вариант, чем то, что считаю уместным Я. В любом случае — публика впервые реально двинулась к сцене и затанцевала. Здорово. Молодцы. Очень обидно, что немного «зарезали» коллектив по звуку на сцене, им было не сильно хорошо слышно себя в мониторах и, по их же словам, выложиться на сто процентов не удалось. Но и тех процентов, на которые удалось — очень хватило.
… спасибо Гуле за выдержку, терпение, за общение с публикой, за профессиональный, стильный, вкусный вокал и грамотный английский. И за уважение к своим инструменталистам.
… коллеги-продюсеры, присутствовавшие на фестивале, Гулю сотоварищи взяли на заметку.
… Ребята, вы супер!
… особенно запомнился позитив и умение организовывать пати Гульнары.
Михаил Смирнов — клавишные, аккордеон, перкуссия, вокал Сергей Клевенский — этнические духовые, голос Леонид Гусев — ударные Вадим Бедов — акустическая гитара Александр Сарасенидзе — электрогитара Иван Дорохов — бас
Группа «Art Ceilidh» (Арт Кейли) была образована в 1998 году Михаилом Смирновым и Сергеем Клевенским, участниками известного квартета гитариста Ивана Смирнова (с этим составом Михаил, кстати, уже выступал на «МузЭнерго» в Дубне в ноябре 2008 года). Поначалу зарекомендовав себя как коллектив, основывающий свой репертуар преимущественно на кельтской традиции, «Art Ceilidh» постепенно раздвинули эти рамки: музыка группы стала сочетать в себе разные фольклорные интонации и музыкальные краски — от этники до джаза, образуя по-настоящему уникальную палитру. При этом в репертуаре «Art Ceilidh», в отличие от большинства групп такого типа, преимущественно авторские композиции, написанные Смирновым и Клевенским.
Аудиодебютом «Art Ceilidh» стало участие в первом сборнике «русских кельтов», альбоме «Кельтомания», вышедшем в 2000 году. Альбом был спродюсирован Михаилом Смирновым и получил восторженные отклики критиков и прессы не только в России, но и за рубежом. В 2001 году к дуэту присоединился бас-гитарист Алексей Распопов, арт-директор московского клуба «Вермель», и группа, окончательно обретя своё звучание, стала постоянным гостем этно и фолк-рок фестивалей.
В разное время в составе «Art Ceilidh» играли замечательные музыканты, прекрасно известные ценителям самых разных жанров — барабанщики Дмитрий Севастьянов и Борис Лифшиц, гитаристы Андрей Звонков и Николай Сарабьянов, басисты Антон Ревнюк и Пётр Дольский. В период с 2000 по 2003 годы вокалисткой группы была цыганская певица Любовь Эрденко.
В 2006 году вышел первый сольный альбом «Art Ceilidh» — «Ceilidoscope. Being European», который вобрал в себя лучшие композиции и по сути явился итоговым за последние несколько лет. В 2008 году трагически оборвалась жизнь Алексея Распопова, и «Art Ceilidh» временно приостановили свою деятельность. Однако в 2010 году музыканты приступают к записи второго альбома, заново собирают аккомпанирующий состав — и едут на «МузЭнерго», где их зажигательная программа закроет фестивальный концерт и обеспечит слушателей изрядной долей позитива, энергетики и чувств.
Сайт коллектива: artceilidh. ru
Оргкомитет фестиваля благодарит Нину Николаеву за оказанное содействие в организации приезда коллектива.
Далекая и загадочная Исландия уже давно зарекомендовала себя как родина самых удивительных музыкальных проектов. К числу таких смело можно отнести Árstíðir, чьё триумфальное шествие по миру началось в 2010-м году неожиданно «выстрелившими» российскими гастролями.
Тогда о них писали так:
«Árstíðir» (исл. «времена года») — это коллектив из Исландии, ставший одной из главных музыкальных сенсаций последних лет в этой маленькой северной стране. Менее чем за год своего существования они сумели поднять свою независимую и откровенно некоммерческую музыку до уровня общенационального интереса, пробились на телевидение, радио, во все сколько-то заметные концертные залы страны и заручились поддержкой такого признанного авторитета в жанре неоклассики, как Оулафюр Арнальдс, который взялся продюсировать их второй альбом. И всё это — при том, что в материале группы нет ни агрессивного пульса современной эстрады, ни чрезмерного эпатажа, ни эстетики отвергнутых обществом бунтарей.
Первый состав группы собрался в Рейкьявике, столице Исландии, в 2008 году. Глобальных целей основатели коллектива не преследовали: это было своего рода развлечение на выходные, «прикладная» музыка в стилистике «Crosby, Stills, Nash & Young» или «Simon & Garfunkel». Однако со временем прямолинейные идеи «рок-бардов» уступили место более комплексному и изящному подходу. Вокальные партии стали раскладываться на многоэтажную полифонию, привычное унисонное звучание гитар — обретать новые тембральные краски, да и сам инструментальный состав группы трансформировался. «Árstíðir» используют, например, редко встречающуюся баритон-гитару, а добавленные со временем фортепиано, скрипка и виолончель делают звучание секстета абсолютно уникальным. Их выступление представляет собой акустическое камерное действо: шестеро молодых людей затягивают многоголосую балладу, дополняемую изящной струнной и фортепианной аранжировками.
Вот что говорят сами музыканты: «С одной стороны, в Исландии очень богатые музыкальные традиции, которые коренятся глубоко внутри нас. Сложно найти исландца, который, взяв в руки гитару, не смог бы наиграть несколько мелодий. С другой стороны, Бьорк и её коллектив, представившие Исландию в присущей панку80-хсфере „сделай-сам-творчества“, породили большое количество андеграунда в пригородах Рейкьявика». И группа балансирует между этих двух крайностей. «Árstíðir» — это в первую очередь «фирменные» вокальные гармонии, камерность и проникновенность звучания — и в то же время настоящий драйв, который, словно исландский гейзер, какое-то время незаметно формируется — и неожиданно вырывается наружу, увлекая за собой и не оставляя равнодушным никого.
Сегодня у музыкантов в активе достижения, по большому счёту, лишь национального калибра, но и эти достижения дорогого стоят для коллектива: две композиции, занимавшие первые месте на национальном радио, регулярные появления на ТВ, «живая» EP и полноценный альбом с одноименным названием («Árstíðir»), изданный в 2009 году и отмеченный как благожелательными отзывами в прессе, так и отличными продажами. На коллектив обратили внимание ближайшие соседи — в дополнение к национальным турам последовали приглашения на фестивали в Швецию. Сегодня «Árstíðir» готовят материал второго альбома и выстраивают всё более удалённые от родины гастрольные поездки, среди которых — первый в их истории визит в Россию.
Один из основателей группы, Рагнар Оулафссон, описывает сегодняшний день коллектива вполне исчерпывающе: «Мы долгое время впитывали в себя самую что ни на есть дикую красоту наших родных мест, и сегодня мы абсолютно готовы к тому, чтобы делиться ей со всем миром». Музыкант не лукавит: «Árstíðir» словно сама Исландия — неброская и неяркая красота, которую нужно уметь рассмотреть, но которую, рассмотрев, невозможно не полюбить навсегда.
За несколько лет группа успела не только проделать путь от некоммерческих записей до феерического успеха у себя на родине, но и покорить слушателей по всему миру. Почему? Возможно, Árstíðir играют именно то, что так нужно людям в современном мире. В их музыке, как в жизни, сталкивается всё, но побеждает гармония, спокойствие и умиротворенность. Гитарные переборы, трогательные струнные, эмоциональный многоголосый вокал на причудливом языке отвлекают от обыденности и погружают в сказочной мир далёкой северной страны — тем более притягательный, что на самом деле эта сказка реальна и при некотором везении в неё можно попасть по-настоящему.
Когда-то скромные и не вполне ещё поверившие в себя исландцы приехали в Россию, считая свои гастроли скорее «музыкальным туризмом», чем профессиональной деятельностью. Однако именно тогда была заложена основа их стремительного взлёта: последовали и многократные гастроли по всей Европе (и Западной, и Центральной, и Восточной), и тур на переоборудованном школьном автобусе между двумя побережьями США, и потрясающее спонтанное исполнение древнего гимна «Heyr himna smiður» на вокзале в немецком Вуппертале, снятое на видео тур-менеджером и мгновенно собравшее миллионы (!) просмотров на YouTube. Árstíðir возвращались к нам не раз, но каждый приезд открывал их с новой стороны — грустная элегия их песен сменялась сосредоточенным самоанализом, хулиганский задор полуимпровизационных бисов — аристократической скупостью звучания, их переставали классифицировать как фолк-рок и переставляли в каталог «indie». Наверное, это глубоко естественно для коллектива, название которого переводится как «времена года» и которому потому надлежит внось и вновь трансформироваться. По мере взросления и роста коллектива даже начали помаленьку сменяться его участники — что удивительным образом не сказалось на качестве этого нерушимого, казалось бы, симбиоза удивительных голосов.
Антон Давидянц (бас-гитара) Фёдор Досумов (гитара) Денис Попов (ударные)
www. myspace. com/alkotrio
«A-Trio» впервые выступили в Дубне на <nobr>3-м,</nobr> летнем фестивале «МузЭнерго». Проект запечатлелся в памяти жителей города именно под этим названием, а не под основным «AlkoTrio»: по стечению обстоятельств в Дубну не смогли тогда приехать основные гитарист и барабанщик коллектива, и басисту Антону Давидянцу пришлось работать в компании гитариста Юрия Топчего и барабанщика Эдуарда Петрухина под несколько усечённым названием. Впрочем, новообразованное трио прекрасно справилось со своей работой, и по результатам фестивального выступления был приглашён на сольный концерт теперь уже оригинальный состав.
«AlkoTrio» исповедует набирающую всё больший авторитет в мире стилистику power trio — виртуозной инструментальной музыки, в равной степени характеризуемой как высочайшей техникой музыкантов, так и сложными решениями аранжировки. Для каждого из участников группы в этой музыке находится достаточно места, чтобы поклонники басиста называли группу «басовым проектом», поклонники гитариста — «гитарным», барабанщика — «барабанным». «AlkoTrio» широко пользуется приёмами классического рока (отсюда тяжесть, широкополосность звучания и пафос), джаза (отсюда постоянно эволюционирующие соло), прогрессивного рока (отсюда высокая сложность гармонических и ритмических решений и аранжировок). Это, безусловно, громкая и агрессивная музыка, которой не место в традиционном джазовом клубе, но которая куда ближе к классической идее джаза, чем большинство ресторанных ансамблей с «романтическим саксофоном». Авторские композиции этого состава — та музыка, которая одинаково уместна и в хорошем альтернативном клубе, и на стадионном рок-фестивале: словом, трудно найти ансамбль, лучше поясняющий своей музыкой идею, заложенную в само слово «МузЭнерго».
Об уровне авторитета музыкантов говорит не только их постоянная занятость в коллективах лидеров отечественной рок- и поп-сцены, но и имена тех, кто работает уже с ними самими. Так, в записи дебютного альбома «AlkoTrio», получившего неожиданное название «Баранина» принял участие легендарный американский саксофонист Эрик Мариэнтал.
На пятом «МузЭнерго» коллектив выступил в Воронеже.
Отзывы слушателей:
… прикольные ребята.
… хорошо. Хочу музычку на рабочий комп, буду слушать, когда в сжатые сроки нужно будет сделать сразу и много. Бодрячком сразу после их прослушивания.
Игорь Карпов (ударные), Вадим Морозов (бас-гитара), Олег Щёголев (гитара, вокал)
В составе этого блюзового коллектива — опытные профессиональные музыканты, имеющие практику концертной работы в джазе, блюзе и роке не только в России, но и в странах Европы и США. Состав группы, который выступил на дубненском фестивале — детище российского гитариста и вокалиста Олега Щёголева-Мациевского, известного российским любителям джазовой музыки по собственным проектам и сотрудничеству с известным гитаристом Иваном Рахмановым, а поклонникам джаз-рока и фьюжн — по группе «Омниум-бэнд», довольно активно гастролировавшей по России, выступавшей на федеральном ТВ и ставшей обладателем Гран-При ряда всероссийских фестивалей. В настоящее время, в связи с очередным «американским периодом» одного из участников группы, её деятельность временно приостановлена в пользу «Alan Matthew Band». «Alan Matthew Band» сыграли в Дубне программу из классических «боевиков» электрического блюза и соул.
Отзывы слушателей:
… Хороший блюз-рок. Клэптон, Хендрикс… не знаю, что ещё сказать…
…Люди знают, как и что играть…
… Добротно!
Трудно говорить о лидерстве в дуэте гитариста Алана Блесинга и перкуссионистки и вокалистки Сэнэм Дийиджи.
Оба музыканта — заметные личности, каждый на своём стилистическом поле и в своём, как принято говорить, «национальном сегменте». Читать далее Alain Blesing & Senem Diyici
Ефим Чупахин — фортепиано, лидер Дмитрий Бондарев — труба Денис Мороз — бас Сергей Балалаев — ударные
«Acoustic Quartet» — это джазовый коллектив, участники которого тяготеют к самым позитивным экспериментам в области современного джазового мэйнстрима и европейской композиционной музыки. Читать далее Acoustic Quartet
Юрий Топчий (гитара); Антон Давидянц (бас-гитара); Эдуард Петрухин (ударные).
Коллективы такого типа в традиционной музыкальной терминологии принято называть «сайд-проектами» (то есть сторонними по отношению к чему-то ещё). Читать далее A-Trio
Илья Алабужев (бас-гитара); Андрей Розумный (клавишные); Павел Галицкий (ударные);
и специальный гость Андрей Прозоров (саксофон).
Этот украинский коллектив, в состав которого входят весьма опытные, несмотря на возраст, музыканты, получил своё название по имени лидера – бас-гитариста и композитора Ильи Алабужева. Читать далее A-La Quartet
Александр Васильченко (гитара), Сергей Заонегин (ударные), Никита Кана (альт-саксофон), Александр Капитонов (бас-гитара), Вячеслав Киров (перкуссия), Максим Новиков (клавишные) Читать далее 105 элемент
Польша/Россия
